Wie Photogram die Nicht-Repräsentationalität in die Fotografie einführte

Ein Photogramm ist ein fotografisches Bild ohne Kamera: ein Bild, das auf eine lichtempfindliche Oberfläche gebrannt wird, ohne die Verwendung einer Maschine. Photogramme sind älter als Fotografien. Die frühesten fotografischen Abbildungen der Wirklichkeit, die mit einer Kamera aufgenommen wurden, hießen Daguerreotypien. Benannt nach ihrem Erfinder Louis Daguerre, wurden sie 1839 erstmals der Welt vorgestellt. Daguerreotypien entstanden, indem ein Blatt lichtempfindlichen, silberbeschichteten Kupfers in eine dunkle Kiste gelegt wurde, dann eine Öffnung in der Kiste geöffnet und das Kupferblatt dem Licht ausgesetzt wurde. Das auf das Kupfer gebrannte Bild war eine genaue Wiedergabe dessen, was sich vor der Öffnung befand. Zu jener Zeit war Daguerre einer von vielen Erfindern, die mit Techniken zur Herstellung fotografischer Bilder experimentierten. Nur wenige kamen zu etwas, das wir heute als fotografisch bezeichnen würden. Die Methode, die die meisten von ihnen entdeckten, bestand einfach darin, ein Objekt direkt auf eine lichtempfindliche Oberfläche zu legen und diese dann dem Licht auszusetzen. Der Bereich, der nicht vom Objekt bedeckt war, verdunkelte sich, während der vom Objekt bedeckte Bereich weiß blieb oder grau wurde, je nach relativer Durchsichtigkeit des Objekts. So entstand das Photogramm. Obwohl der Prozess kein fotorealistisches Bild erzeugt, war er dennoch für Wissenschaftler des 19. Jahrhunderts wie Anna Atkins nützlich, die 1843 ein Photogrammverfahren namens Cyanotypie nutzte, um botanische Bilder für ihr Buch British Algae: Cyanotype Impressions herzustellen. Und dasselbe Verfahren wurde auch für die kostengünstige Vervielfältigung technischer Zeichnungen, sogenannte Blaupausen, hilfreich. Erst im frühen 20. Jahrhundert, als Fotografen begannen, Wege zu suchen, um in den Bereich der Abstraktion vorzudringen, wurde das Photogramm als eigenständiges künstlerisches Medium relevant, als eine Methode, Licht zu nutzen, um fotografische Bilder zu schaffen, die über die Grenzen der gegenständlichen Welt hinausgehen.

Das Photogramm neu entdecken

Der Künstler, dem am häufigsten zugeschrieben wird, das Photogramm in die Kunst des 20. Jahrhunderts eingeführt zu haben, ist Emmanuel Radnitzky, besser bekannt als Man Ray. Geboren 1890 in Philadelphia und aufgewachsen in New York City, gehörte Man Ray zu der Gruppe, die sich in der 291 Gallery traf, dem Manhattan-Zentrum für neue Kunst, das dem frühen Modernistenfotografen Alfred Stieglitz gehörte. Durch seine Verbindungen in der 291 Gallery wurde Man Ray inspiriert und entwickelte eine besondere Faszination für das Medium Fotografie.

Auch in der 291 Gallery lernte Man Ray Marcel Duchamp kennen, die sogenannte „Ein-Mann-Kunstbewegung“, mit dem er zusammenarbeitete, um die New Yorker Dada-Bewegung zu starten. Nachdem New York ihre Ideen jedoch nicht aufnahm, entschied sich Man Ray, Amerika zu verlassen und nach Paris zu ziehen, mit den Worten: „Ganz New York ist Dada und wird keinen Rivalen dulden.“ Der Umzug erwies sich als entscheidend, denn in Paris führte seine Forschung dazu, dass Man Ray die verlorene Technik des Photogramms wiederentdeckte. Indem er Objekte direkt auf Fotopapier legte und mehrere Belichtungen mit neuen Objektanordnungen vornahm, schuf er vielschichtige, geisterhafte, traumhafte Bilder, die er zu seinen Ehren Rayographs nannte.

Man Ray - Rayograph, 1925, Photogramm (links) und Unbetitelter Rayograph, 1922 (rechts), © Man Ray Trust ADAGP

Die neue Sichtweise

Unterdessen war die Fotografie in Deutschland ein zentrales Anliegen vieler Künstler, die mit dem Bauhaus verbunden waren. Sie wurde als ein durch und durch modernes Medium angesehen, das eng mit dem Alltag verbunden ist. Es ist daher nicht verwunderlich, dass mehrere Künstler des Bauhauses die Idee des Photogramms aufnahmen, sobald sie damit in Berührung kamen. Der einflussreiche Bauhaus-Lehrer László Moholy-Nagy experimentierte mit dem Photogramm, indem er Alltagsgegenstände als Motiv nutzte und mehrere Belichtungen vornahm, um abstrakte Kompositionen zu schaffen.

1929 half Moholy-Nagy bei der Organisation der berühmten Ausstellung Film und Foto (FiFo) und bezog das Photogrammverfahren als ein herausragendes Beispiel seiner modernistischen Agenda des Neues Sehen ein. Er war der Ansicht, dass das Verfahren die einzigartigen ästhetischen Regeln repräsentierte, die nur für die Fotografie gelten. Eine Schülerin Moholy-Nagys am Bauhaus namens Elsa Thiemann baute seine Ideen weiter aus, als sie das Photogrammverfahren nutzte, um Tapeten zu gestalten – etwas, das im Geist der Schule einen ästhetischen Prozess verwendete, um ein Gesamtkunstwerk zu schaffen, das im Alltag anwendbar ist.

László Moholy-Nagy - Unbetiteltes Photogramm, 1938, © 2018 The Moholy-Nagy Foundation (links) und Elsa Thiemann - Tapetendesign mit Photogramm, 1930, © Elsa Thiemann (rechts)

Zeitgenössische abstrakte Photogramme

Heute treiben mehrere zeitgenössische abstrakte Künstler die Grenzen des Photogrammverfahrens voran. Die in Brooklyn lebende kanadische abstrakte Künstlerin Tenesh Webber führt das Konzept in neue Bereiche, indem sie es auf seine grundlegendsten Elemente von Oberfläche und Licht reduziert. Webber nutzt die Einfachheit des Verfahrens, um ihre vielschichtigen abstrakten Kompositionen zu schaffen. Sie beginnt damit, Faden über eine zweidimensionale, transparente Fläche zu spannen, manchmal straff gespannt, manchmal in einem organischen Zustand fallend. Sie schafft mehrere Flächen oder Platten, die sie schließlich übereinanderlegt, um ein vielschichtiges schwarz-weißes Photogramm zu erzeugen, das ein Universum organischer und geometrischer Formen verbindet.

Tenesh Webber - Mid Point I, Schwarz-weiß Photogramm, 2015

Der britische Künstler Richard Caldicott verwendet Photogramme als einen Teil seiner fortlaufenden Untersuchung von Struktur und Geometrie. Caldicott hat die Fotografie aus verschiedenen Perspektiven erforscht. Er erlangte Anerkennung für seine geometrisch-abstrakten Bilder von Tupperware, die das Motiv des Inhalts eliminierten und die Formen vollständig objektivierten. Seine chromogenen Farbdrucke, oder C-Prints, sind das Ergebnis eines innovativen Verfahrens, bei dem Farbnegative übereinandergelegt werden, um einen verfeinerten Ausdruck von Farbe, Geometrie und Raum zu schaffen. Caldicott fertigt Photogramme an, indem er Formen aus Papier ausschneidet und das ausgeschnittene Papier als rudimentäres Negativ verwendet. Um sein Konzept weiter zu verdeutlichen, erstellt er auch Diptychen, die auf der einen Seite das Papiernegativ und auf der anderen Seite das resultierende Photogramm zeigen.

Richard Caldicott - Schwarz-weiß Photogramm und Papiernegativ (43), 2013 (rechts), © Richard Caldicott c/o Sous Les Etoiles Gallery

Titelbild: © Susanna Celeste Castelli, DensityDesign Research Lab, Polytechnische Universität Mailand
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio