Wie beziehen 5 in New York ansässige zeitgenössische Künstler auf das Erbe von Ellsworth Kelly?

Die Ausstellung Painting/Object, die derzeit in der FLAG Art Foundation in New York zu sehen ist, untersucht fünf zeitgenössische Künstler, die Werke im Dialog mit der Kunst von Ellsworth Kelly schaffen. Es sind 69 Jahre vergangen, seit Kelly Window, Museum of Modern Art, Paris (1949) geschaffen hat. Sie besteht aus zwei gestapelten, rechteckigen Leinwänden – einer weißen oben auf einer grauen, mit schwarzen Stäben, die um die Ränder befestigt sind und den Rahmen eines Fensters hervorrufen – dies war das erste „Painting/Object“, das Kelly gemacht hat. Es war die Grundlage für jedes andere Werk, das er bis zu seinem Tod im Jahr 2015 schuf. Kelly sprach in einem 20 Jahre nach der Entstehung des Stücks verfassten Essay eloquent über Window. Darin erinnert er sich daran, 1949 das Museum of Modern Art in Paris besucht zu haben und plötzlich zu realisieren, dass er mehr an den Fenstern zwischen den Gemälden interessiert war als an den Gemälden selbst. Die Fenster hatten Struktur und Präsenz. Kelly skizzierte ihre Form und übersetzte später diese Skizze in das, was zu seinem Durchbruchswerk wurde. Es war kein Gemälde eines Fensters; noch eine Abstraktion eines Fensters; noch ein tatsächliches Fenster. Kelly nannte es ein Painting/Object – eine „unpersönliche Beobachtung der Form“. Er sagte, das Stück erinnere ihn an eine Kindheitserinnerung, als er durch ein Fenster eines Hauses schaute, an dem er vorbeiging, und „rote, blaue und schwarze Formen in einem Raum“ sah. Er rannte zum Fenster, um die Formen zu sehen, aber sie verwandelten sich in tatsächliche Objekte – „ein rohes Sofa, einen blauen Vorhang und einen schwarzen Tisch“. Er sehnte sich danach, zu den Formen zurückzukehren; ihre Essenz, ihre Einfachheit, ihre Wahrheit einzufangen. Window war sein erster reifer Versuch, dieses Ziel zu erreichen. Damit fühlte er, dass er „eine vorrenaissancezeitliche, europäische Kunstart... die Objektqualität der Artefakte, die Tatsache, dass das Werk wichtiger war als die Persönlichkeit des Künstlers“ wiederentdeckte. Selbst heute ist Window leicht misszuverstehen, und im Vergleich zu anderen, offensichtlicheren Meisterwerken leicht zu übersehen. Dennoch wurde es von drei nachfolgenden Generationen von Künstlern verehrt, einschließlich dieser fünf zeitgenössischen Künstler, die in Painting/Object vorgestellt werden, für die der Wert von Window offensichtlich ist.

Sarah Crowner

Neben der visuellen Sprache von Formen und Gestalten, die sie in ihrer Arbeit mobilisiert, verbindet Sarah Crowner (geb. 1974) mit Ellsworth Kelly eine Geschichte der Frustration mit der Malerei. Crowner kam zu ihrer Technik, ihre Leinwände aus Stücken anderer bemalter Leinwände zusammenzunähen, nachdem sie nach einem konstruktiveren Ansatz für das Medium gesucht hatte. Die Oberflächenstiche verleihen ihren fertigen Arbeiten eine frankensteinartige Präsenz. Die assemblierte Sprache von Form und Farbe beseitigt jeglichen Bezug zur objektiven Realität. Wie die Werke von Kelly können diese Gemälde als rein selbstreferenziell gelesen werden – als konkrete Objekte, deren Eigenschaften einzigartig sind. Im Gegensatz zu den Werken von Kelly hat Crowner jedoch auch gesagt, dass ihre Werke "die Idee anbieten, dass ein Gemälde oder eine Skulptur als Vorschlag für etwas anderes fungieren könnte."

Sarah Crowner - Stehende Beine (Rot), 2017, Acryl auf Leinwand, genäht, 48 x 48 Zoll, Courtesy der Künstlerin und Casey Kaplan, New York

N. Dash

Die Verbindung zwischen N. Dash und Ellsworth Kelly mag auf den ersten Blick nicht offensichtlich sein. Obwohl ihre Gemälde eine schwach geometrische Sensibilität aufweisen, die an Kelly erinnert, vermitteln die Materialität und die texturalen Qualitäten ihrer Arbeit den Eindruck, dass sie mehr mit Arte Povera oder Dansaekhwa gemein haben könnte. Unbestreitbar besteht jedoch eine Verbindung zwischen Dash und Kelly auf einer philosophischen Ebene. Kelly sagte einmal: „In meinem Gemälde ist das Gemälde das Subjekt und nicht das Subjekt, das Gemälde.“ Dash verkörpert diese Vorstellung, indem sie fertige Materialien wie Farbe und Leinwand mit den Rohmaterialien kombiniert, die in deren Produktion eingeflossen sind. Zum Beispiel könnte sie Farbe mit den Erdelementen kombinieren, aus denen sie geschaffen wurde, und eine schlammartige Substanz erzeugen. Anstatt diese Substanz zu verwenden, um ein Subjekt in einem Gemälde oder einer Skulptur zu kommunizieren, wird diese Substanz selbst zum Subjekt des Werkes.

N. Dash - Untitled, 2018, Adobe, Gesso, Leinwand, Emaille, Leinen, Pigment, Acryl, Styropor, Holzunterstützung, 107 x 24” / 271,78 x 60,96 cm, Courtesy the artist and Casey Kaplan, New York, Foto: Jason Wyche

Sam Moyer

Kelly sagte, er könne "alles aus dem Leben nehmen", um seine Formen zu konstruieren. Sam Moyer (geb. 1983) interpretiert diese Idee wörtlich, indem sie tatsächliche Objekte aus dem Leben entleiht, wie Marmorplatten oder Stoffstücke, und sie auf einer Fläche anbringt, um ihre Werke zu konstruieren. Anstatt sie zu vereinfachen, wie es Kelly tat, lässt Moyer diese Objekte ihre eigenen Qualitäten manifestieren, so wie sie sind. Ihre Werke enthalten eine visuelle Sprache, die mit Fragmentierung und Rekombination verbunden ist. Durch ihre physische formale Präsenz bieten sie einen logischen Vorschlag, um die Malerei/Objekt voranzubringen.

Sam Moyer - Rye, 2018, Stein, handbemalte Leinwand auf MDF-Platte montiert, 76 5/8 x 60 3/8 Zoll, Courtesy the artist and Sean Kelly, New York

Julia Rommel

Im Fall von Julia Rommel (geb. 1980) fühlt es sich eher so an, als würde sie Objekt/Gemälde statt Gemälde/Objekte schaffen. Der Unterschied ist subtil, aber in ihrer Arbeit offensichtlich. Wie Ellsworth Kelly führt Rommel reale Formen in ihre Kompositionen ein. Aber anstatt diese Formen aus der Natur zu kuratieren, sind die Formen, die sie verwendet, ihre eigenen Gemälde. Sie spannt Leinwände, bemalt sie und nimmt sie dann von den Keilrahmen ab, um sie wieder an größeren Keilrahmen zu befestigen. Indem sie die Leinwände übereinander schichtet, lenkt sie die Aufmerksamkeit auf ihre Kanten. Die Objekthaftigkeit dieser angesammelten Gemälde ist wesentlich für den Charakter der Arbeit.

Julia Rommel - Die Ungläubigen, 2016, Öl auf Leinen, 71 1/2 x 106 5/8 Zoll, Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Bureau, New York

Erin Shirreff

Erin Shirreff (geb. 1975) arbeitet hauptsächlich in den Medien Fotografie und Skulptur und kann nicht genau gesagt werden, dass sie Malerei/Objekte schafft. Dennoch erhebt ihr Werk in vielerlei Hinsicht den Geist von Ellsworth Kelly. Shirreff setzt ihre Kompositionen aus visuellen Fragmenten zusammen, die zur biomorphen Geometrie der natürlichen Welt sprechen. Kombinationen aus runden, voluminösen Formen und starren, architektonischen Strukturen verbinden sich auf eine Weise, die an etwas Bekanntes erinnert, während sie erklären, dass sie auf eine unbekannte Welt der Möglichkeiten verweisen. In gewissem Sinne nimmt Shirreff die Philosophie und die visuelle Sprache des Objekts/Malerei und erweitert sie in das Reich des Surrealen.

Erin Shirreff - Abb. 3, 2017, Archivpigmentdruck, 40 x 54 Zoll, Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Sikkema Jenkins & Co.

Die Ausstellung "Painting/Object" ist bis zum 19. Mai 2018 in der FLAG Art Foundation in New York zu sehen und zeigt Werke von Sarah Crowner, N. Dash, Sam Moyer, Julia Rommel und Erin Shirreff. Derzeit ist die Ausstellung Ellsworth Kelly im 9. Stock der Galerie zu sehen.

Hervorgehobenes Bild: Sarah Crowner - Sliced Greens, 2018, Acryl auf Leinwand, genäht, 65 x 60 Zoll, Courtesy the artist and Casey Kaplan, New York

Von Phillip Barcio