Eine feminine Kante: Abstrakte Skulptur in der Tate Britain

Im Tate Britain richtet sich die ganze Aufmerksamkeit auf weibliche Abstraktion. Nach so viel jüngster Spekulation über die Rolle weiblicher Künstlerinnen in der Kunstwelt präsentiert das Tate Britain die erste Retrospektive seit 50 Jahren, die das Werk der britischen Bildhauerin Barbara Hepworth (1903–1975) feiert. Die Ausstellung mit dem Titel „Barbara Hepworth: Skulptur für eine moderne Welt“ zeigt einen umfangreichen Teil ihres Schaffens und läuft bis zum 25. Oktober 2015.

Eine Künstlerin, die nicht durch ihr Geschlecht definiert wird

Obwohl einige Mitglieder des Kunstmarktes engstirnig und in der Vergangenheit verhaftet bleiben und glauben, dass Künstlerinnen nur Schatten ihrer männlichen Kollegen seien, widerlegt der Erfolg von Barbara Hepworth ihre Frauenfeindlichkeit vollständig. Sie sagt: „Ich zeichne selten, was ich sehe, ich zeichne, was ich in meinem Körper fühle“, eine Aussage, die sich deutlich in der organischen Fließfähigkeit und den natürlichen Wellenbewegungen ihrer kolossalen Skulpturen zeigt. Hepworth gehörte zu einer ausgewählten Gruppe von Bildhauern, die direkt in Stein schnitzten, einem Kreis, dem auch Henry Moore angehörte. Sie hat sich nie darauf festlegen lassen und sich in die Schublade „weibliche Künstlerin“ stecken lassen, um ihren feministischen Stempel auf die Kunstwelt zu drücken. Sie lehnt jede Andeutung ab, dass sie sich im Wettbewerb mit männlichen Künstlern sieht. Als sie vom Feminist Art Journal, Brooklyn, gefragt wurde, ob ihre Arbeit durch häusliche Belange eingeschränkt sei, antwortete sie, dass das für Frauen natürlich sei und dass sie „wenig Geduld mit Künstlerinnen habe, die versuchen, Künstlerinnen zu sein. […] Ich glaube, Kunst ist anonym.“

Barbara Hepworth – Pelagos, 1946. Ulme und Schnüre auf Eichenholzsockel. 43 × 46 × 38,5 cm, 15,2 kg. Tate Sammlung

Eine einzigartige Form schnitzen

Hier scheint die Künstlerin jedoch gescheitert zu sein, denn ihre Arbeit ist alles andere als anonym. Sie begann in den 1940er Jahren mit einer Reihe von Holzskulpturen, die innen bemalt und mit einem einzigen Stück Schnur verziert waren, das sich von einem Punkt zu vielen Punkten spannte. Diese symbolische Schnur war fast wie eine Brücke zwischen einer Art utopischer Spiritualität, ihrem Geisteszustand in der Natur, und der banalen Wirklichkeit. Penelope Curtis, ehemalige Direktorin und Ausstellungskuratorin im Tate Britain, ist der Ansicht, dass „das Besondere an Barbara Hepworth ist, dass sie vielleicht im Vereinigten Königreich die erste Künstlerin war, die wirklich einen richtig abstrakten Stil fand und ihn mit echten organischen Materialien verband. Ihre Arbeit ist sehr abstrakt und doch sehr menschlich. Sie verwendete keine von Menschen gemachten Materialien, sondern nur natürliche Materialien.“

Barbara Hepworth – Curved Form (Trevalgan), 1956. Bronze auf Holzsockel. 90,2 × 59,7 × 67,3 cm. Tate Sammlung. © Bowness

Fotografie

Schon früh interessierte sich Hepworth für die Wahrnehmung und Aufnahme ihrer Werke. Um das Bild ihrer Arbeiten zu bewahren und in Zeitschriften, Journalen und Büchern zu veröffentlichen, begann sie in den 1930er Jahren, sie zu fotografieren. Sie experimentierte mit verschiedenen fotografischen Methoden, um die Dreidimensionalität ihrer Skulpturen in den zweidimensionalen Bildern zu erhalten, und stieß so auf das Fotogramm. Dieses Verfahren, das von Persönlichkeiten wie dem Ungarn László Moholy-Nagy verwendet wurde, besteht darin, ein Objekt auf lichtempfindliches Papier zu legen und es dem Licht auszusetzen. Für Barbara Hepworth war die Fotografie jedoch eher ein Mittel zur Dokumentation als eine eigenständige Kunstform, und in den 1950er Jahren gab sie das Fotogramm zugunsten von Video auf. Penelope Curtis erinnert sich: „Sie wollte ihr Bild und die Art, wie sie dargestellt wurde, kontrollieren. Ich bin mir nicht sicher, ob das ihr einen Gefallen tat, vielleicht machte es sie weniger beliebt. Sie war sehr sicher, wie sie wollte, dass ihre Arbeit gezeigt wird, bis hin zum Layout der Zeitschrift. Ich denke, es zeigte nur, wie talentiert sie darin war, die Platzierung und den Zusammenhang, in dem ihre Arbeit gezeigt wurde, zu bestimmen.“

Barbara Hepworth – Discs in Echelon, 1935, gegossen 1959. Bronze. 34,3 × 50,8 × 27,3 cm, 100 kg. Tate Sammlung. Gestiftet von den Nachlassverwaltern der Künstlerin 1980. © Bowness

Ein nationales Kleinod

Laut The Guardian stehen die Chancen bei 12:1, dass Hepworth als nächstes Gesicht auf der 20-Pfund-Note erscheint, da die britische Zentralbank den Wunsch geäußert hat, eine Künstlerin auf der nächsten Banknote abzubilden. Diesmal wird es eine Möglichkeit für die Öffentlichkeit geben, abzustimmen, nachdem es 2013 einen Aufschrei gab, als Elizabeth Fry ohne Zeremonie von der 5-Pfund-Note zugunsten von Winston Churchill entfernt wurde. Die Ergebnisse werden im Frühjahr 2016 bekannt gegeben, obwohl klar ist, dass sie eine wohlverdiente Kandidatin ist, da sie Großbritannien 1950 auf der Biennale von Venedig vertreten hat – eine Ehre, die nur fünf Künstlerinnen zuteilwurde, nämlich Bridget Riley (1968), Rachel Whiteread (1997), Tracey Emin (2007) und Sarah Lucas in diesem Jahr. Penelope Curtis zählt ihren Auftritt in Venedig jedoch nicht zu ihrer „liebsten Ausstellung ihrer Werke. Ich denke, sie ist eine großartige Bildhauerin, aber ich denke, sie hat Besseres geschaffen.“

Titelbild: Barbara Hepworth – Three Forms, 1935. Serravezza-Marmor auf Marmorsockel. 21 × 53,2 × 34,3 cm, 23 kg. Tate Sammlung. © Bowness
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken