Edward Burtynsky und Landschaften wie keine andere

Der kanadische Fotograf Edward Burtynsky fotografiert die natürliche Welt seit fast vier Jahrzehnten. Er begann seine Karriere Ende der 1970er Jahre und fotografierte natürliche Landschaften aus einer streng formalistischen Perspektive, indem er sie so rahmte, dass die Kompositionen abstrakte Expressionisten-Gemälde nachahmten. Wie ein Abschnitt auf seiner Webseite erklärt: „Vor allem war ihm die abstrakte expressionistische Behandlung des bildlichen Raums als dichtes, komprimiertes Feld wichtig, das gleichmäßig über die gesamte Fläche einer großen Komposition verteilt ist.“ Doch im Laufe der nächsten Jahre erweiterte Burtynsky die bescheidenen Ziele, die er sich zu Beginn seiner fotografischen Laufbahn gesetzt hatte. Anstatt einfach nur interessante, modernistische Kompositionen zu schaffen, begann er nach Motiven zu suchen, die es ihm erlaubten, mit seiner Arbeit gleichzeitig soziale, politische, wirtschaftliche und kulturelle Aussagen zu treffen. In einer Serie mit dem Titel Railcuts hielt er Bilder fest, die die physischen Schäden zeigen, die dem Land durch den Bau transnationaler Eisenbahnstrecken zugefügt werden. In einer Serie namens Homesteads dokumentierte er die prekäre Art und Weise, wie Menschen ihre natürliche Umgebung verändern, wenn sie Häuser, Nachbarschaften und Städte errichten. Für seine Serie Tailings fotografierte er die apokalyptisch wirkenden Ödlandschaften, die oft von den Flüssen aus Abfallprodukten zurückbleiben, die beim Abbau von Mineralien aus der Erde sickern, wenn diese von ihrem Erz getrennt werden. Diese und viele andere Serien, die er geschaffen hat, brachten Burtynsky einen TED Prize ein, führten zu zwei preisgekrönten Dokumentarfilmen über seine Arbeit und brachten Burtynsky fest an die vorderste Front der Umweltschutzbewegung. Er erlebt großen Erfolg als Fotograf, doch bleibt für mich eine Frage hinsichtlich des wahren Werts seiner Fotografien: Sind sie Aktivismus, sind sie Journalismus oder sind sie Kunst?

Das Rätsel der abstrakten Fotografie

Fotografen sind Vermittler zwischen Schauplätzen und Zuschauern. Sei ihr Motiv ein Autounfall, ein Aufruhr, ein Krieg, ein wildes Tier, eine Sonnenfinsternis, ein Fotomodell, eine natürliche oder unnatürliche Landschaft oder eine farbenfrohe geometrische Komposition, die im Studio oder am Computer entstanden ist – es ist immer dasselbe: Sie benötigen etwas Sichtbares zum Einfangen – idealerweise etwas Faszinierendes –, das wiederum das Interesse des Betrachters fesselt und hält. Doch seit den frühesten Tagen der künstlerischen Fotografie, als Künstler wie Alvin Langdon Coburn und Man Ray unter anderem untersuchten, was ein Begriff wie abstrakte Fotografie bedeuten könnte, mussten sich fotografische Künstler mit dem Wesenskern der Fotografie auseinandersetzen: dass sie ein Medium ist, das darauf ausgelegt ist, die Wirklichkeit einzufangen.

Ein Foto ist ein Abdruck – ein eingefangener Moment –, der entsteht, wenn Licht auf kontrollierte Weise mit einem konkreten, objektiven, beobachtbaren Phänomen interagiert. Wie könnte ein Foto überhaupt abstrakt sein? Existierte nicht alles, was auf einem Foto zu sehen ist, zumindest für einen Bruchteil einer Sekunde genau so, wie es dargestellt wird? Das muss es, sonst wäre es nicht da. Also ja, es gibt ein Argument – und viele haben versucht, es zu führen –, dass jedes Foto per Definition objektiv ist. Daher ist es für Fotografen schwierig, im Zwischenbereich zwischen Abstraktion und Realismus zu arbeiten. Wenn sie die Wirklichkeit fotografieren, laden sie zu Urteilen über das Motiv ein, die den Betrachter davon ablenken, die formalen Qualitäten des Bildes zu schätzen, wie Farbe, Form und Linie. Wenn sie sich jedoch zu weit vom fotografischen Prozess entfernen, etwa indem sie die Kamera ganz aus dem Prozess entfernen, werden grundlegende Fragen aufgeworfen, ob das Endprodukt überhaupt noch ein Foto ist. Schließlich macht allein die Verwendung von Farbe zur Herstellung eines Gegenstands diesen nicht automatisch zu einem Gemälde.

Edward Burtynsky - Salt Pan #16, Little Rann of Kutch, Gujarat, Indien, 2016

Schauplätze helfen uns zu sehen

Edward Burtynsky umgeht dieses Dilemma, indem er die Vorstellung annimmt, dass Zuschauer immer auf natürliche Weise persönliche emotionale Reaktionen auf jedes fotografische Bild entwickeln, das sie betrachten, und nutzt dies für sich. Er ist dem Formalismus treu geblieben, wie die abstrakten Muster, Texturen und Kompositionen zeigen, die er beim Einrahmen der natürlichen und künstlichen Landschaften, die er fotografiert, einfängt. Wer mit der Geschichte der abstrakten Kunst des 20. Jahrhunderts vertraut ist, kann wahrscheinlich Verbindungen zwischen seinen Fotografien und den Werken verschiedener modernistischer Maler herstellen. Doch anstatt sich nur auf diesen Punkt zu konzentrieren – was etwas abgedroschen wirken könnte – verbindet Burtynsky seine Liebe zur modernistischen Bildsprache mit einer Leidenschaft dafür, etwas von dringender Bedeutung für seine Generation zu dokumentieren: die großflächige, industrielle Umgestaltung der natürlichen Welt.

Betrachten Sie die Vielzahl leuchtend pinker Formen in seinem Foto von 2005 Manufacturing #17, einer Hühnerverarbeitungsanlage in China. Die auffällige Farbe ist das, was mir sofort ins Auge fällt. Ein Meer aus Pink mit Flecken von Rot, Weiß und Blau, eingerahmt unter einem Horizont aus Grau und Weiß. Farbe, Muster und Form könnten leicht alles sein, worum es in diesem Foto geht. Ich verschwimme mit den Augen und abgesehen von der Präzision der Formen und den geometrischen Qualitäten der Komposition könnte ich ein Gemälde von Philip Guston betrachten. Doch dann sehe ich genauer hin. Jede dieser pinken Formen ist ein Mensch, dessen Aufgabe es ist, den ganzen Tag in einem riesigen, gekühlten Lagerhaus ohne Fenster unter Leuchtstoffröhren zu stehen, von Kopf bis Fuß in Schutzkleidung aus Gummi gekleidet, und die toten Kadaver ehemals fühlender Wesen auseinanderzunehmen, die wie diese Arbeiter einst Gedanken, Gefühle, Beziehungen, Ängste und Zwänge hatten. Dies ist kein abstraktes Bild. Dies ist ein Bild, das die kalte Präzision dokumentiert, mit der billige Nahrung für Menschen bereitgestellt wird, die den Wert jeglichen Lebens nicht schätzen: weder Huhn noch Mensch.

Edward Burtynsky - Manufacturing #17, Deda Hühnerverarbeitungsanlage, Dehui Stadt, Provinz Jilin, China, 2005

Sie urteilen

In seinem TED-Vortrag appellierte Edward Burtynsky leidenschaftlich daran, dass seine Fotografien vom Publikum als Inspiration genutzt werden mögen und uns dazu anregen, die Welt zu verändern. Er sprach die Gefahren der Veränderung der natürlichen Welt im Dienst der Rohstoffgewinnung an und definierte sich damit als Aktivist. Manche würden sagen, dass seine Fotografien, in ihrer direkten Dokumentation der von ihm beschriebenen Naturveränderung, ihn ebenso sehr als Journalisten kennzeichnen. Doch ich habe noch Zweifel an der Gültigkeit beider Bezeichnungen. Ich möchte stattdessen dafür plädieren, die Arbeit von Edward Burtynsky wegen ihrer formalen Qualitäten als Kunst zu betrachten. An erster Stelle steht für mich das Argument, dass seine Fotografien in mir etwas auslösen. Sein Foto von 2008 Fisher Body Plant #1, die Außenansicht einer verlassenen Autofabrik in Detroit, steht für sich allein als eine Art Anti-Agnes Martin. Statt zarter Reihen horizontaler und vertikaler Linien, die in mir ein Gefühl von Leichtigkeit und Flächigkeit hervorrufen, vermittelt mir die gitterartige Komposition dieses Bildes ein Gefühl von Gewicht und Struktur. Manche sehen in einem Agnes Martin-Gemälde Freude. Andere nicht, sie sehen nur Linien. Manche mögen bei Fisher Body Plant #1 Angst empfinden. Ich nicht, ich sehe Potenzial.

Was die Bezeichnung Edward Burtynskys als Aktivist betrifft, halte ich das für unzutreffend. Ich sage das nur, weil er dieselben Technologien nutzt, die den Rohstoffabbau antreiben. Denken Sie an die Edelmetalle, die seine Digitalkamera zum Funktionieren bringen, und die Fahrzeuge mit Verbrennungsmotor, die ihm seine einzigartigen Perspektiven ermöglichen. Wenn Sie einen Autounfall fotografieren, bedeutet das auch, dass Sie nichts zur Hilfe beitragen. Wenn Sie einen Aufruhr fotografieren und das Foto an ein Medium verkaufen, profitieren Sie von der Krise. Was Burtynsky tut, ist nicht so düster. Doch als ich die weltweite UPS-Werbung sah, die vor seinem TED-Vortrag über die Schrecken des Öls gezeigt wurde, fragte ich mich, was die wahre Botschaft ist. Ist sie konsumfreundlich? Ist sie konsumkritisch? Das Beste, was ich mir vorstellen kann, ist, dass Burtynsky als Aktivist so etwas sagt wie: „Konsum ist schrecklich und verursacht die Zerstörung der natürlichen Umwelt, und wir sollten etwas dagegen tun, aber noch nicht, weil ich immer noch auf Öl- und Mineralgewinnung angewiesen bin, um meine Arbeit zu machen.“ Aber ich kann Burtynsky auch nicht als Journalisten bezeichnen. Journalismus sollte per Definition unparteiisch sein. Und schließlich, leider, da Burtynsky so darauf bedacht ist, uns zu sagen, was wir beim Betrachten seiner Arbeit denken sollen, kann ich ihn auch nicht als Künstler bezeichnen. Kein selbstrespektierender Künstler würde dem Betrachter so wenig Raum für eigene Vorstellungen lassen. Aber ich sage dies: Edward Burtynsky ist ein Fotograf; was vielleicht etwas Eigenes ist – etwas, das schwer zu definieren, aber in seiner Wirkung unbestreitbar ist.

Edward Burtynsky - Fisher Body Plant #1, Detroit, Michigan, USA, 2008

Titelbild: Edward Burtynsky - Nickel Tailings #35, Sudbury, Ontario, 1996

Alle Bilder © Edward Burtynsky, alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken

Von Phillip Barcio