James Siena – Nicht Ihr typischer abstrakter Künstler

Ein Gemälde von James Siena anzusehen bedeutet, in ein gewundenes, methodisches Labyrinth aus Farben und Linien hineingezogen zu werden. Es gibt kein Bild, auf das man schaut. Stattdessen gibt es eine transzendentale Zone, in der man umherwandern kann. Oberfläche, Raum und Licht verschmelzen zu visuellen Schwingungen, bis der Geist gezwungen ist, zwischen Analyse und Akzeptanz zu wählen. Der einfache Akt des geduldigen Betrachtens wird selten so großzügig belohnt. Wenn das Betrachten dieser Farb- und Liniengewirr hypnotisch ist, stellen Sie sich vor, sie zu malen. Der Aufwand, besonders bei den jüngsten großformatigen Werken, die Siena geschaffen hat, ist kaum vorstellbar. Sich Siena vorzustellen, wie er über eine seiner Flächen herrscht und Linie um Linie hinzufügt, erinnert mich sehr an „A Line Made By Walking“ (1967), eines der frühesten Land-Art-Werke des britischen Bildhauers Richard Long. Um es zu schaffen, ging Long wiederholt über dieselbe Grasfläche hin und her. Er erinnerte sich später: „Ich wollte die Natur zum Thema meiner Arbeit machen, aber auf neue Weise. Mein erstes Werk, das durch Gehen entstand, war eine gerade Linie in einem Grasfeld, die auch mein eigener Weg war, der ‚nirgendwohin‘ führte.“ In gewisser Weise macht Siena Linien, die nirgendwohin führen, und dabei lenkt er, wie Long, weniger Aufmerksamkeit auf das fertige Werk selbst, sondern mehr auf die Planung und die menschliche Arbeit, die in seine Entstehung einfließt. Ebenso rufen die kräftigen Kompositionen, die Siena schafft, Verbindungen zum Meisterwerk von Alberto Burri hervor, seinem „Grande Cretto“. In die Oberfläche des Planeten selbst eingraviert, zwingt sein Labyrinth aus linearen Rissen die Betrachter zur Wahl: Sie können entweder hindurchgehen oder weit genug zurücktreten, um es zu betrachten. Die beiden Erfahrungen sind völlig verschieden und schließen sich gegenseitig aus. Ebenso können wir zurücktreten und ein Gemälde von James Siena anstarren oder nah herangehen und versuchen, seine linearen Verwicklungen zu durchschreiten. Die Erfahrungen sind völlig unterschiedlich, obwohl beide die Möglichkeit reiner Freude bieten.

Denken und Fühlen

Siena spricht über seine Malpraxis in zwei getrennten Begriffen: Gedanken anregen und Gefühle hervorrufen. Für den Betrachter ist die Zweiteilung offensichtlich. Die Linien und Formen, die wir sehen, verweigern jede Ähnlichkeit mit der Wirklichkeit, und doch können wir nicht anders, als darüber nachzudenken, was sie sein könnten, was sie darstellen oder bedeuten könnten. Wir denken darüber nach, wie sie gemacht wurden und woraus sie bestehen. Gleichzeitig werden wir müde vom Denken. Wenn wir uns einfach erlauben zu fühlen, beginnen wir zu glauben, dass mehr geschieht, als die Erkenntnis erfassen kann. Das Gefühl der Muster setzt sich durch – es kann harmonisch oder dissonant sein. Das Gefühl der Farbzusammenhänge bringt uns in Einklang mit unbekannten Kräften – sie können Freude bringen oder vielleicht Abscheu. In diesem Zustand halb zu denken und halb zu fühlen haben wir die Chance, einfach loszulassen. In das Gemälde hineinzuschauen oder hindurch, wie wir es bei einem Rothko-Farbfeld tun könnten, bietet eine Befreiung, die reines Vergnügen ist.

James Siena - Tanagra, 2006. Lithografie. Komposition (unregelmäßig): 73,4 x 109,7 cm; Blatt: 75 x 111,4 cm. Universal Limited Art Editions, Bay Shore, NY. Geschenk von Emily Fisher Landau. MoMA Sammlung. © 2019 James Siena

Wenn er jedoch über den Unterschied zwischen Denken und Fühlen spricht, meint Siena nicht nur uns, die Betrachter. Er bezieht sich auch auf seine eigene künstlerische Methode. Es mag nicht so erscheinen, aber jedes seiner Gemälde ist im Voraus geplant – er entwickelt ein System, das die Struktur der Komposition bestimmt, das er „visueller Algorithmus“ nennt. Siena folgt diesem System, bis sich das Gemälde von selbst vollendet. Das ist die Denkphase. Doch der Prozess wird unweigerlich durch die Grenzen seines Geistes und Körpers verändert. Der Plan mag mechanisch sein, aber er als Künstler ist es nicht. Seine Hände können nicht mit der gleichen Genauigkeit wie eine Maschine arbeiten, noch kann sein Geist während des gesamten Entstehungsprozesses eines Gemäldes vollkommen konzentriert bleiben. Das Werk ist eine Zusammenarbeit zwischen Plan und Handlung; zwischen dem Vorausdenken eines Algorithmus und den Ersatzhandlungen, die durch menschliche Gebrechlichkeit gefordert werden. Im Gleichgewicht steht ein abstrakter Kommentar zu unserer Zeit: das Ende des Informationszeitalters und der Beginn des Zeitalters der Vorstellungskraft.

James Siena - Zwölf-lappiges gezahntes Nicht-Organismus, 2013. Email auf Aluminium. 48,9 x 38,4 cm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Pace Galerie. Foto von Tom Barratt.

Schaffen und Arbeiten

Eine der Schwierigkeiten, die ich manchmal beim Betrachten eines Gemäldes von James Siena habe, ist zu spüren, wann und wo ich meinen Blick anhalten soll. Kein Teil des Bildes sticht je als Mittelpunkt hervor. Es gibt kein Motiv, es gibt nur Materie. Das zeugt von Sienas Hingabe an den Arbeitsfluss. Er hat in der Vergangenheit über Zeit gesprochen und die Vorstellung, dass, wenn man in einen Prozess eingebunden ist, der Zeit braucht, jede Sekunde genauso wichtig ist wie jede andere Sekunde. Er durchdringt seine Gemälde mit derselben Philosophie, aber im visuellen Sinn. Das Bild ist ein Zeitdokument. Kein Moment bei der Entstehung des Werks war wichtiger als ein anderer, und kein Element des Bildes beansprucht mehr Bedeutung als ein anderes, obwohl jedes einzigartig ist.

James Siena - Dr. Michelle Carlson, 2011-2014. Email auf Aluminium. 48,9 x 38,7 cm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Pace Galerie. © 2019 James Siena

Der Arbeitsfluss seiner Werke geht in den Arbeitsfluss seiner Praxis über, da Siena produktiv von einem Gemälde zum nächsten übergeht. Seine heftige Produktion hat ihn dazu gebracht, größere Gemälde mit komplexeren Mustern zu schaffen, doch die Grundlagen seiner Methode bleiben bestehen. Seine zunehmende Komplexität zeigt Reife und Hingabe. Für einen Künstler, der immer wieder dasselbe tut, ist es schwierig, eine Handlung in immer subtileren Nuancen zu variieren und dennoch dem Konzept der Wiederholung treu zu bleiben. Vorstellungskraft und Einfallsreichtum müssen an immer feineren Stellen gefunden werden. Ein Künstler wie Siena, der keine Helfer hat, darf nicht fragen, warum diese Linien gezogen werden oder warum diese Systeme erfunden werden, sondern muss sich einfach am Schaffen und Erfinden erfreuen. Ebenso erfordert es von den Betrachtern, sich auf die Betrachtung solcher Werke einzulassen, dieselbe Hingabe an Einfachheit, dieselbe Hingabe an Vorstellungskraft und dieselbe Offenheit für Freude.

Titelbild: James Siena - Coalition, 2011. Elf-Farben-Lithografie. 57,1 x 45,7 cm. Auflage von 21. © 2019 James Siena
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio