Wie Photogram die Nicht-Repräsentationalität in die Fotografie einführte

Ein Fotogramm ist ein kameraloses Foto: ein Bild, das auf eine lichtempfindliche Oberfläche gebrannt wird, ohne eine Maschine zu verwenden. Fotogramme sind älter als Fotografien. Die frühesten fotografischen Bilder der Realität, die mit einer Kamera aufgenommen wurden, hießen Daguerreotypien. Benannt nach ihrem Erfinder, Louis Daguerre, wurden sie erstmals 1839 der Welt vorgestellt. Daguerreotypien wurden hergestellt, indem ein Blatt sensibilisiertes, silberplattiertes Kupfer in eine dunkle Box eingelegt wurde, dann wurde eine Blende in der Box geöffnet und das Kupferblatt dem Licht ausgesetzt. Das Bild, das auf das Kupfer gebrannt wurde, war eine präzise Wiedergabe dessen, was sich vor der Blende befand. Zu dieser Zeit war Daguerre einer von vielen Erfindern, die mit Techniken experimentierten, um fotografische Bilder zu erstellen. Nur wenige kamen jemals zu etwas, das wir heute fotografisch nennen würden. Die Methode, die die meisten von ihnen entdeckten, bestand einfach darin, ein Objekt direkt auf eine lichtempfindliche Oberfläche zu legen und dann die Oberfläche dem Licht auszusetzen. Der Bereich, der nicht vom Objekt bedeckt war, wurde dunkler, während der Bereich, der vom Objekt bedeckt war, weiß oder grau blieb, entsprechend der relativen Transparenz des Objekts. So wurde das Fotogramm geboren. Obwohl der Prozess kein fotorealistisches Bild erzeugt, war er dennoch nützlich für Wissenschaftler des 19. Jahrhunderts wie Anna Atkins, die 1843 einen Fotogrammprozess namens Cyanotypie verwendete, um botanische Bilder für ihr Buch British Algae: Cyanotype Impressions zu erstellen. Und derselbe Prozess wurde auch hilfreich für die kostengünstige Reproduktion technischer Zeichnungen, die Blaupausen genannt werden. Aber erst im frühen 20. Jahrhundert, als Fotografen begannen, Wege zu suchen, um in den Bereich der Abstraktion vorzudringen, wurde das Fotogramm als künstlerisches Medium relevant, als Methode, Licht zu verwenden, um fotografische Bilder zu schaffen, die über die Grenzen der repräsentationalen Welt hinausgehen.

"Die Wiederentdeckung des Photogramms"

Der Künstler, der am häufigsten mit der Einführung des Fotogramms in die Kunst des 20. Jahrhunderts in Verbindung gebracht wird, ist Emmanuel Radnitzky, besser bekannt als Man Ray. Geboren 1890 in Philadelphia und dann in New York City aufgewachsen, war Man Ray ein Mitglied der Gruppe, die sich in der 291 Gallery aufhielt, dem Manhattan-Hub neuer Kunst, der dem frühen Modernisten-Fotografen Alfred Stieglitz gehörte. Durch seine Verbindungen in der 291 Gallery wurde Man Ray inspiriert und entwickelte eine besondere Anziehungskraft für das Medium der Fotografie.

Es war auch in der 291 Gallery, dass Man Ray die Bekanntschaft mit Marcel Duchamp machte, dem sogenannten „Ein-Mann-Kunstbewegung“, mit dem er zusammenarbeitete, um die New Yorker Dada-Bewegung zu starten. Doch nachdem sie festgestellt hatten, dass New York ihren Ideen gegenüber unempfänglich war, beschloss Man Ray, Amerika zu verlassen und nach Paris zu ziehen, und sagte: „Ganz New York ist Dada und wird keinen Rivalen dulden.“ Der Umzug stellte sich als entscheidend heraus, denn in Paris führte seine Forschung dazu, dass Man Ray die verlorene Technik des Photogramms wiederentdeckte. Indem er Objekte direkt auf Fotopapier legte und dann mehrere Belichtungen mit neuen Anordnungen von Objekten machte, schuf er geschichtete, geisterhafte, traumähnliche Bilder, die er zu seinen Ehren Rayographs nannte.

Man Ray - Rayograph, 1925, Fotogramm (links) und Untitled Rayograph, 1922 (rechts), © Man Ray Trust ADAGP

Die neue Vision

Inzwischen war die Fotografie in Deutschland ein großes Anliegen für viele der mit dem Bauhaus verbundenen Künstler. Sie wurde als ein durch und durch modernes Medium angesehen, das eng mit dem Alltag verbunden ist. Es ist daher nicht überraschend, dass mehrere Künstler, die mit dem Bauhaus assoziiert sind, auch die Idee des Fotogramms aufgriffen, als sie damit in Berührung kamen. Der einflussreiche Bauhaus-Lehrer László Moholy-Nagy experimentierte mit dem Fotogramm, indem er Alltagsgegenstände als Motive verwendete und mehrere Belichtungen machte, um abstrakte Kompositionen zu schaffen.

1929 half Moholy-Nagy, die berühmte Film und Foto (FiFo) Ausstellung zu inszenieren und integrierte den Photogramm-Prozess als ein herausragendes Beispiel seiner modernistischen Agenda Neues Sehen. Er glaubte, dass der Prozess die einzigartigen ästhetischen Regeln repräsentierte, die nur für die Fotografie galten. Eine Schülerin von Moholy-Nagy am Bauhaus namens Elsa Thiemann erweiterte dann seine Ideen, als sie den Photogramm-Prozess nutzte, um Tapeten zu erstellen, etwas, das im Geiste der Schule einen ästhetischen Prozess verwendete, um ein Gesamtkunstwerk zu schaffen, das auf das tägliche Leben anwendbar ist.

László Moholy-Nagy - Untitled Photogramm, 1938, © 2018 Die Moholy-Nagy Stiftung (links) und Elsa Thiemann - Photogramm Tapetendesign, 1930, © Elsa Thiemann (rechts)

Zeitgenössische Fotogramm-Abstraktion

Heute drängen mehrere zeitgenössische abstrakte Künstler die Grenzen des Fotogrammprozesses. Die in Brooklyn ansässige kanadische abstrakte Künstlerin Tenesh Webber bringt das Konzept in neues Terrain, indem sie es auf seine grundlegendsten Elemente von Oberfläche und Licht dekonstruierte. Webber nutzt die Einfachheit des Prozesses, um ihre geschichteten abstrakten Kompositionen zu schaffen. Sie beginnt damit, Fäden über eine zweidimensionale, transparente Oberfläche zu legen, manchmal straff zu spannen und manchmal in einen organischen Zustand fallen zu lassen. Sie schafft mehrere Oberflächen oder Platten, die sie schließlich stapelt, um ein geschichtetes Schwarz-Weiß-Fotogramm zu erzeugen, das ein Universum organischer und geometrischer Vorschläge verbindet.

Tenesh Webber - Mid Point I, Schwarz-Weiß-Fotogramm, 2015

Der britische Künstler Richard Caldicott verwendet Fotogramme als einen Teil seiner fortlaufenden Untersuchung von Struktur und Geometrie. Caldicott hat die Fotografie aus verschiedenen Perspektiven erkundet. Er erlangte Anerkennung für seine geometrisch abstrakten Bilder von Tupperware, die das Thema des Inhalts eliminierten und die Formen vollständig objektivierten. Und seine chromogenen Farbdrucke, oder C-Prints, sind das Ergebnis eines innovativen Prozesses, bei dem Farbnegative übereinandergelegt werden, um einen verfeinerten Ausdruck von Farbe, Geometrie und Raum zu schaffen. Caldicott erstellt Fotogramme, indem er Formen aus Papier ausschneidet und das ausgeschnittene Papier als rudimentäres Negativ verwendet. Um sein Konzept weiter zu demonstrieren, erstellt er auch Diptychen, die auf der einen Seite das Papiernegativ und auf der anderen Seite das resultierende Fotogramm enthalten.

Richard Caldicott - S/W Fotogramm und Papiernegativ (43), 2013 (rechts), © Richard Caldicott c/o Sous Les Etoiles Gallery

Vorschaubild: © Susanna Celeste Castelli, DensityDesign Research Lab, Polytechnische Universität Mailand
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio