Giorgio de Chirico und die Gemälde, die nicht gesehen werden können

Sind Erfahrungen greifbar? Können Gefühle sich zeigen? Was existiert jenseits des beobachtbaren Universums? Im Jahr 1911, als Giorgio de Chirico die ersten Beispiele der Pittura Metafisica oder Metaphysische Malerei malte, waren dies einige der Fragen, denen er sich zu stellen versuchte. Wie viele seiner Zeitgenossen war De Chirico sich sehr bewusst, dass sich die westliche Gesellschaft auf monumentale und unaufhaltsame Weise wandelte. Anstatt objektive Darstellungen dieser sich verändernden Welt zu malen, entschied er sich, die Gefühle derjenigen auszudrücken, die in ihr lebten. Er war fasziniert davon, wie Menschen angesichts des Unbekannten Trost im Mystischen, Geheimnisvollen und Extremen suchen. Während die Geschichte rasch von einer gierigen Zukunft verschlungen wurde, wollte De Chirico das darstellen, was nicht gesehen werden konnte: das innere Leben der einsamen, ratlosen Zeugen der Zeit. Dafür stand er vor einer großen Herausforderung: wie das Unsichtbare sichtbar gemacht werden kann. Inspiriert von der Arbeit der Symbolisten des 19. Jahrhunderts befreite sich De Chirico von der Last des Realen und fand Trost im Symbolischen, Unheimlichen und Abstrakten. Wie er auf der Rückseite seines Selbstporträts von 1911 schrieb, „Was soll ich lieben, wenn nicht das Rätsel?“

Aufstieg der Symbolisten

Nur wenige wissen, wie es sich anfühlt, am sogenannten fin de siècle, dem Ende einer Epoche, zu leben. Heute gibt es so viele von uns und die Dinge ändern sich so schnell, dass irgendwo auf der Welt jeden Tag das Ende einer Ära stattfindet. Man könnte sagen, dass die letzte Zeit, in der die Menschheit eine gemeinsame fin de siècle erlebte, das Ende des 19. Jahrhunderts war. Damals fanden gleichzeitig beispiellose Fortschritte in Industrie, Technik, Kriegführung, Nahrungsmittelproduktion, Medizin, Verkehr, Kommunikation, Wissenschaft, Bildung und Kultur statt. So viele radikale Veränderungen geschahen auf einmal, dass die Menschheit aus ihrem Selbstverständnis gerissen wurde. Die Zukunft ließ die Vergangenheit veraltet erscheinen, was die Sichtweise der Menschen auf sich selbst, aufeinander und die materielle Welt grundlegend veränderte.

Jahrzehntelang vor diesem globalen fin de siècle war die allgemeine Stimmung der meisten Menschen nicht gut. Die Menschen waren pessimistisch und ängstlich. Diese extremen Gefühle äußerten sich in einer kulturellen Bewegung, die als Symbolistische Kunst bekannt wurde. Nach den Worten des französischen Symbolisten Stéphane Mallarmé war das Ziel der Symbolisten, „nicht die Sache selbst, sondern die Wirkung, die sie hervorruft, darzustellen.“ Symbolistische Gemälde sind stimmungsvoll und zeigen extreme Sichtweisen. Die Betrachter werden oft von den Gefühlen überwältigt, die sie vermitteln. Ihr Thema ist unwichtig. Entscheidend ist, wie sie Menschen fühlen lassen.

 

Giorgio de Chirico - Das Rätsel der Stunde, 1911. Privatsammlung

 

Giorgio De Chirico in München

1988, als Giorgio De Chirico geboren wurde, war das fin de siècle in vollem Gange. De Chirico wurde in Griechenland als Sohn italienischer Eltern geboren. Mit 17 Jahren starb sein Vater. Im folgenden Jahr zog Giorgio nach München und schrieb sich in Kunstkurse ein. Er studierte klassische Maltechniken und las Philosophie, insbesondere die Werke von Arthur Schopenhauer, der glaubte, dass menschliches Verhalten durch den Versuch bestimmt wird, unbekannte Wünsche zu erfüllen, die auf metaphysischer Angst beruhen. Auch in München lernte De Chirico die unheimlichen Gemälde des Symbolisten Arnold Böcklin kennen, die moderne Ängste und Sorgen mit klassischer Bildsprache und Symbolik behandelten.

Nach der Schule zog De Chirico nach Italien. Während seines Aufenthalts in Mailand, Florenz und Turin wurde er mit dem starken Gegensatz zwischen der antiken Architektur Italiens und seiner sich modernisierenden Kultur konfrontiert. Er beschrieb, wie die metaphysische Qualität der Umgebung ihn mit einem überwältigenden Gefühl von Melancholie erfüllte. 1910, während er in Florenz war, drückte er dieses Gefühl durch eine Reihe innovativer und stark stilisierter Gemälde aus, darunter Das Rätsel eines Herbstnachmittags und Das Rätsel des Orakels. Das scharfe Licht, isolierte Figuren und die Mischung aus zeitgenössischer und klassischer Symbolik wurden zu einem wesentlichen Bestandteil von De Chiricos unverwechselbarem Stil, der später als Metaphysische Malerei bekannt wurde.

 

Giorgio de Chirico - Das Rätsel des Orakels, 1911. Öl auf Leinwand.

 

Das Unsichtbare sichtbar machen

Was versuchte De Chirico mit seinen „Rätsel“-Gemälden auszudrücken? Die isolierten Statuen, die dunklen Vorhänge, die Teile des Bildes verbergen, die Figuren mit dem Rücken zum Betrachter, die starken Gegensätze zwischen Schatten und Licht. Das sind Bilder einer Welt voller Relikte und Geheimnisse, mystischer Geheimnisse aus der Vergangenheit. Sie zeigen private Momente voller unbekannter Sorgen. Obwohl figürlich, sind diese Bilder reich an Symbolik. Anstatt zu klären, abstrahieren sie die Fakten gerne, verwischen die Botschaft und machen den Inhalt außer der Stimmung nicht interpretierbar.

Im Laufe der Jahre fügte er weitere abstrakte Symbole hinzu, die die Bedeutung seiner Bilder noch mehr verwirrten und gleichzeitig ihre Stimmung und Melancholie verstärkten. Er fügte ein wiederkehrendes Bild eines Zuges hinzu, immer in der Ferne, der winzige Rauchwolken ausstößt, während er vorbeifährt. Er fügte Uhren hinzu, ein Symbol der Sehnsucht, da Momente wie einsame Züge und Segelschiffe vorüberziehen. Und dann sind da noch die Türme, die allein die Landschaft überblicken, ihre einsamen Blickwinkel objektiviert und an den Rand gedrängt, während sie in der Ferne verschwinden. Die Bilder sind unheimlich – vertraut und doch fremd – wie Träume.

 

Giorgio de Chirico - Das Lied der Liebe, 1914. Öl auf Leinwand. 73 x 59,1 cm. Sammlung des Museum of Modern Art (MoMA). © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rom

 

Erweiterung des Symbolismus

1911 zog De Chirico nach Paris, wo sein einzigartiger neuer Stil auf großes Interesse stieß. Seine Werke wurden in mehreren großen Ausstellungen gezeigt und er erregte die Aufmerksamkeit des einflussreichen Kunstkritikers Guillaume Apollinaire, der ihm half, einen Kunsthändler zu finden. Doch 1915, als der Erste Weltkrieg ausbrach, kehrte De Chirico nach Italien zurück, wie viele andere europäische Künstler, die gezwungen waren, in ihre Heimat zurückzukehren, um zu kämpfen. Obwohl dies seinen Aufschwung hätte zerstören können, erlebte er eine mystische Wendung des Schicksals. Da er als körperlich untauglich für den Kampf eingestuft wurde, wurde De Chirico in einem Krankenhaus eingesetzt. Dort traf er den Maler Carlo Carrà, einen Maler, der De Chiricos abstrakte, symbolische Sichtweise teilte.

Die Freundschaft mit Carrà führte zu einer Vertiefung von De Chiricos Hinwendung zur abstrakten Symbolik. Seine Gemälde begannen, noch traumhaftere Bilder einzubeziehen, was zu einer immer unheimlicheren Bildsprache beitrug. Die Natur dieser neuen Bildwelt war ganz auf die Umstände des Großen Krieges bezogen. So viele wurden zurückgelassen, wanderten verlassen durch die trostlose, einsame Arkade der Vergangenheit, ohne Ziel und Richtung. De Chirico behandelte Themen wie Liebe, Inspiration und Geister, indem er seltsame Anordnungen von Gegenständen an scharf beleuchteten Orten platzierte und so eine ästhetische Sammlung schuf, die von Verwirrung und Identitätsverlust geprägt war.

 

Giorgio de Chirico - Die beunruhigenden Musen, 1916 - 1918. Privatsammlung

 

Einfluss auf die Surrealisten

In den Jahren nach dem Krieg wurde De Chiricos Sichtweise weithin angenommen und sein Ruhm wuchs schnell. Doch er hielt seinen Stil für unreif. So beschloss De Chirico 1919, die Metaphysische Malerei aufzugeben. In seinem Aufsatz Die Rückkehr des Handwerks kündigte er seine Hinwendung zu objektiver Bildsprache und klassischem Thema an.

Die Ironie an De Chiricos Timing war, dass nur ein Jahr später der surrealistische Schriftsteller André Breton eines seiner Gemälde, Das Gehirn des Kindes, in einem Schaufenster sah. Diese zufällige Begegnung führte dazu, dass eine ganze Generation junger Maler, darunter Salvador Dalí und René Magritte, sich für De Chiricos Werk interessierte. Diese Maler, die als Surrealisten bekannt wurden, ließen sich von der traumhaften Qualität dieser Bilder und der Art, wie sie die abstrakte Ästhetik des Unterbewusstseins ansprachen, inspirieren.

 

Giorgio de Chirico - Das Gehirn des Kindes, 1917. Öl auf Leinwand. Nationalmuseum, Stockholm, Schweden

 

Das zeitgenössische metaphysische Erbe

Neben der Schaffung eines einzigartig fesselnden Stils hinterließ De Chiricos Versuch, „das Unsichtbare zu malen“, eine Spur ästhetischer Brotkrumen. Wir können ihr folgen, wann immer wir zu unseren ursprünglichen symbolischen Wurzeln zurückkehren wollen, um unsere eigenen Fragen nach dem Wesen des Seins, der Natur der Zeit oder den Geheimnissen des Raums zu stellen oder wenn uns unser tägliches Gefühl des unendlichen fin de siècle beunruhigt. Denn obwohl wir heute viel mehr Daten über unsere Welt besitzen als unsere Vorfahren im frühen 20. Jahrhundert, bleibt vieles dennoch unsichtbar.

Trotz unserer wissenschaftlichen Fortschritte sind wir nicht näher als De Chirico daran, die grundlegenden Fragen der Metaphysik zu beantworten, wie zum Beispiel: „Was bedeutet es zu existieren?“ Wir haben nicht geklärt, ob wir nur Körper sind oder ob die Seele existiert, und falls ja, ob alle Dinge eine Seele haben oder nur Lebewesen. Doch dank Künstlern wie De Chirico haben wir Modelle für die Verbindung von Symbolik, Kunst und Geheimnis mit unserem Leben. Wir mögen immer noch die einsamen, ratlosen Zeugen der Zeit sein, aber vielleicht sind wir zumindest näher daran, unsere angeborene metaphysische Mehrdeutigkeit zu akzeptieren, damit wir lernen können, die dauerhaften Geheimnisse unserer Existenz zu lieben statt zu fürchten.

 

Titelbild: Giorgio de Chirico - Das Rätsel eines Herbstnachmittags, 1910
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio