Der späte abstrakte Expressionismus in den Werken von Sam Francis

Einige Leute sagen, dass es für wahre Künstler keine Wahl ist, Kunst zu machen; es ist ein Zwang. Sie schaffen Kunstwerke, egal ob sie bezahlt werden oder nicht, selbst wenn sie ignoriert werden. Mit anderen Worten, Künstler machen Kunst, weil sie nicht anders können, als Kunst zu machen. So ernst das auch klingt, Sam Francis betrachtete die Beziehung zwischen Künstlern und der Kunstproduktion als noch intensiver. Er sah die Kunstproduktion nicht als etwas, das ein Künstler tut, sondern als etwas, das einfach ist, weil der Künstler ist. Er sagte: “der Künstler ist sein Werk und nicht mehr menschlich.” Für Francis war es ebenso unmöglich, Kunst von einem Künstler zu trennen, wie Regen von einer Wolke zu trennen. Der Regen ist die Wolke. Die Kunst ist der Künstler. Es gibt keine Trennung. Sie sind eins.

Dunkelheit ist nur eine Farbe

Wenn man auf die Geschichte des Abstrakten Expressionismus zurückblickt, wird schnell deutlich, dass die Künstler, die mit den frühen Tagen der Bewegung verbunden sind, tief von den Ängsten ihrer Zeit beeinflusst waren. Sie gehörten einer Generation an, die durch Leiden und Opfer geprägt war, verfolgt von den Schrecken des Krieges und der Angst vor der Atombombe. Durch ihre Kunstwerke versuchten sie ernsthaft, mit ihrem Unterbewusstsein in Verbindung zu treten und ihre inneren Zustände auszudrücken. Die Dunkelheit ihrer Zeit scheint oft in ihrer Kunst evident zu sein, sei es in der Farbpalette oder in der Angst der Gesten, Formen, Texturen oder Kompositionen. Aber dieselben Werke sind auch offenbart und führen die Betrachter dazu, transzendente, kontemplative Bewusstseinszustände zu erleben. Drücken sie also wirklich Dunkelheit aus?

Sam Francis wird mit der zweiten Generation des abstrakten Expressionismus in Verbindung gebracht. Er erlangte Bekanntheit, nachdem er 1956 in der Ausstellung 12 American Artists im MoMA aufgenommen wurde, im selben Jahr, in dem Jackson Pollock, die führende Figur der frühen Bewegung, starb. Francis begann im Krankenhaus mit dem Malen, während er sich von einer Rückenverletzung erholte, die er während seines Dienstes als Jagdflieger im Zweiten Weltkrieg erlitten hatte. Nach dem Krieg kehrte er in seine Heimat Kalifornien zurück und erwarb 1950 einen Master-Abschluss an der UC Berkeley. Dort traf er einige Maler der ersten Generation des abstrakten Expressionismus, darunter Mark Rothko, der zu dieser Zeit an der California School of Fine Arts in San Francisco unterrichtete. Francis fand Inspiration in dem Fokus, den diese Kreativen auf das Sein und Werden legten, und in ihrem Engagement für die Suche nach dem authentischen Selbst. 

Sam Francis - Untitled, 1959, Gouache auf Papier, 11,5 x 36 cm. © Die Sam Francis Stiftung

Die Ehe von Dunkelheit und Licht

Für Sam Francis waren Dunkelheit und Licht keine gegensätzlichen Kräfte. Sie waren komplementäre Kräfte oder vielleicht sogar schwankende Manifestationen derselben Qualität. Er sagte einmal: „Eine Zunahme des Lichts führt zu einer Zunahme der Dunkelheit.“ Wollte er sagen, dass Licht und Dunkelheit eins sind? Oder sprach er über die Art und Weise, wie Licht einen Schatten wirft, was bedeutet, dass je heller ein Licht wird, desto dunkler der Schatten ist, den es wirft? Oder bezog er sich auf Erleuchtung und die metaphysische Auswirkung der Erkenntnis, dass wir, je mehr wir lernen, desto mehr erkennen, wie wenig wir wissen?

Er könnte keines dieser Dinge gemeint haben. Er sagte auch einmal: „Farbe entsteht aus der Durchdringung von Licht und Dunkel.“ Es ist also möglich, dass er einfach über Kontraste sprach und wie der weiße Raum auf einer Leinwand die Dunkelheit der Farbe ausdrückt. In jedem Fall bieten seine Kommentare zumindest eine nuancierte Perspektive, von der aus man die offensichtliche Dunkelheit der abstrakten Expressionismusbewegung im Allgemeinen interpretieren kann. Und sie geben uns einen Ausgangspunkt, um zu verstehen, wie er sich in seinen eigenen Gemälden mit Dunkelheit, Licht und Farbe auseinandersetzte.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © Die Sam Francis Stiftung

12 amerikanische Maler

Francis zeigte sieben Gemälde in seiner Gruppenausstellung im MoMA. Sie waren massiv im Maßstab. Das kleinste war mehr als sechs Fuß hoch und das größte mehr als zwölf Fuß mal zehn Fuß. Die Gemälde trugen alle Namen von Farben: Blue Black, Yellow, Big Red, Black in Red, Red in Red, Gray, und Deep Orange on Black. Jedes dieser Gemälde teilte eine gemeinsame Ästhetik, die Francis als Maler mit einem definierten visuellen Stil etablierte. Sie bestanden aus geschichteten biomorphen Formen, die durch ungebremste Tropfen verstärkt wurden.

Diese Leinwände umhüllen die Betrachter in den Kompositionen. Die Stimme der Werke definiert das Wort Komposition neu, um weniger auf die Anordnung ästhetischer Elemente zu fokussieren und mehr darauf, was es bedeutet, sich komponiert zu fühlen. Sie strahlen ein Gefühl von Kontrolle, von Selbstbewusstsein und von Harmonie aus. Sie vermitteln den Eindruck, dass alles, was notwendig ist, um das Gemälde zu verstehen, im Raum der Leinwand enthalten ist. Und doch lädt ihre sinnliche, persönliche Natur uns ein, tiefer zu erkunden, was sonst noch verborgen bleibt.

Sam Francis - Tiefes Orange auf Schwarz, 1955, Öl auf Leinwand. © Die Sam Francis Stiftung

Eindämmung

Kaum hatte Sam Francis für seine einzigartige Ästhetik Bekanntheit erlangt, ging er darüber hinaus. Er erweiterte seine Farbpalette um eine lebendige Auswahl an hellen, reinen Farben. Und er erkundete eine Vielzahl von Ansätzen zur Komposition, einschließlich biomorpher Darstellung in einer Reihe von Arbeiten mit dem Titel Blue Balls, die auffällige blaue Kugeln zeigen, inspiriert von seinem Kampf gegen Nierenerkrankungen. In den Mitte der 1960er Jahre kam er zu einem weiteren ausgeprägten ästhetischen Idiom, das durch bunte Pinselstriche um die Ränder seiner Gemälde gekennzeichnet ist, die fast leeren weißen Raum umgeben.

Diese Werke sprechen direkt und elegant die Vorstellungen an, die Francis über Licht und Dunkelheit äußerte. Der erhöhte Weißraum oder die Lichtheit intensiviert den Ausdruck der Dunkelheit, der durch Farbe vermittelt wird. Die Farbe ist minimiert und definiert dennoch das Bild. Diese Bilder widersprechen der allumfassenden Natur so vieler abstrakter expressionistischer Werke. Sie sprechen von Nichts und von der Kraft der Nuance und lenken die Aufmerksamkeit auf das, was nicht ausgedrückt wird.

Sam Francis - Untitled, 1965, Gouache auf Papier (Links) und Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, Lithografie (Rechts). © Die Sam Francis Stiftung

Ohne Zurückhaltung

Während der meisten seiner Karriere mied Francis die New Yorker Kunstszene und zog es vor, in Paris, Tokio und Kalifornien zu leben und zu arbeiten. Er ließ sich nicht von Trends einschränken. Er verwendete die mit Action Painting verbundenen Techniken wie Tropfen, Gießen und Spritzen und arbeitete auch mit traditionellen Pinseln und mit Flecken. Er stellte Drucke, Lithografien und Monotypien her und arbeitete mit einer Vielzahl von verschiedenen Medien und Oberflächen. Und er entwickelte unermüdlich seinen kompositorischen Stil weiter. In den 1970er und 80er Jahren bezog er oft geometrische Formen in seine Gemälde ein und malte manchmal sogar harte geometrische Werke.

Er wird am häufigsten für die hellfarbigen Spritzmalereien erinnert, die er in den 1980er Jahren geschaffen hat. Ihre Anlehnung an Techniken, die von vielen anderen Malern seiner Generation längst aufgegeben wurden, hebt sie selbstbewusst hervor. Ihre primitiven Qualitäten sprachen in einem Dialog mit den neo-expressiven Werken von Malern wie Basquiat. Ihre Farbpalette spiegelte die des Pop Art und der Chicago Imagists wider. Und ihre Bildsprache rief die Geschichte der abstrakten Kunst in Erinnerung und verwies auf Maler wie Miro, Calder und Gorky.

Sam Francis - Untitled, 1983, Monotypie (Links) und Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, Lithografie auf Wove-Papier (Rechts). © Die Sam Francis Stiftung

Jenseits der zweiten Generation

Sam Francis hörte nie auf, sich künstlerisch weiterzuentwickeln. Selbst nachdem er kurz vor seinem Tod die Benutzung seiner rechten Hand verlor, lernte er, mit der linken Hand zu malen, und engagierte sich in der Schaffung eines großen neuen Werkes, das er bis zu seinem Tod fortsetzte. Trotz der Veränderung seines ästhetischen Stils gab er die wesentlichen Grundsätze des abstrakten Expressionismus nie auf. In seiner Hingabe daran verwandelte er jedoch auch grundlegend, was abstrakter Expressionismus sein konnte. Das soll nicht heißen, dass er ihn veränderte. Er bewahrte seine integralen Elemente. Er hörte nie auf, intuitiv zu malen, sich mit seinem eigenen inneren Zustand zu verbinden und mit der Leinwand als einer Arena zu interagieren, in der ein Ereignis stattfindet. Aber er fügte auch der Definition hinzu. Was er hinzufügte, wird schön zusammengefasst in seiner eigenen Beschreibung dessen, was Malerei ist: „Malerei handelt von der Schönheit des Raumes und der Kraft der Begrenzung."

Alles liegt in den vier Worten: Schönheit, Raum, Macht und Eingrenzung. Sam Francis verfolgte ohne Scham die Schönheit. Er umarmte sowohl die Einschränkungen als auch die Möglichkeiten eines definierten Raums. Er erkannte an und übernahm die persönliche Verantwortung für die urtümliche Realität der menschlichen Suche nach Macht. Und schließlich drückte er das Vertrauen und die Sicherheit aus, die im Gefühl liegen, dass etwas eingegrenzt wurde. Vergleiche das mit dem, was Jackson Pollock einmal über die Malerei sagte: „Das Gemälde hat ein eigenes Leben. Ich versuche, es durchkommen zu lassen.“ Neben allem anderen, worum es in ihrer Arbeit ging, waren Pollock und die erste Generation der abstrakten Expressionisten ungebremst in ihrem Experimentieren. Sie hielten einen wilden Tiger am Schwanz, aufgeregt zu entdecken, was er als Nächstes tun könnte, völlig offen für die Möglichkeiten und vor allem entschlossen, ihn so wild wie möglich so lange wie möglich zu halten. Sam Francis half, den Tiger zu zähmen. Damit gab er auch den nächsten Generationen von Künstlern die Erlaubnis, zu definieren, was abstrakte Expressionismus für sie bedeutet.

Vorschaubild:Sam Francis - Untitled, 1962, Acryl und Gouache auf Papier. © The Sam Francis Foundation
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio