Wie beziehen 5 in New York ansässige zeitgenössische Künstler auf das Erbe von Ellsworth Kelly?

Die Ausstellung Painting/Object, die derzeit in der FLAG Art Foundation in New York zu sehen ist, untersucht fünf zeitgenössische Künstler, die Werke im Dialog mit der Kunst von Ellsworth Kelly schaffen. Es sind 69 Jahre vergangen, seit Kelly Window schuf, Museum für Moderne Kunst, Paris (1949). Bestehend aus zwei übereinander gestapelten, rechteckigen Leinwänden – einer weißen oben auf einer grauen, mit schwarzen Stäben, die um die Ränder befestigt sind und den Rahmen eines Fensters nachahmen – war dies das erste „Gemälde/Objekt“, das Kelly anfertigte. Es bildete die Grundlage für alle anderen Werke, die er bis zu seinem Tod 2015 schuf. Kelly sprach in einem Aufsatz, den er 20 Jahre nach der Entstehung des Werks schrieb, eindrucksvoll über Window. Darin erinnert er sich daran, wie er 1949 das Museum für Moderne Kunst in Paris besuchte und plötzlich erkannte, dass ihn die Fenster zwischen den Gemälden mehr interessierten als die Gemälde selbst. Die Fenster hatten Struktur und Präsenz. Kelly skizzierte ihre Form und übertrug diese Skizze später in das, was sein Durchbruchswerk wurde. Es war kein Gemälde eines Fensters; auch keine Abstraktion eines Fensters; noch ein tatsächliches Fenster. Kelly nannte es ein Gemälde/Objekt – eine „unpersönliche Beobachtung der Form“. Er sagte, das Werk erinnere ihn an eine Kindheitserinnerung, als er durch ein Fenster eines Hauses, an dem er vorbeiging, blickte und „rote, blaue und schwarze Formen in einem Raum“ sah. Er lief zum Fenster, um die Formen zu sehen, doch sie lösten sich in tatsächliche Gegenstände auf – „ein rotes Sofa, ein blauer Vorhang und ein schwarzer Tisch“. Er sehnte sich danach, zu den Formen zurückzukehren; ihre Essenz, ihre Schlichtheit, ihre Wahrheit einzufangen. Window war sein erster reifer Versuch dieses Ziels. Damit fühlte er, dass er „eine vorrenaissancezeitliche, europäische Art von Kunst... die Objektqualität der Artefakte, die Tatsache, dass das Werk wichtiger war als die Persönlichkeit des Künstlers“ wiederentdeckte. Auch heute ist Window leicht misszuverstehen und im Vergleich zu anderen, offensichtlicheren Meisterwerken leicht zu übersehen. Dennoch wurde es von drei nachfolgenden Künstlergenerationen verehrt, darunter von den fünf zeitgenössischen Künstlern, die in Painting/Object vorgestellt werden und für die der Wert von Window selbstverständlich ist.

Sarah Crowner

Neben der Bildsprache von Formen und Gestalten, die sie in ihren Werken einsetzt, teilt Sarah Crowner (geb. 1974) mit Ellsworth Kelly eine Geschichte der Frustration mit der Malerei. Crowner entwickelte ihre Technik, Leinwände aus Stücken anderer bemalter Leinwände zusammenzunähen, nachdem sie nach einem konstruktiveren Zugang zum Medium gesucht hatte. Die sichtbaren Nähte verleihen ihren fertigen Werken eine Frankenstein-artige Präsenz. Die zusammengesetzte Sprache aus Form und Farbe beseitigt jeglichen Bezug zur objektiven Wirklichkeit. Wie bei Kellys Werken können diese Gemälde als rein selbstbezüglich gelesen werden – als konkrete Gegenstände mit einzigartigen Eigenschaften. Im Gegensatz zu Kelly hat Crowner jedoch auch gesagt, dass ihre Werke „die Idee anbieten, dass ein Gemälde oder eine Skulptur als Vorschlag für etwas anderes funktionieren könnte“.

Sarah Crowner – Standing Legs (Red), 2017, Acryl auf Leinwand, genäht, 48 x 48 Zoll, Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Casey Kaplan, New York

N. Dash

Die Verbindung zwischen N. Dash und Ellsworth Kelly ist auf den ersten Blick vielleicht nicht offensichtlich. Obwohl ihre Gemälde eine leicht geometrische Empfindung aufweisen, die an Kelly erinnert, vermitteln die Materialität und die texturalen Eigenschaften ihrer Werke den Eindruck, dass sie mehr mit Arte Povera oder Dansaekhwa gemein haben könnten. Unbestreitbar besteht jedoch eine Verbindung zwischen Dash und Kelly auf philosophischer Ebene. Kelly sagte einmal: „In meiner Malerei ist das Gemälde das Thema, nicht das Thema, das Gemälde.“ Dash verkörpert diese Vorstellung, indem sie fertige Materialien wie Farbe und Leinwand mit den Rohstoffen kombiniert, aus denen sie hergestellt wurden. Zum Beispiel verbindet sie Farbe mit den Erdelementen, aus denen sie entstanden ist, und schafft so eine schlammartige Substanz. Anstatt diese Substanz zu verwenden, um ein Thema in einem Gemälde oder einer Skulptur zu vermitteln, wird diese Substanz selbst zum Thema des Werks.

N. Dash – Untitled, 2018, Adobe, Gesso, Leinwand, Emaille, Leinen, Pigment, Acryl, Styropor, Holzunterbau, 107 x 24 Zoll / 271,78 x 60,96 cm, Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Casey Kaplan, New York, Foto: Jason Wyche

Sam Moyer

Kelly sagte, er könne „alles aus dem Leben nehmen“, um seine Formen zu gestalten. Sam Moyer (geb. 1983) interpretiert diese Idee wörtlich, indem sie tatsächliche Gegenstände aus dem Leben entleiht, wie Marmorplatten oder Stoffstücke, und sie auf einer Fläche befestigt, um ihre Werke zu schaffen. Anstatt sie zu vereinfachen, wie Kelly es tat, lässt Moyer diese Gegenstände ihre eigenen Eigenschaften so zeigen, wie sie sind. Ihre Werke enthalten eine Bildsprache, die sich auf Fragmentierung und Neuverbindung bezieht. Durch ihre physische formale Präsenz bieten sie einen logischen Vorschlag, das Gemälde/Objekt weiterzuführen.

Sam Moyer – Rye, 2018, Stein, handbemalte Leinwand auf MDF-Platte montiert, 76 5/8 x 60 3/8 Zoll, Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Sean Kelly, New York

Julia Rommel

Im Fall von Julia Rommel (geb. 1980) fühlt es sich eher so an, als mache sie Objekt/Gemälde statt Gemälde/Objekte. Der Unterschied ist subtil, aber in ihren Werken deutlich. Wie Ellsworth Kelly bringt Rommel reale Formen in ihre Kompositionen ein. Doch anstatt diese Formen aus der Natur auszuwählen, sind die Formen, die sie verwendet, ihre eigenen Gemälde. Sie spannt Leinwände, bemalt sie, nimmt sie dann von den Keilrahmen ab und befestigt sie wieder an größeren Keilrahmen. Indem sie die Leinwände übereinander schichtet, lenkt sie die Aufmerksamkeit auf deren Kanten. Die Gegenständlichkeit dieser angesammelten Gemälde ist wesentlich für den Charakter des Werks.

Julia Rommel – The Unbelievers, 2016, Öl auf Leinen, 71 1/2 x 106 5/8 Zoll, Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Bureau, New York

Erin Shirreff

Erin Shirreff (geb. 1975), die hauptsächlich in den Medien Fotografie und Bildhauerei arbeitet, kann nicht genau gesagt werden, dass sie Gemälde/Objekte herstellt. Dennoch feiert ihre Arbeit in vielerlei Hinsicht den Geist von Ellsworth Kelly. Shirreff setzt ihre Kompositionen aus visuellen Fragmenten zusammen, die auf die biomorphe Geometrie der natürlichen Welt verweisen. Kombinationen aus abgerundeten, voluminösen Formen und starren, architektonischen Strukturen verbinden sich auf eine Weise, die etwas Bekanntes erinnert, während sie gleichzeitig eine unbekannte Welt der Möglichkeiten andeuten. In gewissem Sinne nimmt Shirreff die Philosophie und Bildsprache des Objekt/Gemäldes auf und erweitert sie in den Bereich des Surrealen.

Erin Shirreff – Fig. 3, 2017, Archivpigmentdruck, 40 x 54 Zoll, Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Sikkema Jenkins & Co.

Painting/Object ist bis zum 19. Mai 2018 in der FLAG Art Foundation in New York zu sehen und zeigt Werke von Sarah Crowner, N. Dash, Sam Moyer, Julia Rommel und Erin Shirreff. Zurzeit ist die Ausstellung Ellsworth Kelly im 9. Stock der Galerie zu sehen.

Titelbild: Sarah Crowner – Sliced Greens, 2018, Acryl auf Leinwand, genäht, 65 x 60 Zoll, Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Casey Kaplan, New York

Von Phillip Barcio