Emilio Vedova, einen Führer der Arte Informale, in Erinnerung.

Diesen Winter wird im Palazzo Reale in Mailand, Italien, eine Ausstellung gezeigt, die den 100. Geburtstag des italienischen abstrakten Malers Emilio Vedova würdigt, der 2006 verstarb. Vedova, 1919 in Venedig geboren, erlangte in den Jahrzehnten nach dem Zweiten Weltkrieg Berühmtheit durch seine vielfältigen Beiträge zur italienischen Avantgarde des 20. Jahrhunderts. Zu verschiedenen Zeiten war Vedova Mitglied mehrerer einflussreicher Künstlergruppen, darunter Corrente (Strom) – eine Bewegung, die sich während des Spanischen Bürgerkriegs der Offenheit und dem Antifaschismus verschrieb – und Fronte Nuovo delle Arti, die nach dem Krieg gegründet wurde, um die neuesten Entwicklungen des europäischen Modernismus zu fördern. 1946 unterzeichnete Vedova das Manifest des Realismus für Bildhauer und Maler, auch bekannt als „Jenseits von Guernica“. Das Manifest feierte die gegenständliche, kriegsfeindliche Haltung, die Picasso in seinem Gemälde Guernica von 1937 zum Ausdruck brachte, und bezeichnete Malerei und Bildhauerei als Akte der „Teilnahme an der gesamten Wirklichkeit der Menschheit“. Außerdem wurde erklärt, dass die „positive Funktion des Individualismus“ „erschöpft“ sei. Wie andere Unterzeichner dieses Manifests war Vedova Mitglied der italienischen Widerstandsbewegung, die sich während des Krieges gegen Nazi-Deutschland und die faschistische Italienische Sozialrepublik stellte. Praktisch bedeutete ihr Manifest nach Guernica, dass sie glaubten, realistische, gegenständliche Kunst sei der beste Weg, den politischen und sozialen Übeln ihrer Gesellschaft zu begegnen. Doch im Laufe der Jahre änderte der Autodidakt Vedova seine Meinung und suchte immer mehr Zuflucht in seiner eigenen Vorstellungskraft. Schließlich kam er zu der Überzeugung, dass der einzige Weg, die italienische Kunst wirklich voranzubringen, durch eigentümliche, individualisierte abstrakte Kunst führe. Bis 1952 hatte Vedova alle seine früheren Verbindungen aufgegeben und schloss sich stattdessen der Gruppe an, die als Gruppo degli Otto (Gruppe der Acht) bekannt wurde, zu der auch Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso und Giulio Turcato gehörten. Obwohl diese Gruppe nur zwei Jahre bestand, erwies sie sich für Vedova als wirklich prägend, denn als sie 1952 gemeinsam auf der Biennale in Venedig ausstellte, wurde sie als Beginn der abstrakten Kunstbewegung bekannt, die als Arte Informale bezeichnet wird.

Ein globales Erwachen

Arte Informale wird oft als das italienische Pendant zum Abstrakten Expressionismus bezeichnet. Dies ist jedoch eine etwas bequeme, verkürzte Erklärung, die die feinen Unterschiede zwischen den beiden Positionen außer Acht lässt. Sie übersieht auch die Tatsache, dass beide Positionen Teil eines viel größeren weltweiten Erwachens in der Kunst waren. Zusammen mit Tachismus, Art Autre, Art Brut, der Arbeit der Gutai-Gruppe, Nouveau Réalisme und mehreren anderen internationalen Erscheinungsformen dieses Phänomens waren Abstrakter Expressionismus und Arte Informale einfach Versuche von Künstlern der Nachkriegszeit, sich von historischen Beschränkungen zu befreien, indem sie persönliche abstrakte Methoden der Kunstschaffung entwickelten. Der Hauptgrund, warum Arte Informale so oft mit dem Abstrakten Expressionismus verglichen wird, liegt darin, dass bestimmte Maler, die mit beiden Positionen in Verbindung stehen, einen ähnlichen visuellen Stil verwendeten, der durch energische, gestische Pinselstriche auf großformatigen Leinwänden geprägt ist. Jackson Pollock und Franz Kline sind vielleicht die besten Beispiele für Abstrakte Expressionisten, die diese Techniken anwendeten, und Emilio Vedova ist ein hervorragendes Beispiel für einen Arte Informale-Künstler, der dasselbe tat.

Emilio Vedova – Francos Spanien, 1962. Tusche auf Papier. 31,6 x 44,0 cm. L-B Foundation Fund. MoMA Sammlung. © 2019 The Museum of Modern Art

Interessanterweise bewegte sich Vedova im sozialen Umfeld von Jackson Pollock und Franz Kline. Vedova freundete sich mit einer ihrer wichtigsten Förderinnen, Peggy Guggenheim, an, als sie 1946 Venedig besuchte; die einflussreiche Sammlerin kaufte mehrere Werke von Vedova und half ihm sogar, in den Vereinigten Staaten auszustellen. Aber um sowohl Vedova als auch den Abstrakten Expressionisten gerecht zu werden: Ihre Arbeiten sind eigentlich gar nicht gleich. Die Abstrakten Expressionisten betrachteten sich im Wesentlichen als Amerikaner und bemühten sich, das Erbe Europas abzuschütteln, um etwas Einzigartiges für ihre Kultur auszudrücken. Im Gegensatz dazu sah Vedova sich selbst als Weltbürger. Während eines längeren Aufenthalts in Brasilien 1954 war er fasziniert von der Art und Weise, wie die Natur dort ihre Kraft ausübte. Er beschrieb, wie er durch die „ganz neue Geografie… Städte, die Menschen verschlingen… Natur als Melodram, Hurrikane wie das Jüngste Gericht“ verwandelt wurde. Später sprach er über seine eigenen Werke mit derselben Sprache und bezeichnete sie nicht als Gemälde, sondern als „Erdbeben“.

Emilio Vedova – Tensione, N 4 V, 1959. Öl auf Leinwand. 145,5 x 196 cm, gerahmt. Rückseitig signiert, datiert und betitelt. Galleria Blu, Mailand (Stempel auf der Rückseite) / Europäische Privatsammlung. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Raum neu definieren

Eine weitere Eigenschaft, die Vedova auszeichnete, war die Art und Weise, wie er seine Werke in Ausstellungsräumen platzierte. Neben seinen großformatigen Leinwänden, die auf unerwartete Weise hingen, brachte er manchmal riesige Schwärme kleiner Gemälde dicht gedrängt wie Plakate an einer städtischen Wand zusammen an einer Wand an. Er fertigte auch riesige, runde Leinwände an, die er manchmal senkrecht auf dem Boden miteinander verband. 1961 schuf er seine ersten „Plurimi“ oder Multiples, eine Art freistehende Assemblage bemalter Flächen. 1964 zeigte er auf der documenta III in Kassel, Deutschland, sein als Meisterwerk der Plurimi geltendes Werk – Absurdes Berliner Tagebuch ´64. Das Werk ähnelte einem notdürftig errichteten Flüchtlingslager oder den zerbombten Überresten einer Stadt. Es schien eine gegenständliche, kriegsfeindliche Aussage zu sein, doch konnte jedes der Plurimi auch einfach als Nachbildung der abstrakten Kompositionen gelesen werden, die Vedova in seinen Gemälden verwendete.

Emilio Vedova – Ohne Titel, 1984. Farbe auf Leinwand. 120 x 90 cm, gerahmt. Rückseitig und auf dem Keilrahmen signiert und datiert. Galleria Salvatore + Caroline Ala, Mailand / Europäische Privatsammlung. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Vielleicht ist der aufschlussreichste Aspekt seines Ausstellungsstils, dass Vedova es bevorzugte, seine Gemälde in großen Gruppen zu zeigen. Wir sind es gewohnt, ein einzelnes Gemälde eines Künstlers zu sehen, oder selbst bei einer Retrospektive hängen die Gemälde weit genug auseinander, sodass sie einzeln betrachtet werden können, wie besondere Artefakte. Vedova hingegen gruppierte seine Gemälde oft zusammen, stapelte sie übereinander oder hängte sie auf andere unkonventionelle Weise auf, fast so, als wollte er sagen, dass die einzelnen Objekte nicht als ehrwürdige Kostbarkeiten gedacht waren. Es war der Gesamteindruck, über den die Betrachter nachdenken sollten. Diese Haltung, dass keines seiner Gemälde ein begehrtes Gut war, unterschied Vedova erneut von seinen Zeitgenossen in den Vereinigten Staaten. Diese Haltung ist auch einer der Gründe, warum er als großer Einfluss auf die Arte Povera-Künstler gilt. Wie diese sorgte sich Vedova nie darum, bestehende Kunstsysteme zu befriedigen; oft war er zufrieden damit, sie zu zerstören.

Titelbild: Emilio Vedova – Senza Titolo. Öl auf Papier auf Karton aufgebracht. 24 x 34 cm. Echtheitszertifikat auf der Rückseite: Mein Werk / E. Vedova: Stempel Galerie Il Traghetto, Venedig.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio