Zeitgenössische Einsichten in die Kunst von Leon Polk Smith finden

In den 1940er Jahren entwickelte der amerikanische Künstler Leon Polk Smith eine einzigartige abstrakte visuelle Sprache, die den abgeflachten Ebenen und der vereinfachten Geometrie des Neoplastizismus kurvenförmige Eigenschaften hinzufügte. Eine frühe Inspiration für Smith war der niederländische Maler Piet Mondrian, dessen meisterhafte rechteckige Erkundungen von Farbe und Raum von vielen als das Ende einer Denkweise angesehen wurden, aber der Smith zum Nachdenken brachte, was als Nächstes kommt. Unerwartet fand Smith einen Weg nach vorne in den Seiten eines Sportkatalogs, der zufällig in seinem Briefkasten landete. Er war fasziniert von Bildern von Fußbällen, Baseballs und Basketballs und bewunderte sowohl ihre geschwungenen Formen als auch die geschwungene Naht auf ihren Oberflächen. „Ich hätte sicherlich nicht in einem Sportkatalog danach gesucht, aber dort habe ich es gefunden“, sagte Smith 1982 zu dem Künstler und Kritiker Addison Parks. „Natürlich waren die Formen und Linien sehr begrenzt... aber das schuf einen Raum, den ich zuvor in der Malerei noch nie gesehen hatte. Es war flach und gleichzeitig war es geschwungen. Die Ebenen schienen sich in jede Richtung zu bewegen, wie es der Raum tut.“ Diese einfache, aber tiefgreifende Erkenntnis war kürzlich in der Ausstellung Leon Polk Smith: Endless Space im Richard Gray Warehouse in Chicago in vollem Umfang zu sehen. Mit einem Dutzend und einer halben Gemälden und Zeichnungen aus den 1960er und 70er Jahren las sich die Ausstellung wie ein visuelles Manifest dieses Entdeckungsmoments. Werke wie „Untitled No. 7613“ (1976) sprachen direkter darüber als andere; während andere, wie die yin-yang-artigen, grünen und schwarzen komplementären Formen von „Untitled“ (1967), die Einsicht in mystische Gefilde erweiterten. Die Sorgfalt und Eleganz, mit der Smith seine Offenbarung ausarbeitete, ist bewundernswert, und angesichts der frühen Phase, in der er mit diesen Ideen arbeitete, ist es leicht zu erkennen, wie er dazu beitrug, das Fundament für alles von Op Art über Minimalismus bis hin zu Hard Edge Abstraktion zu legen. Dennoch kann ich nicht umhin zu fühlen, dass es auch etwas mehr in seinem Werk gibt als Farben und Formen.

Die Suche eines Zuschauers nach Bedeutung

Was mich an Smith am meisten fasziniert, ist die Art und Weise, wie er mehrere Gemälde miteinander verbindet, um größere Kompositionen zu schaffen. Smith nannte seine Anordnungen von geformten Leinwänden "Konstellationen". Einige, wie "Konstellation Straight Out" (1974), bestehen aus ordentlich gestapelten Formen mit einer sich wiederholenden Horizontlinie, die die Fortsetzung der Elemente in den Raum impliziert. Andere, wie "Konstellation - Lost Horizon" (1968), verbinden sich ungleichmäßig und sehen weniger nach etwas Methodischem aus und mehr nach zugeschnittenen Ansichten eines größeren Bildes, wie Teile eines visuellen Puzzles. Ich liebe den Begriff Konstellationen für diese Gemälde, weil er perfekt meine eigene menschliche Neigung zur spekulativen Mystik hervorruft. Wie ein Sternengucker, der sein Schicksal im Tierkreis sucht, kann ich nicht anders, als diese gemalten Konstellationen nach verborgener Bedeutung abzusuchen.

Leon Polk Smith - Konstellation Milchstraße, 1970. Acryl auf Leinwand. 80 x 120 Zoll. (203 x 305 cm) insgesamt. Die National Gallery of Art, Washington, D.C. © 2019 Leon Polk Smith Foundation

In „Reflections-Red-Black“ (1968) nehme ich konkurrierende Mythologien wahr, von der Legende des Narziss—dem implizierten Egoismus der reflektierten Formen—bis zur verbundenen, empathischen Sinnlichkeit des Kama Sutra. Die proliferierenden hartkantigen, konkreten Formen von „Constellation-Red-Blue“ (1970) hingegen rufen breite, humanistische Vorstellungen wie Zusammengehörigkeit, Expansion, Vernetzung und Verlangen hervor. Gleichzeitig, während ich so sehr danach strebe, mich für die potenzielle Existenz tieferer Bedeutungen in diesem Werk zu öffnen, frage ich mich auch, ob es nicht von Natur aus prätentiös ist, die formalen Entscheidungen, die in dieser Kunst reflektiert werden, mit metaphysischem Gehalt zu versehen; eine Form der kritischen Kolonialisierung. Üblicherweise ermutigen Kunstkritiker und Historiker zeitgenössische Betrachter, historischen Kunstwerken keine Bedeutungen und Erzählungen zuzuschreiben, die möglicherweise nicht mit der Absicht des Künstlers übereinstimmen, sondern vielmehr das Werk toter Künstler durch die Linse der Umstände zu betrachten, unter denen es geschaffen wurde.

Leon Polk Smith - untitled, 1979. Gouache auf Papier. 41½ x 27 Zoll. (105,4 x 68,6 cm). © 2019 Leon Polk Smith Foundation

Das Recht auf Neubewertung

Laut Patterson Sims, Präsident der Leon Polk Smith Foundation, haben wir das Recht und vielleicht die Verantwortung, die Kunstgeschichte aus einer zeitgenössischen Perspektive zu betrachten und das Erbe der Kunst mit dem Inhalt zu versehen, den wir ernsthaft wahrnehmen. "Ich denke, Sie haben das volle Recht auf das, was Sie tun", sagte Sims zu mir. "Die Kunstgeschichte ist das Produkt nachfolgender Generationen, die in Werken Dinge finden können, die eine vorherige Generation nicht sehen konnte." Obwohl einige Künstler und Stiftungen möglicherweise anderer Meinung sind. Zum Beispiel hat Donald Judd berühmt Kritiker vorgegriffen, indem er eigene deklarative Aussagen darüber machte, was sein Werk war und was nicht, und die Judd Foundation schützt weiterhin leidenschaftlich diese Erzählung. Sims versicherte mir jedoch, dass nicht jeder glaubt, dass autoritäre Kontrolle der beste Weg ist, um die Entwicklung der menschlichen Kultur zu kontextualisieren. "Eine Person könnte völlig einem Standpunkt verpflichtet sein, aber das führt dazu, dass die Art der Auseinandersetzung, die Menschen mit diesem Werk haben könnten, eingeschränkt wird", sagte Sims. "Ich denke, Kunstgeschichte und der Prozess der Kuratierung sind ein ständiges Überdenken und Neubewerten von Dingen, und es wird manchmal sehr persönlich."

Leon Polk Smith - Blau, Rot, Gelb mit schwarzen Monden, 1968. Acryl auf Leinwand. 3 Elemente, jeweils 31 x 56 Zoll (79 x 142 cm). © 2019 Leon Polk Smith Stiftung

Becky Daniel, Ausstellungs- und Kommunikationskoordinatorin der Richard Gray Gallery, bietet einen weiteren Grund, warum wir uns frei fühlen sollten, Smith aus einer zeitgenössischen Perspektive neu zu bewerten. Laut Daniel gab Smith alternative Installationsanweisungen für viele seiner Constellations, die es Kuratoren ermöglichten, die Puzzlestücke auf neuartige Weise zusammenzustellen. Diese Information impliziert, dass Smith hoffte, die Menschen würden keine Angst haben, Freiheiten mit seinem Werk zu nehmen – ähnlich wie Sol LeWitt in seinen Anweisungen für Wandzeichnungen Raum ließ, damit die Künstler, die sie ausführen, einige ästhetische Entscheidungen selbst treffen können. Bedenken Sie, dass Smith, als er in den 1930er Jahren nach New York zog, aufgrund seiner Homosexualität ein Außenseiter war, doch er verwirrte diejenigen, die ihn marginalisieren wollten, und erreichte schließlich breite Anerkennung in so wegweisenden Ausstellungen wie The Responsive Eye. Gleichzeitig demütigte er sich selbst, indem er übertriebene Werbung vermied und sagte: „Ich habe sehr schnell erkannt, dass ich immer ein Künstler gewesen bin... Dass ich es immer für mich behalten würde, dass ich es niemals prostituieren oder irgendetwas damit nur für Geld tun würde.“ Ob er es beabsichtigte oder nicht, ich nehme wahr, dass Smith sein Werk mit etwas wie einem symbolischen Schlüsselcode für zeitgenössische Unzufriedene wie mich durchdrang – ein Erbe, das reich an Optimismus und Menschlichkeit ist, ausgedrückt durch verspielte Beziehungen zwischen Farbe und Form.

Vorschaubild: Leon Polk Smith - Correspondence Black - White, 1968. Öl auf Leinwand. 86 x 120 Zoll. (218,4 x 304,8 cm). © 2019 Leon Polk Smith Foundation
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio