Der späte abstrakte Expressionismus in den Werken von Sam Francis

Manche sagen, für wahre Künstler ist das Schaffen von Kunst keine Wahl, sondern ein Zwang. Sie schaffen Kunstwerke, egal ob sie bezahlt werden oder nicht, selbst wenn sie ignoriert werden. Anders gesagt, Künstler schaffen Kunst, weil sie nicht anders können. So ernst das auch klingt, Sam Francis betrachtete die Beziehung zwischen Künstlern und dem Kunstschaffen als noch intensiver. Er sah das Kunstschaffen nicht als etwas, das ein Künstler tut, sondern als etwas, das einfach ist, weil der Künstler ist. Er sagte: „Der Künstler ist sein Werk und nicht länger Mensch.“ Für Francis war es so unmöglich, Kunst vom Künstler zu trennen wie Regen von einer Wolke zu trennen. Der Regen ist die Wolke. Die Kunst ist der Künstler. Es gibt keine Trennung. Sie sind eins.

Dunkelheit ist nur eine Farbe

Wenn man auf die Geschichte des Abstrakten Expressionismus zurückblickt, wird schnell deutlich, dass die Künstler, die mit den Anfängen der Bewegung verbunden sind, tief von den Ängsten ihrer Zeit geprägt waren. Sie gehörten einer Generation an, die durch Leid und Opfer definiert war, verfolgt von den Schrecken des Krieges und der Angst vor der Atombombe. Durch ihre Kunstwerke versuchten sie ernsthaft, mit ihrem Unterbewusstsein in Verbindung zu treten und ihre inneren Zustände auszudrücken. Die Dunkelheit ihrer Zeit scheint oft in ihrer Kunst sichtbar zu sein, sei es in der Farbpalette oder in der Angst der Gesten, Formen, Texturen oder Kompositionen. Doch dieselben Werke sind auch offenbarend und führen die Betrachter zu transzendenten, nachdenklichen Bewusstseinszuständen. Drücken sie also wirklich Dunkelheit aus?

Sam Francis wird mit der zweiten Generation des abstrakten Expressionismus in Verbindung gebracht. Er wurde bekannt, nachdem er 1956 in der Ausstellung 12 American Artists im MoMA vertreten war, im selben Jahr, in dem Jackson Pollock, die führende Figur der frühen Bewegung, starb. Francis begann im Krankenhaus zu malen, während er sich von einer Rückenmarksverletzung erholte, die er als Kampfpilot im Zweiten Weltkrieg erlitten hatte. Nach dem Krieg kehrte er in seine Heimat Kalifornien zurück und erwarb 1950 einen Masterabschluss an der UC Berkeley. Dort traf er einige Maler der ersten Generation des abstrakten Expressionismus, darunter Mark Rothko, der damals an der California School of Fine Arts in San Francisco unterrichtete. Francis fand Inspiration in der Konzentration dieser Künstler auf das Sein und Werden sowie in ihrem Engagement für die Suche nach dem authentischen Selbst.

Sam Francis - Ohne Titel, 1959, Gouache auf Papier, 11,5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

Die Verbindung von Dunkelheit und Licht

Für Sam Francis waren Dunkelheit und Licht keine gegensätzlichen Kräfte. Sie waren ergänzende Kräfte oder vielleicht sogar wechselnde Erscheinungsformen derselben Qualität. Er sagte einmal: „Eine Zunahme des Lichts bringt eine Zunahme der Dunkelheit.“ Meinte er, dass Licht und Dunkelheit eins sind? Oder sprach er davon, wie Licht einen Schatten wirft, also je heller ein Licht wird, desto dunkler der Schatten? Oder bezog er sich auf Erleuchtung und die metaphysische Wirkung der Erkenntnis, dass je mehr wir lernen, desto mehr erkennen wir, wie wenig wir wissen?

Er könnte keines von diesen gemeint haben. Er sagte auch einmal: „Farbe entsteht aus dem Ineinandergreifen von Licht und Dunkel.“ Es ist also möglich, dass er einfach über Kontraste sprach und wie der weiße Raum auf einer Leinwand die Dunkelheit der Farbe ausdrückt. Jedenfalls bieten seine Aussagen eine differenzierte Sichtweise, um die scheinbare Dunkelheit der abstrakten expressionistischen Bewegung im Allgemeinen zu deuten. Und sie geben uns einen Ausgangspunkt, um zu verstehen, wie er Dunkelheit, Licht und Farbe in seinen eigenen Gemälden begegnete.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 amerikanische Maler

Francis zeigte sieben Gemälde in seiner Durchbruchsausstellung im MoMA. Sie waren riesig. Das kleinste war über sechs Fuß hoch, das größte mehr als zwölf Fuß mal zehn Fuß. Alle Gemälde trugen Farbnamen: Blau Schwarz, Gelb, Großes Rot, Schwarz in Rot, Rot in Rot, Grau und Tiefes Orange auf Schwarz. Jedes dieser Gemälde teilte eine gemeinsame Ästhetik, die Francis als Maler mit einem klar definierten Bildstil etablierte. Sie bestanden aus geschichteten biomorphen Formen, verstärkt durch ungezügelte Tropfen.

Diese Leinwände umhüllen die Betrachter in den Kompositionen. Die Stimme der Werke definiert das Wort Komposition neu, indem sie weniger auf die Anordnung ästhetischer Elemente fokussiert und mehr darauf, was es bedeutet, sich gefasst zu fühlen. Sie strahlen ein Gefühl von Kontrolle, Selbstvertrauen und Harmonie aus. Sie vermitteln den Eindruck, dass alles, was man über das Gemälde wissen muss, im Raum der Leinwand enthalten ist. Und doch lädt ihre sinnliche, persönliche Natur uns zu einer tieferen Erkundung dessen ein, was noch verborgen bleibt.

Sam Francis - Tiefes Orange auf Schwarz, 1955, Öl auf Leinwand. © The Sam Francis Foundation

Einschluss

Kaum war Sam Francis für seine einzigartige Ästhetik bekannt, ging er darüber hinaus. Er erweiterte seine Farbpalette um ein lebhaftes Spektrum heller, reiner Farben. Und er erforschte eine Vielzahl von Kompositionsansätzen, darunter biomorphe Darstellungen in einer Werkreihe namens Blaue Kugeln, die auffällige blaue Kugeln zeigen, inspiriert von seinem Kampf mit Nierenerkrankungen. Mitte der 1960er Jahre entwickelte er einen weiteren eigenständigen ästhetischen Stil, der durch farbige Pinselstriche an den Rändern seiner Gemälde gekennzeichnet ist, die fast leeren weißen Raum im Inneren umgeben.

Diese Werke sprechen direkt und elegant die Vorstellungen an, die Francis über Helligkeit und Dunkelheit äußerte. Der vergrößerte weiße Raum oder die Helligkeit verstärkt den Ausdruck der Dunkelheit, die durch Farbe vermittelt wird. Die Farbe wird minimiert und definiert dennoch das Bild. Diese Bilder widersprechen der allumfassenden Natur vieler abstrakter expressionistischer Werke. Sie sprechen vom Nichts und von der Kraft der Nuance und lenken die Aufmerksamkeit auf das, was nicht ausgedrückt wird.

Sam Francis - Ohne Titel, 1965, Gouache auf Papier (links) und Sam Francis - Ohne Titel (SF-106A), 1969, Lithographie (rechts). © The Sam Francis Foundation

Ohne Zurückhaltung

Während der meisten seiner Laufbahn mied Francis die Kunstszene New Yorks und zog es vor, in Paris, Tokio und Kalifornien zu leben und zu arbeiten. Er ließ sich nicht von Moden einschränken. Er nutzte Techniken, die mit Action Painting verbunden sind, wie Tropfen, Gießen und Spritzen, verwendete aber auch Färbetechniken und traditionelle Pinsel. Er fertigte Drucke, Lithographien und Monotypien an und arbeitete mit verschiedenen Materialien und Oberflächen. Und er entwickelte seinen Kompositionsstil unermüdlich weiter. In den 1970er und 80er Jahren bezog er oft geometrische Formen in seine Gemälde ein und malte manchmal sogar geometrische Werke mit scharfen Kanten.

Am bekanntesten ist er für die leuchtend bunten Spritzbilder, die er in den 1980er Jahren schuf. Ihre Treue zu Techniken, die viele andere Maler seiner Generation längst aufgegeben hatten, hob sie selbstbewusst hervor. Ihre ursprünglichen Qualitäten standen im Dialog mit den neoexpressionistischen Werken von Malern wie Basquiat. Ihre Farbpalette erinnerte an die der Pop Art und der Chicago Imagists. Und ihre Bildsprache rief die Geschichte der abstrakten Kunst wach und erinnerte an Maler wie Miró, Calder und Gorky.

Sam Francis - Ohne Titel, 1983, Monotypie (links) und Sam Francis - Ohne Titel (SF-330), 1988, Lithographie auf Büttenpapier (rechts). © The Sam Francis Foundation

Über die zweite Generation hinaus

Sam Francis hörte nie auf, sich künstlerisch weiterzuentwickeln. Selbst nachdem er kurz vor seinem Tod die Nutzung seiner rechten Hand verlor, lernte er, mit der linken Hand zu malen, und schuf eine große neue Werkgruppe, an der er bis zu seinem Tod arbeitete. Trotz der Veränderung seines ästhetischen Stils gab er die wesentlichen Grundsätze des abstrakten Expressionismus nie auf. In seiner Hingabe daran veränderte er jedoch grundlegend, was abstrakter Expressionismus sein kann. Nicht, dass er ihn veränderte. Er bewahrte seine wesentlichen Elemente. Er hörte nie auf, intuitiv zu malen, sich mit seinem inneren Sein zu verbinden und die Leinwand als Arena zu sehen, in der ein Ereignis stattfindet. Aber er erweiterte auch die Definition. Was er hinzufügte, fasst seine eigene Beschreibung dessen, was Malerei ist, gut zusammen: „Malerei handelt von der Schönheit des Raumes und der Kraft der Begrenzung.“

Alles steckt in den vier Worten: Schönheit, Raum, Kraft und Begrenzung. Sam Francis verfolgte Schönheit ohne Scheu. Er nahm sowohl die Begrenzungen als auch die Möglichkeiten eines definierten Raumes an. Er erkannte die grundlegende Realität der menschlichen Suche nach Macht an und übernahm persönliche Verantwortung dafür. Und schließlich drückte er das Vertrauen und die Sicherheit aus, die darin liegen, dass etwas begrenzt wurde. Vergleichen Sie das mit dem, was Jackson Pollock einmal über Malerei sagte: „Das Gemälde hat ein Eigenleben. Ich versuche, es durchkommen zu lassen.“ Neben allem anderen, worum es bei ihrer Arbeit ging, waren Pollock und die erste Generation der abstrakten Expressionisten ungebunden in ihrem Experimentieren. Sie hielten einen wilden Tiger am Schwanz, gespannt darauf, was er als Nächstes tun würde, völlig offen für die Möglichkeiten und vor allem entschlossen, ihn so wild wie möglich so lange wie möglich zu halten. Sam Francis half, den Tiger zu zähmen. Dabei gab er auch den nachfolgenden Künstlergenerationen die Erlaubnis, zu definieren, was abstrakter Expressionismus für sie bedeutet.

Titelbild:Sam Francis - Ohne Titel, 1962, Acryl und Gouache auf Papier. © The Sam Francis Foundation
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio