Zeitgenössische Einsichten in die Kunst von Leon Polk Smith finden

In den 1940er Jahren entwickelte der amerikanische Künstler Leon Polk Smith eine einzigartige abstrakte Bildsprache, die den abgeflachten Flächen und der vereinfachten Geometrie des Neoplastizismus geschwungene Eigenschaften hinzufügte. Eine frühe Inspiration für Smith war der niederländische Maler Piet Mondrian, dessen meisterhafte rechteckige Erkundungen von Farbe und Raum von vielen als das Ende einer Denkrichtung angesehen wurden, der aber Smith dazu brachte, sich zu fragen, was als Nächstes kommt. Unerwartet fand Smith einen Weg nach vorn in den Seiten eines Sportkatalogs, der zufällig in seinem Briefkasten landete. Er war fasziniert von Bildern von Fußbällen, Baseballs und Basketbällen und bewunderte sowohl ihre geschwungenen Formen als auch die gebogene Naht auf ihren Oberflächen. „Ich wäre sicherlich nicht in einen Sportkatalog gegangen, um das zu finden, aber genau dort habe ich es gefunden“, sagte Smith 1982 dem Künstler und Kritiker Addison Parks. „Natürlich waren die Formen und Linien sehr begrenzt... aber das schuf einen Raum, den ich in der Malerei noch nie gesehen hatte. Er war flach und zugleich geschwungen. Die Flächen schienen sich in alle Richtungen zu bewegen, so wie Raum es tut.“ Diese einfache, aber tiefgreifende Erkenntnis war kürzlich in der Ausstellung Leon Polk Smith: Endless Space im Richard Gray Warehouse in Chicago vollständig zu sehen. Mit eineinhalb Dutzend Gemälden und Zeichnungen aus den 1960er und 70er Jahren las sich die Ausstellung wie ein visuelles Manifest jenes Entdeckungsmoments. Werke wie „Untitled No. 7613“ (1976) sprachen direkter davon als andere; während andere, wie die yin-yang-ähnlichen, grünen und schwarzen komplementären Formen von „Untitled“ (1967), die Einsicht in mystische Bereiche erweiterten. Die Sorgfalt und Eleganz, mit der Smith seine Offenbarung ausarbeitete, ist bewundernswert, und wenn man bedenkt, wie früh er mit diesen Ideen arbeitete, ist leicht zu erkennen, wie er das Fundament für alles von Op Art über Minimalismus bis hin zur Hard-Edge-Abstraktion legte. Dennoch habe ich das Gefühl, dass seine Arbeit mehr enthält als nur Farben und Formen.

Die Suche eines Betrachters nach Bedeutung

Was meine Fantasie an Smith am meisten fesselt, ist die Art, wie er mehrere Gemälde verbindet, um größere Kompositionen zu schaffen. Smith nannte seine Anordnungen geformter Leinwände „Sternbilder“. Einige, wie „Constellation Straight Out“ (1974), bestehen aus ordentlich gestapelten Formen mit einer sich wiederholenden Horizontlinie, die eine Fortsetzung der Elemente im Raum andeutet. Andere, wie „Constellation - Lost Horizon“ (1968), verbinden sich ungleichmäßig und wirken weniger methodisch, sondern eher wie Ausschnitte eines größeren Bildes, wie Teile eines visuellen Puzzles. Ich liebe den Begriff Sternbilder für diese Gemälde, weil er perfekt meine eigene menschliche Neigung zu spekulativem Mystizismus heraufbeschwört. Wie ein Sternengucker, der sein Schicksal im Tierkreis sucht, kann ich nicht anders, als diese gemalten Sternbilder nach verborgener Bedeutung abzusuchen.

Leon Polk Smith - Sternbild Milchstraße, 1970. Acryl auf Leinwand. 203 x 305 cm gesamt. National Gallery of Art, Washington, D.C. © 2019 Leon Polk Smith Stiftung

In „Reflections-Red-Black“ (1968) nehme ich konkurrierende Mythologien wahr, von der Legende des Narziss – dem implizierten Egoismus der reflektierten Formen – bis zur verbundenen, einfühlsamen Sinnlichkeit des Kama Sutra. Die sich ausbreitenden kantigen, konkreten Formen von „Constellation-Red-Blue“ (1970) rufen hingegen breite, humanistische Vorstellungen wie Zusammengehörigkeit, Ausdehnung, Verbundenheit und Verlangen hervor. So sehr ich mich auch öffnen möchte für die mögliche Existenz tieferer Bedeutungen in diesem Werk, frage ich mich zugleich, ob es nicht anmaßend ist, den formalen Entscheidungen in dieser Kunst metaphysische Bedeutung zuzuschreiben; eine Form kritischer Kolonisierung. Üblicherweise ermutigen Kunstkritiker und Historiker zeitgenössische Betrachter, historischen Kunstwerken keine Bedeutungen und Erzählungen zuzuschreiben, die mit der Absicht des Künstlers unvereinbar sein könnten, sondern die Werke verstorbener Künstler durch die Brille der Umstände zu betrachten, unter denen sie entstanden sind.

Leon Polk Smith - unbetitelt, 1979. Gouache auf Papier. 105,4 x 68,6 cm. © 2019 Leon Polk Smith Stiftung

Das Recht auf Neubewertung

Laut Patterson Sims, Präsident der Leon Polk Smith Stiftung, haben wir das Recht und vielleicht sogar die Verantwortung, Kunstgeschichte aus zeitgenössischer Sicht zu betrachten und Erbkunst mit dem Inhalt zu versehen, den wir aufrichtig wahrnehmen. „Ich denke, Sie haben völlig das Recht zu tun, was Sie tun“, sagte Sims zu mir. „Kunstgeschichte ist das Produkt davon, dass nachfolgende Generationen Dinge in Werken finden können, die eine vorherige Generation nicht sehen konnte.“ Obwohl einige Künstler und Stiftungen anderer Meinung sein mögen. Zum Beispiel ging Donald Judd berühmt vorweg, indem er eigene erklärende Aussagen darüber machte, was seine Arbeit war und was nicht, und die Judd Stiftung schützt diese Erzählung weiterhin eifrig. Sims versicherte mir jedoch, dass nicht jeder glaubt, dass autoritäre Kontrolle der beste Weg ist, die Entwicklung der menschlichen Kultur zu kontextualisieren. „Eine Person mag völlig einer Sichtweise verpflichtet sein, aber das lähmt die Art von Auseinandersetzung, die Menschen mit diesem Werk haben könnten“, sagte Sims. „Ich denke, Kunstgeschichte und der Prozess der Kuratierung bedeuten eine ständige Neubewertung und Überdenkung von Dingen, und das wird manchmal sehr persönlich.“

Leon Polk Smith - Blau, Rot, Gelb mit schwarzen Monden, 1968. Acryl auf Leinwand. 3 Elemente, je 79 x 142 cm. © 2019 Leon Polk Smith Stiftung

Becky Daniel, Koordinatorin für Ausstellungen und Kommunikation bei der Richard Gray Galerie, nennt einen weiteren Grund, warum wir Smith aus zeitgenössischer Sicht neu bewerten sollten. Laut Daniel gab Smith für viele seiner Sternbilder alternative Aufstellungsanweisungen, die es Kuratoren erlaubten, die Puzzleteile auf neue Weise zusammenzusetzen. Diese Information deutet darauf hin, dass Smith hoffte, die Menschen würden sich nicht scheuen, mit seiner Arbeit Freiheiten zu nehmen – ähnlich wie Sol LeWitt in seinen Wandzeichnungsanweisungen Raum ließ, damit die ausführenden Künstler eigene ästhetische Entscheidungen treffen konnten. Bedenkt man, dass Smith in den 1930er Jahren nach New York zog, wo seine Homosexualität ihn zum Außenseiter machte, und er dennoch diejenigen verwirrte, die ihn an den Rand drängen wollten, und schließlich breite Anerkennung in so bedeutenden Ausstellungen wie The Responsive Eye erlangte. Gleichzeitig zeigte er Demut und vermied übertriebene Werbung, indem er sagte: „Ich habe sehr schnell erkannt, dass ich immer ein Künstler gewesen bin... Dass ich es immer für mich behalten würde, dass ich es niemals verkaufen oder nur des Geldes wegen etwas damit machen würde.“ Ob er es beabsichtigte oder nicht, ich habe den Eindruck, dass Smith seine Arbeit mit etwas wie einem symbolischen Schlüsselcode für zeitgenössische Unzufriedene wie mich durchdrang – ein Erbe voller Optimismus und Menschlichkeit, ausgedrückt durch spielerische Beziehungen zwischen Farbe und Form.

Titelbild: Leon Polk Smith - Correspondence Black - White, 1968. Öl auf Leinwand. 218,4 x 304,8 cm. © 2019 Leon Polk Smith Stiftung
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio