Edward Burtynsky und Landschaften wie keine andere

Der kanadische Fotograf Edward Burtynsky fotografiert die natürliche Welt seit fast vier Jahrzehnten. Er begann seine Karriere Ende der 1970er Jahre und fotografierte natürliche Landschaften aus einer streng formalistischen Perspektive, indem er sie so einrahmte, dass die Kompositionen abstrakte expressionistische Malereien nachahmten. Wie ein Abschnitt auf seiner Website erklärt: “Vor allem war ihm die abstrakt expressionistische Behandlung des bildlichen Raums als dichte, komprimierte Fläche, die gleichmäßig über die gesamte Oberfläche einer großen Komposition verteilt ist, im Kopf.” Doch im Laufe der nächsten Jahre erweiterte Burtynsky die bescheidenen Ziele, die er ursprünglich für seine fotografische Karriere gesetzt hatte. Anstatt einfach nur interessante, modernistische Kompositionen zu schaffen, begann er nach Themen zu suchen, die es ihm ermöglichten, gleichzeitig soziale, politische, wirtschaftliche und kulturelle Aussagen mit seiner Arbeit zu machen. In einer Serie mit dem Titel Railcuts hielt er Bilder fest, die das physische Trauma zeigen, das durch den Bau transnationaler Eisenbahnstrecken verursacht wird. In einer Serie namens Homesteads dokumentierte er die prekäre Art und Weise, wie Menschen ihre natürliche Umgebung beim Bau von Häusern, Nachbarschaften und Städten verändern. Für seine Serie mit dem Titel Tailings fotografierte er die apokalyptisch aussehenden Ödlandflächen, die oft von den Abfallströmen zurückgelassen werden, die aus der Erde sickern, während Mineralien während des Bergbaus aus ihrem Erz extrahiert und getrennt werden. Diese und viele andere Serien, die er produziert hat, haben Burtynsky einen TED-Preis eingebracht, führten zu zwei preisgekrönten Dokumentarfilmen über seine Arbeit und platzierten Burtynsky fest an der Frontlinie der Umweltbewegung. Er erlebt großen Erfolg als Fotograf, aber ich bleibe mit einer Frage in Bezug auf den wahren Wert seiner Fotografien zurück: Sind sie Aktivismus, sind sie Journalismus oder sind sie Kunst?

Das Rätsel der abstrakten Fotografie

Fotografen sind Vermittler zwischen Spektakeln und Zuschauern. Sei ihr Sujet ein Autounfall, ein Aufstand, ein Krieg, ein wildes Tier, eine Sonnenfinsternis, ein Model, eine natürliche oder unnatürliche Landschaft oder eine farbenfrohe geometrische Komposition, die in einem Studio oder am Computer erstellt wurde, es ist alles dasselbe: Sie benötigen etwas Sichtbares, um es festzuhalten – idealerweise etwas Faszinierendes –, das wiederum das Interesse des Betrachters fesseln und halten wird. Aber seit den frühesten Tagen der Kunstfotografie, als Künstler wie Alvin Langdon Coburn und Man Ray unter anderem untersuchten, was ein Begriff wie abstrakte Fotografie bedeuten könnte, waren Fotografiekünstler gezwungen, sich mit der wesentlichen Natur der Fotografie auseinanderzusetzen: dass sie ein Medium ist, das dazu entworfen wurde, die Realität festzuhalten.

Ein Foto ist ein Abdruck – ein eingefangener Moment – der entsteht, wenn Licht auf kontrollierte Weise mit einem konkreten, objektiven, beobachtbaren Phänomen interagiert. Wie könnte dann ein Foto jemals abstrakt sein? Existierte nicht alles, was in einem fotografischen Bild erscheint, tatsächlich, zumindest für einen Bruchteil einer Sekunde, genau so, wie es dargestellt wird? Es muss so gewesen sein, sonst wäre es nicht da. Ja, es gibt ein Argument, das vorgebracht werden kann – und viele haben versucht, es zu tun – dass jedes Foto per Definition objektiv ist. Daher ist es kompliziert für Fotografen, im Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Realismus zu arbeiten. Wenn sie die Realität fotografieren, laden sie Urteile über das Thema ein, die den Betrachter davon ablenken, die formalen Qualitäten des Bildes zu schätzen, wie die Verwendung von Farbe, Form und Linie. Aber wenn sie sich zu weit vom fotografischen Prozess entfernen, sagen wir, indem sie die Kamera aus dem Prozess eliminieren, werden grundlegende Fragen aufgeworfen, ob das Endprodukt überhaupt ein Foto ist. Schließlich macht es allein die Verwendung von Farbe, um etwas zu schaffen, nicht zu einem Gemälde, was man gemacht hat.

Edward Burtynsky - Salzpfanne #16, Kleiner Rann von Kutch, Gujarat, Indien, 2016

Brillen helfen uns zu sehen

Edward Burtynsky umgeht dieses Dilemma, indem er die Vorstellung annimmt, dass Zuschauer immer auf natürliche Weise persönliche emotionale Reaktionen auf jedes fotografische Bild entwickeln werden, das sie betrachten, und damit umgeht. Er hat weiterhin Interesse an Formalismus, was durch die abstrakten Muster, Texturen und Kompositionen, die er beim Einrahmen der natürlichen und künstlichen Landschaften, die er fotografiert, einfängt, demonstriert wird. Jeder, der mit der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts vertraut ist, kann wahrscheinlich Assoziationen zwischen seinen Fotografien und den Arbeiten verschiedener Modernistenmaler herstellen. Aber anstatt sich ausschließlich auf diesen Punkt zu konzentrieren – was etwas abgedroschen erscheinen könnte – kombiniert Burtynsky seine Liebe zur modernistischen Bildsprache mit einer Leidenschaft für die Dokumentation von etwas, das für seine Generation von drängender Bedeutung ist: die großflächige, industrielle Umnutzung der natürlichen Welt.

Siehe die Anordnung der leuchtend pinken Formen in seinem Foto von 2005 Manufacturing #17, einer Geflügelschlachtanlage in China. Die auffällige Farbe ist das, was mir sofort ins Auge fällt. Ein Meer aus Pink mit kleinen roten, weißen und blauen Akzenten, eingerahmt von einem Horizont aus Grau und Weiß. Farbe, Muster und Form könnten leicht alles sein, worum es in diesem Foto geht. Ich verschwomme meine Augen und, abgesehen von der Präzision der Formen und den geometrischen Qualitäten der Komposition, könnte ich ein Gemälde von Philip Guston betrachten. Aber dann schaue ich genauer hin. Jede dieser pinken Formen ist ein Mensch, dessen Aufgabe es ist, den ganzen Tag in einem riesigen, gekühlten Lagerhaus ohne Fenster, unter fluoreszierenden Lichtern, von Kopf bis Fuß in schützender Gummibekleidung zu stehen und die verstorbenen Körper ehemals empfindungsfähiger Kreaturen auseinanderzunehmen, die, wie diese Arbeiter, einst Gedanken, Gefühle, Beziehungen, Ängste und Zwänge hatten. Dies ist kein abstraktes Bild. Dies ist ein Bild, das die kalte Präzision dokumentiert, mit der billige Lebensmittel für Menschen bereitgestellt werden, die den Wert eines Lebens nicht schätzen: Huhn oder Mensch.

Edward Burtynsky - Manufacturing #17, Deda Chicken Processing Plant, Dehui City, Jilin Province, China, 2005

Entscheiden Sie selbst

In seinem TED-Vortrag gab Edward Burtynsky einen leidenschaftlichen Appell, dass seine Fotografien von der Öffentlichkeit als Inspiration genutzt werden könnten und uns anregen, Maßnahmen zu ergreifen, um die Welt zu verändern. Er sprach die Gefahren an, die mit der Veränderung der natürlichen Welt im Dienste der Rohstoffgewinnung verbunden sind, und definiert sich damit als Aktivist. Und manche könnten sagen, dass seine Fotografien, in ihrer klaren Dokumentation der Transformation der Natur, über die er spricht, ihn ebenso sehr als Journalisten definieren. Aber ich habe immer noch einige Fragen zur Gültigkeit beider dieser beiden Etiketten. Ich möchte stattdessen dafür plädieren, dass das Werk von Edward Burtynsky aufgrund seiner formalen Qualitäten als Kunst betrachtet wird. An erster Stelle meiner Argumente steht die Tatsache, dass seine Fotografien in mir etwas fühlen lassen. Sein Foto von 2008 Fisher Body Plant #1, von der Außenansicht einer verlassenen Autofabrik in Detroit, steht für sich allein als eine Art Anti-Agnes Martin. Anstatt zarter Reihen von horizontalen und vertikalen Linien, die in mir ein Gefühl von Leichtigkeit und Flachheit hervorrufen, vermittelt die gitterartige Komposition in diesem Bild ein Gefühl von Gewicht und Textur. Einige betrachten ein Agnes Martin-Gemälde und empfinden Freude. Andere tun dies nicht, sie sehen nur Linien. Manche mögen Fisher Body Plant #1 betrachten und Angst empfinden. Ich tue das nicht, ich sehe Potenzial.

Was das Bezeichnen von Edward Burtynsky als Aktivisten angeht, denke ich, dass das ungenau wäre. Ich sage das nur, weil er die gleichen Technologien verwendet, um seine Fotografien zu machen, die den Rohstoffmarkt antreiben. Denken Sie an die Edelmetalle, die seine Digitalkamera zum Funktionieren bringen, und die Fahrzeuge, die fossile Brennstoffe verbrennen und ihm helfen, seine einzigartigen Perspektiven zu erreichen. Wenn Sie einen Autounfall fotografieren, bedeutet das, dass Sie auch nichts tun, um zu helfen. Wenn Sie einen Aufstand fotografieren und dieses Foto dann an ein Medienunternehmen verkaufen, profitieren Sie von einer Krise. Was Burtynsky tut, ist nicht so düster. Aber während ich die UPS-Werbung für den globalen Postversand sah, die vor seinem TED-Talk-Video über die Schrecken des Öls lief, fragte ich mich, was die wahre Botschaft ist. Ist sie pro-Konsum? Ist sie anti-Konsum? Das Beste, was ich herausfinden konnte, ist, dass Burtynsky der Aktivist etwas in der Art sagt: „Konsum ist schrecklich und verursacht die Zerstörung der natürlichen Umwelt, und wir sollten etwas dagegen tun, aber noch nicht, weil ich immer noch auf Öl und Rohstoffabbau angewiesen bin, um meine Arbeit zu machen.“ Aber ich kann Burtynsky auch nicht als Journalisten bezeichnen. Journalismus sollte per Definition unvoreingenommen sein. Und schließlich, leider, da Burtynsky so begierig ist, uns zu sagen, was wir denken sollten, wenn wir seine Arbeiten betrachten, kann ich ihn auch nicht als Künstler bezeichnen. Kein selbst respektierender Künstler würde dem Zuschauer so wenig Raum für die Vorstellungskraft lassen. Aber ich werde Folgendes sagen: Edward Burtynsky ist ein Fotograf; was vielleicht eine eigene Sache ist – eine Sache, die schwer zu definieren ist, aber in ihrer Kraft unbestreitbar.

Edward Burtynsky - Fisher Body Plant #1, Detroit, Michigan, USA, 2008

Vorschaubild: Edward Burtynsky - Nickel Tailings #35, Sudbury, Ontario, 1996

Alle Bilder © Edward Burtynsky, alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio