Den Kurven der Skulptur von Tony Cragg folgen

Werke des renommierten britischen abstrakten Künstlers Tony Cragg sind diesen Sommer in Houghton Hall zu sehen, einem prächtigen britischen Landsitz, der derzeit von David George Philip, dem 7. Marquess von Cholmondeley, bewohnt wird. Typisch für den britischen Adel ist Lord Cholmondeley weiß, wohlhabend und hat seinen Status geerbt. Untypisch ist, dass er ein professioneller Filmemacher ist, manche würden sagen ein Künstler. Die aktuelle Ausstellung in seinem angestammten Houghton Hall ist die jüngste in einer Reihe, die Lord Cholmondeley 2013 ins Leben rief, beginnend mit einer Heimkehr-Ausstellung von Gemälden, die sein Vorfahre Sir Robert Walpole 1779 an die russische Zarin Katharina die Große verkaufte. 2015 wurde der Licht- und Raumkünstler James Turrell eingeladen, eine ortsspezifische Installation in Houghton Hall zu schaffen, die gut ankam. Richard Long übernahm 2017 das Haus und das Gelände und fügte seine Werke wunderschön in die Umgebung ein, in einer erhabenen Symbiose von Kunst, Land und Architektur. 2018 richtete Damien Hirst eine geradezu lächerliche Ausstellung auf dem Anwesen ein, die wunderbar zur Absurdität dieses angestammten Denkmals für Elitismus und Ungleichheit passte. Eine Auswahl von Werken Henry Moores nahm 2019 elegant den Ort ein. 2020 aktivierte Anish Kapoor Haus und Gelände mit Werken, die eine unheimlich schöne, fremdartige Harmonie ausstrahlten. Für die aktuelle Ausstellung in Houghton Hall schickte Cragg eine Reihe erstklassiger Werke aus seinem deutschen Atelier, einige eigens für diesen Anlass geschaffen. Trotz meiner Bewunderung für Cragg und diese Werke ist die Ausstellung bisher meine am wenigsten bevorzugte der Reihe. Die Poesie früherer Ausstellungen lag darin, wie die Werke das Gelände einnahmen und oft das Gefühl vermittelten, die Kunst sei schon immer dort gewesen. Diese Cragg-Skulpturen, so wunderbar sie auch sind, wirken, als wären sie hier nur ausgestellt, auf kurzen Sockeln platziert, wie man es in jeder anderen Galerie oder jedem Garten sehen würde. Ihre Beziehung zur genauen Umgebung scheint kaum unausweichlich oder durchdacht. Ich vermute, dass diese Schwäche den unglücklichen Einschränkungen internationaler Pandemie-Zusammenarbeiten geschuldet ist. Dennoch bedaure ich, dass die lange Geschichte avantgardistischer Konzepte und Methoden, für die Cragg bekannt ist, keine passendere Präsentation erhielt.

Ein natürlicher Künstler

Die frühesten Werke von Cragg, an die ich mich erinnere, sind eine Reihe von Steintürmen, die er Ende der 1960er Jahre schuf. Auf den Fotos, die ich sah, sehen sie genau so aus, wie wir sie alle unzählige Male beim Spaziergang am Strand gesehen haben: kleine Steine, die zart aufeinander gestapelt sind, um eine Säule zu bilden. Cragg war der erste zeitgenössische Künstler, von dem ich weiß, dass er Steine in der freien Natur aufeinanderstapelte und dies Skulptur nannte, und seine Türme nehmen immer noch eine seltsame und verspielte Zwischenstellung ein zwischen Landkunst, Konzeptkunst, Performancekunst und Spielzeit. Was sie besonders macht, ist, dass Cragg sich nicht nur für die Steine interessierte – er versuchte zu verstehen, mit welchen Kräften die Steintürme zusammenarbeiteten, während sie zu dem wurden, was er sich wünschte. Einige dieser Kräfte, wie Schwerkraft und Masse, sind natürlich. Andere, wie Absicht und Verlangen, sind eindeutig menschlich. In diesen frühen Werken sehe ich einen Künstler, der sich fragt, was der Unterschied ist zwischen natürlichen und vom Menschen gemachten Materialien; natürlichen und vom Menschen verursachten Prozessen; und natürlichen und vom Menschen gelenkten Ergebnissen.

Tony Cragg - Mean Average, 2018. Fiberglas. 620 x 261 x 237. Foto: Michael Richter. © Tony Cragg. Mit freundlicher Genehmigung von Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg

Cragg untersuchte diese gleichen Ideen in mehreren anderen Werkgruppen über mehrere Jahrzehnte hinweg, bevor er zu dem kam, was heute als seine ausgereifte ästhetische Stimme gilt. Er experimentierte mit einer Vielzahl von Materialien, von natürlichen Elementen wie Erde und Sand über Styropor bis hin zu gefundenem Plastik. Er arbeitete in verschiedenen Medien, darunter Fotografie, Installation, Zeichnung und Malerei. Im Laufe der Zeit wurde die Skulptur sein Hauptmedium, und er entwickelte eine einzigartige Fähigkeit, die Momente zu erkennen, in denen sein skulpturaler Prozess Objekte hervorbrachte, die darüber hinausgingen; wenn das Werk einen Moment vollkommener Balance zwischen dem Geist der Natur und dem Willen des Künstlers erreichte. Der ausgereifte skulpturale Stil, der diesen Sommer in Houghton Hall zu sehen ist, drückt dieses seltsame Gleichgewicht durch biomorphe, abstrakte Formen aus, die teils wie Höhlenformationen, teils wie surrealistische Albträume und teils wie außerirdische Autopsien wirken.

Tony Cragg - Migrant, 2015. Bronze. 220 x 150 x 147. Foto: Charles Duprat. © Tony Cragg. Mit freundlicher Genehmigung von Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg

Auf der Suche nach Harmonie

Die jüngsten Werke, die er schafft, zeigen Cragg auf neuen Höhen seiner skulpturalen Laufbahn. Sie drücken Ideen aus wie die Kraft von Wellenformen, unerschöpfliche Vielfalt und unkontrolliertes Wachstum – elegante und manchmal beängstigende abstrakte Ausdrucksformen unserer gegenwärtigen Ängste. Der natürlich wirkende Aspekt dieser Skulpturen macht sie noch beunruhigender, da die Betrachter mit dem Wissen ringen, dass wir zwar Teil der Natur sind, aber im Krieg mit ihr und mit uns selbst stehen. Cragg ist jedoch kaum ein Ökologe im herkömmlichen Sinn. Er wurde in einer Zeit erwachsen, als die Ökologiebewegung gerade erst begann, aber im Gegensatz zu vielen seiner Zeitgenossen nahm er die Idee an, Plastik und andere Schadstoffe in seiner Arbeit zu verwenden. Beim Betrachten seiner Werke hatte ich nie das Gefühl, dass er die menschliche Einmischung in die Natur grundsätzlich negativ sieht. Stattdessen sehe ich seine Arbeit als Ausdruck des Potenzials, dass etwas Harmonisches aus unserer Präsenz im biologischen Bereich entstehen kann.

Tony Cragg - Ferryman, 2001. Bronze. 385 x 190 x 120. Foto: Charles Duprat. © Tony Cragg. Mit freundlicher Genehmigung von Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg

Es mag kleinlich erscheinen, sich über die Gelegenheit zu beschweren, Kunst zu sehen, während der Großteil der Welt noch im Lockdown ist, aber ich habe das Gefühl, dass die aktuelle Ausstellung von mehreren Dutzend seiner Werke in Houghton Hall nicht die erfolgreichste Übersicht dessen ist, was Cragg bisher zum zeitgenössischen Kunstgespräch beigetragen hat. Auch hier liegt das wahrscheinlich einfach daran, dass es überstürzt wurde. Theoretisch könnte dieser Ort einzigartig perfekt sein, um seine Werke zu zeigen, da er mehrere Sympathien birgt, die genau mit den Ideen übereinstimmen, mit denen Cragg arbeitet, wie Kolonialisierung, Machtstrukturen und Manipulation der natürlichen Welt. Vielleicht hätte Lord Cholmondeley die Cragg-Ausstellung einfach verschieben sollen, bis der Künstler persönlich mehr Zeit mit der Umgebung verbringen und intensiver auf ihre besondere visuelle und materielle Präsenz reagieren konnte, dann hätte die Ausstellung die volle Tiefe und Poesie der Werke angemessener hervorheben können.

Titelbild: Tony Cragg - It is, It isn't, 2014. Edelstahl. 310 x 100 x 122. Foto: Charles Duprat. © Tony Cragg. Mit freundlicher Genehmigung von Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg
Von Phillip Barcio