James Siena – Nicht Ihr typischer abstrakter Künstler

Ein James Siena-Gemälde zu betrachten, ist, als würde man in ein geschwungenes, methodisches Labyrinth aus Farben und Linien gezogen werden. Es gibt kein Bild, auf das man schauen kann. Stattdessen gibt es eine transzendentale Zone, in der man umherwandern kann. Oberfläche, Raum und Licht verschmelzen zu visuellen Vibrationen, bis der Verstand gezwungen ist, zwischen Analyse und Akzeptanz zu wählen. Der einfache Akt des geduldigen Betrachtens wird selten so großzügig belohnt. Wenn das Betrachten dieser Verwirrungen aus Farbe und Linie hypnotisch ist, kann man sich vorstellen, sie zu malen. Die damit verbundene Mühe, insbesondere bei den jüngsten großflächigen Arbeiten, die Siena geschaffen hat, ist schwer vorstellbar. Sich Siena vorzustellen, wie er über eine seiner Oberflächen herrscht und Linie um Linie hinzufügt, erinnert mich stark an „A Line Made By Walking“ (1967), eines der frühesten Land Art-Werke des britischen Bildhauers Richard Long. Um es zu schaffen, ging Long wiederholt hin und her über denselben Grasfleck. Er erinnerte sich später: „Ich wollte die Natur zum Thema meiner Arbeit machen, aber auf neue Weise. Mein erstes Werk, das durch Gehen entstand, war eine gerade Linie in einem Grasfeld, das auch mein eigener Weg war, der ‚nirgendwohin‘ führte.“ In gewisser Weise zieht Siena Linien, die nirgendwohin führen, und dabei lenkt er, ähnlich wie Long, weniger die Aufmerksamkeit auf das fertige Werk selbst, sondern mehr auf die Planung und die menschliche Arbeit, die in dessen Entstehung involviert ist. Ebenso wecken die geschwungenen Kompositionen, die Siena schafft, Verbindungen zu dem Meisterwerk von Alberto Burri, seinem „Grande Cretto“. In die Oberfläche des Planeten selbst gemeißelt, zwingt sein Labyrinth aus linearen Rissen die Betrachter zur Wahl: Sie können entweder hindurchgehen oder weit genug wegstehen, um sie zu betrachten. Die beiden Erfahrungen sind völlig unterschiedlich und gegenseitig ausschließend. Ebenso können wir uns zurücklehnen und ein James Siena-Gemälde anstarren, oder wir können nah herangehen und versuchen, durch seine linearen Verwirrungen zu navigieren. Die Erfahrungen sind nicht vergleichbar, obwohl beide die Möglichkeit reiner Freude bieten.

Denken und Fühlen

Siena spricht in zwei getrennten Begriffen über seine Malpraxis: Gedankenprovokation und Gefühlsinduktion. Für den Betrachter ist die Dichotomie offensichtlich. Die Linien und Formen, die wir sehen, widersprechen jeder Ähnlichkeit mit der Realität, und doch können wir nicht anders, als darüber nachzudenken, was sie sein könnten, was sie darstellen könnten oder was sie bedeuten könnten. Wir denken darüber nach, wie sie gemacht wurden und woraus sie bestehen. Gleichzeitig werden wir müde vom Denken. Wenn wir uns einfach erlauben zu fühlen, beginnen wir zu glauben, dass mehr vor sich geht, als die Kognition erkennen kann. Das Gefühl der Muster übt sich aus – es kann harmonisch oder dissonant sein. Das Gefühl der Farbbeziehungen bringt uns in Einklang mit unbekannten Kräften – sie können Freude bringen oder vielleicht Abneigung. In diesem Zustand des halben Denkens und halben Fühlens haben wir die Chance, einfach loszulassen. In das Gemälde zu schauen oder hindurch, wie wir es vielleicht bei einem Rothko Color Field tun würden, bietet eine Befreiung, die reines Vergnügen ist.

James Siena - Tanagra, 2006. Lithografie. Komposition (unregelmäßig): 28 7/8 x 43 3/16" (73,4 x 109,7 cm); Blatt: 29 1/2 x 43 7/8" (75 x 111,4 cm). Universal Limited Art Editions, Bay Shore, NY. Geschenk von Emily Fisher Landau. MoMA Sammlung. © 2019 James Siena

Doch wenn er über den Unterschied zwischen Denken und Fühlen spricht, spricht Siena nicht nur über uns, die Zuschauer. Er bezieht sich auch auf seine eigene künstlerische Methode. Es mag nicht so erscheinen, aber jedes seiner Gemälde ist im Voraus geplant – er entwickelt ein System, das die Struktur der Komposition bestimmt, was er einen „visuellen Algorithmus“ nennt. Siena folgt diesem System, bis das Gemälde sich selbst vollendet. Das ist die Denkphase. Doch der Prozess wird unweigerlich durch die Grenzen seines Geistes und Körpers verändert. Der Plan mag mechanisch sein, aber er, als Künstler, ist es nicht. Seine Hände können nicht mit dem gleichen Maß an Genauigkeit wie eine Maschine arbeiten, noch kann sein Geist während des gesamten Prozesses des Malens perfekt fokussiert bleiben. Die Arbeit ist eine Zusammenarbeit zwischen Plan und Handlung; zwischen dem Vorausdenken eines Algorithmus und den Anpassungen, die durch menschliche Gebrechlichkeit gefordert werden. In der Waage hängt ein abstrakter Kommentar zu unserer Zeit: das Ende des Informationszeitalters und der Beginn des Zeitalters der Vorstellungskraft.

James Siena - Zwölf-lappige gezackte Nicht-Organismus, 2013. Emaille auf Aluminium. 19 1/4 x 15 1/8”. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Pace Gallery. Foto von Tom Barratt.

Herstellung und Verarbeitung

Eine der Schwierigkeiten, die ich manchmal habe, wenn ich ein Gemälde von James Siena betrachte, ist das Gefühl, wann und wo ich meinen Blick anhalten soll. Kein Teil des Bildes sticht jemals als Fokus hervor. Es gibt kein Sujet, es gibt nur Materie. Dies ist ein Zeugnis für die Hingabe, die Siena dem Kontinuum der Arbeit entgegenbringt. Er hat in der Vergangenheit über Zeit gesprochen und die Vorstellung, dass, wenn man in einen Prozess involviert ist, der Zeit benötigt, jede Sekunde so wichtig ist wie jede andere Sekunde. Er durchdringt seine Gemälde mit derselben Philosophie, jedoch in visueller Form. Das Bild ist ein Dokument der Zeit. Kein Moment in der Entstehung des Werkes war wichtiger als ein anderer Moment, und kein Element des Bildes behauptet sich als wichtiger als ein anderes Element, obwohl jedes einzigartig ist.

James Siena - Dr. Michelle Carlson, 2011-2014. Emaille auf Aluminium. 19-1/4″ x 15-1/4″. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Pace Gallery. © 2019 James Siena

Der Kontinuum seiner Arbeit geht über in das Kontinuum seiner Praxis, während Siena fruchtbar von einem Gemälde zum nächsten wechselt. Seine wütende Produktivität hat ihn dazu gebracht, größere Gemälde mit komplexeren Mustern zu schaffen, aber die Grundlagen seiner Methode bleiben bestehen. Seine zunehmende Komplexität zeigt Reife und Hingabe. Für einen Künstler ist es schwierig, immer wieder dasselbe zu tun, eine Handlung auf immer subtilere Weise zu variieren und dennoch dem Konzept der Wiederholung treu zu bleiben. Vorstellungskraft und Einfallsreichtum müssen an immer nuancierteren Orten gefunden werden. Ein Künstler wie Siena, der keine Assistenten verwendet, darf sich nicht fragen, warum diese Linien gezogen werden, noch warum diese Systeme erfunden werden, sondern er muss einfach Freude am Schaffen und Erfinden haben. Ebenso erfordert es von den Betrachtern, sich mit der Betrachtung solcher Werke zu beschäftigen, eine gleiche Hingabe an die Einfachheit, eine gleiche Hingabe an die Vorstellungskraft und eine gleiche Offenheit für Freude.

Vorschaubild: James Siena - Coalition, 2011. Elf-Farben-Lithografie. 22,50 x 18,00 Zoll (57,1 x 45,7 cm). Auflage von 21. © 2019 James Siena
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio