Ein Interview mit John Monteith
John Monteith wurde 1973 in Newmarket, Ontario, Kanada geboren und ist Absolvent des MFA-Programms der Parsons The New School for Design aus dem Jahr 2008. Er hat umfangreiche Reisen unternommen und weltweit gelebt, was seine Produktionspraxis im Laufe der Jahre beeinflusst und verändert hat. Seine komplexen und farbenfrohen Werke aus Wachs und Pigmenten auf geschichtetem Zeichenfilm sowie seine mühevoll geschichteten Fotodokumentationen haben ihn zu einem gefragten und bekannten abstrakten Künstler gemacht.
John Monteith wurde international vertreten und war Mittelpunkt mehrerer Solo- und Gruppenausstellungen, wie: „At Night All Cats Are Grey“, O’Born Contemporary, Toronto, ON; „Not Yet Titled“, Galerie Wenger, Zürich, Schweiz; und „Vector Issue 5“, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Deutschland. Seine Werke sind Teil der ständigen Sammlungen an The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; und Morris and Associates in London, England. IdeelArt hatte das Vergnügen, den Künstler zu interviewen, um über seinen Arbeitsprozess und kommende Projekte zu sprechen.
"Welche Materialien und Techniken verwenden Sie in Ihrem Arbeitsprozess? Wie hat sich Ihre Praxis im Laufe der Zeit verändert?"
In meiner früheren Malpraxis verwendete ich Öl auf Leinwand und arbeitete repräsentativ, indem ich großformatige figurative Gemälde schuf. Seit 2005 habe ich einen bedeutenden Wechsel in Bezug auf Medium und Themen vorgenommen. Die Entwicklung meiner Arbeit verlief natürlich im Einklang mit meinen Gedanken, nicht nur über städtische Räume, sondern auch über persönliche Beziehungen und multiple Beziehungsebenen. Ich war schon immer fasziniert von dem, was das Sichtbare und das Verborgene kennzeichnet.
Im Jahr 2006 begann ich mit Zeichenfilm zu arbeiten und nutzte seine durchscheinenden Eigenschaften, um Bilder übereinander zu schichten. Während ich weiterhin repräsentativ arbeitete, verwendete ich Ölfarbe, die verdünnt war, um ihre transparente Natur auszunutzen. Ich malte Architektur und städtische Zentren, Orte, die ich besucht hatte und die historische Bedeutung hatten, und sogar die Überreste eines alten Autounfalls, den ich in einem Wald in Kyoto, Japan, sah, bei dem ein paar Autos vor vielleicht fünfzehn Jahren von einer steilen Straße abgekommen waren. Jede dieser Szenen war einst oder ist derzeit ein Ort des Bruchs. Um die Gemälde aus dieser Serie zu erstellen, malte ich jedes Bild zweimal auf zwei verschiedenen Blättern Zeichenfilm und legte dann die Blätter übereinander, wobei ich die Registrierung verschob, sodass das obere Gemälde leicht vom unteren Gemälde versetzt war, die dann übereinander geschichtet wurden, um ein Bild zu schaffen. Die Kombination dieser beiden "Teile" zu einem Gemälde erzeugte ein Werk, das in einer rätselhaften Zone des Wandels verweilte, gewissermaßen eine Bewegung, die in der Zeit eingefangen war. Nach der Ausstellung dieser Gemälde zusammen mit einer Reihe textbasierter Arbeiten wurde ich in meiner Kunstproduktion reduktiver und nahm einen konkreten Ansatz für meine Zeichnungen und Gemälde, der einen Bezug zum Zeitlichen im städtischen Raum und einen Diskurs über Erinnerung/Geschichte aufrechterhielt, wie er von Schriftstellern wie Andreas Huyssen vorangetrieben wurde.
Im Jahr 2011 begann ich die (de) Construction/(re) Construction-Serie, die aus Fotodokumentationen von interstitiellen Räumen wie Türöffnungen und Fluren von Einkaufszentren, Flughafen-Terminals und anderen öffentlichen Räumen entstanden sind. Ich schuf diese Gemälde, indem ich die Formen von Licht und Schatten nutzte, die in diesen "Junk Spaces" vorhanden sind, einem Begriff, der von Rem Koolhaas geprägt und beschrieben wurde. Dies sind "Nirgendwo"-Orte, an denen wir viel Zeit im Transit verbringen, während wir uns von Punkt A nach Punkt B bewegen. Wie bei meiner letzten Gemäldeserie verwendete ich die gleiche Strategie, zwei identische Schichten zu malen, aber dieses Mal verschob ich die Schichten in die gewünschte Position, bevor ich das Gemälde fertigstellte, indem ich bestimmte Elemente herauszog und zurückdrückte.
Beim Vollenden dieser Gemälde habe ich sie auf opakem weißen Plexiglas montiert, das handgeschnitten auf die Maße jedes Gemäldes zugeschnitten wurde. Dies ermöglichte es mir, die Stücke an der Wand aufzuhängen, wie man es mit einem traditionellen Gemälde tun würde, aber alternativ auch die Gemälde skulptural zu betrachten, indem ich jedes Stück auf seinen eigenen Ständer hängte. Diese Art der Installation schuf neue physische Beziehungen zwischen den Werken, während sie auf die Architektur der Galerie verwies und die "Eins-zu-eins"-Sichtlinie des Betrachtens veränderte, wodurch sich die Natur der Erfahrung mit den Gemälden änderte. Meine Werke nehmen auf diese Weise unterschiedliche Assoziationen an. Ich war schon immer an Schichtung interessiert, aber ich interessiere mich auch dafür, ein Material zu verwenden, um auf ein anderes zu verweisen, in diesem Fall meine Gemälde, die als Skulpturen installiert sind. Verschiedene Gemälde könnten wie Zeichnungen aussehen, und Fotografien und Zeichnungen könnten wie Gemälde aussehen. Jeder Schritt in meinem kreativen Prozess manifestiert sich visuell im Endwerk; die Spuren sind immer lesbar. Für mich liegt hier der Inhalt. In unseren Städten spielt sich dieses Szenario ab, während wir nach Beweisen und Spuren der Vergangenheit suchen, die im Überzug der Gegenwart verborgen sind.
Ich habe die letzten zwei Jahre in Berlin verbracht und Zeichnungen erstellt, die organisch gewachsen sind, im Gegensatz zu meiner früheren Verwendung von fotografischen Referenzen. Ich habe besonders die Rekonstruktion der Stadt, ihre Topographie und auch die "Leerstellen" der Stadt betrachtet, die Spuren der Vergangenheit bewahren. Aus dieser Forschung habe ich miteinander verbundene Gruppen von Zeichnungen geschaffen, die sich gegenseitig informieren, wenn sie im Konzert betrachtet werden, sowie Arbeiten, die die architektonische Rekonstruktion im Stadtzentrum berücksichtigen.
Wie lange dauert eine Arbeit normalerweise?
Es kommt wirklich darauf an. Als ich in Berlin war, war ich normalerweise sechs Tage die Woche in meinem Studio. Es ist schwierig zu sagen, wie lange ein Werk dauern wird, da ich dazu neige, an mehreren Stücken gleichzeitig zu arbeiten. In meinem Prozess beginne ich mit sehr dünner Farbe und baue sie dann langsam auf oder, im Fall meiner Zeichnungen, verbringe ich oft ein paar Wochen mit Tests, bevor ich meinen Ansatz für das Werk finalisiere. Grundsätzlich ist mein Prozess ein langsamer, arbeitsintensiver.
Was ist integraler Bestandteil Ihrer Arbeit?
"Meine Praxis hat mich in viele Städte geführt, sowohl zum Leben als auch zur Forschung. Jedes Mal, wenn ich umziehe, beeinflusst und verändert es meine Arbeit. Diese Orte sind Katalysatoren für die Art und Weise, wie ich über Kunst nachdenke und wie ich meinen Prozess umsetze. Neue Denk- und Herstellungsweisen entstehen, während alte Gewohnheiten gebrochen und aufgerüttelt werden."
Wie weißt du, wann eine Arbeit fertig ist?
"Ich arbeite nicht wirklich auf eine so nebulöse Weise; es ist mir klarer. Es gab nie eine Frage, was ich als Nächstes tun muss, um eine Arbeit zu lösen. Die größte Frage für mich ist, wie ich jedes Stück kontextuell mit anderen Stücken in der Ausstellung platziere und wie die Arbeit installiert werden soll. Das sind immer die schwierigsten Fragen, wenn ich darüber nachdenke, wie meine Arbeit gelesen wird und wie der Ausstellungsraum diese Lesbarkeit beeinflusst. Während ich mit meinem gewählten Material arbeite, ist auch der Rahmen eine Überlegung. Der Rahmen kann meine Arbeit entweder machen oder brechen. Ich arbeite gerne mit Rahmenmachern, denen ich vertraue und die ihre Einsichten und Ideen anbieten können."
Was bedeutet es für deinen Prozess, einen physischen Raum zum Kunstmachen zu haben, und wie gestaltest du deinen Studio-Raum so, dass er für dich funktioniert?
"Mein Studio muss ein einsamer und ruhiger Raum sein. Ich bin flexibel mit dem Standort, aber der Studio-Raum diktiert bestimmte Parameter, insbesondere in Bezug auf die Größe und wie groß es möglich ist, zu arbeiten. Wenn Sie einen kleinen Raum haben, wird ein Werk in Ihrem Studio viel größer aussehen, als es einmal an den Wänden einer großen Galerie hängt."
Gibt es etwas, an dem du gerade arbeitest oder auf das du dich freust, dass du mir erzählen kannst?
Derzeit bin ich in Halifax, Kanada, und recherchiere zu faserbasierten Kunstpraktiken für ein neues Werk aus Webarbeiten. Während meines Aufenthalts in Berlin wurde ich zunehmend daran interessiert, meine traditionelle Praxis zu erweitern und neue Medien zu integrieren – ich werde weiterhin malen, aber auf eine andere Weise.
Wie navigierst du in der Kunstwelt?
Ich denke, der beste Weg, mit dem Druck umzugehen, besteht darin, so viel Zeit wie möglich in deinem Studio zu verbringen und weiter zu arbeiten. Es gibt eine gewisse Trost in dem Prozess, voranzukommen auf Weisen, die herausfordernd für dich sind. Ich lese verschiedene Texte und Kunstpublikationen, die sich auf Kulturtheorie und -untersuchung konzentrieren, anstatt auf direkte Ausstellungsrezensionen oder Artikel, die dem Kunstmarkt gewidmet sind. Es hilft auch, meine Gemeinschaft um mich zu haben – ich habe Gruppen in Berlin, New York und Toronto – bestehend aus Künstlern, Kuratoren, Schriftstellern, Designern, Musikern und DJs, die meine Arbeit unterstützen, während ich ihre unterstütze. Der Austausch von Gesprächen und einfach nur mit ihnen präsent zu sein, hilft mir enorm, mit dem Druck, ein Künstler zu sein, umzugehen.
Was ist der beste Rat, den du bekommen hast, als du in die Kunstwelt eingetreten bist? Welchen Rat hast du für junge aufstrebende Künstler?
"Der beste Rat, den ich bekam, war von Martha Rosler, die sagte: 'Vertraue niemals jemandem mit deiner Karriere. Du musst immer darauf achten, wie du repräsentiert wirst und wie diejenigen, die dich vertreten, das Gespräch über deine Arbeit gestalten.'"
Bist du an bevorstehenden Shows oder Veranstaltungen beteiligt? Wo und wann?
Ich werde Teil einer Gruppenausstellung in der Galerie Wenger in Zürich, Schweiz, sein, die am 24. Oktober 2015 eröffnet und bis zum 9. Januar dauert. Ich habe auch ein paar andere Projekte, die sich in der frühen Entwicklungsphase befinden.
Vorschaubild: Memorial Day Installation O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Courtesy of the artist
