Die Inhalte und Emotionen in der Kunst von Grace Hartigan

Grace Hartigan (1922 – 2008) wurde von den selbsternannten Kunsthistorikern nicht gut behandelt. Während ihrer gesamten Laufbahn wurde sie missverstanden und falsch eingeordnet, von der Bewegung ausgeschlossen, die sie liebte, und mit einer zusammengeworfen, die sie verabscheute. Trotz all dem, oder vielleicht gerade deswegen, ist Hartigan ein wunderbares Vorbild – eine Künstlerin, die ihrer persönlichen Vision treu blieb, anstatt sich den Trends und Erwartungen der breiten Kultur anzupassen. Als „Zweite Generation des abstrakten Expressionismus“ gilt Hartigan, die kürzlich im Buch 9th Street Women von Mary Gabriel verewigt wurde, das die Geschichte von fünf Frauen erzählt – Hartigan, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Joan Mitchell und Helen Frankenthaler –, die in den 1950er Jahren im Zentrum der New Yorker Schule standen. Jede dieser fünf Frauen entwickelte eine unverwechselbare Bildsprache, die wesentlich zur Entwicklung und Abgrenzung des abstrakten Expressionismus beitrug. Doch selbst unter diesen Pionierinnen war Hartigan einzigartig. Früh in ihrer Laufbahn wurden ihre rein abstrakten Gemälde von Museumsdirektoren wie Alfred Barr und Dorothy Miller als außergewöhnlich anerkannt, die Hartigan in mehrere bedeutende Ausstellungen aufnahmen. Dennoch begann Hartigan zu spüren, dass ihren abstrakten Kompositionen etwas fehlte. Genau zu der Zeit, als ihre Karriere Fahrt aufnahm und der berühmte Kunstkritiker Clement Greenberg begann, sie als eine der talentiertesten Abstraktionistinnen Amerikas zu preisen, entfernte sich Hartigan nur leicht von der reinen Abstraktion. Sie begann Studien der Werke alter Meister zu malen und figurative Elemente aus dem zeitgenössischen Leben in ihre abstrakten Kompositionen einzufügen. Für Hartigan bedeutete die Verbindung von Figuration und Abstraktion eine vollkommenere Mischung aus Inhalt und Gefühl. „Ich habe mein Thema gefunden“, verkündete sie, „es betrifft das, was vulgär und lebendig im amerikanischen modernen Leben ist, und die Möglichkeiten seiner Verwandlung ins Schöne.“ Was für Hartigan ein Durchbruch war, bedeutete jedoch eine Enttäuschung für Greenberg und die anderen, die einst ihre abstrakte Arbeit lobten, und sie zogen sofort ihre Unterstützung zurück. Hartigan bestand dennoch auf der Vorrangstellung ihrer eigenen Vision. Dabei hat sie vielleicht ihre Beziehung zu Ruhm, Berühmtheit und der patriarchalen Kunstgeschichte gekappt; aber sie bewies, dass Wahrheit und Schönheit im Widerstand zu finden sind.

Die Außenseiterin im Inneren

Geboren in eine arme Arbeiterfamilie in Newark, New Jersey, im Jahr 1922, hatte Hartigan nicht vor, Künstlerin zu werden. Tatsächlich versuchte sie mit 19 Jahren, mit ihrem ersten Ehemann nach Alaska zu fliehen, um dort als Siedler zu leben. Selbst nachdem sie eine erfolgreiche Künstlerin wurde, behauptete sie, nie ein natürliches Talent gehabt zu haben. „Ich hatte einfach Genie“, scherzte sie. Ihre erste professionelle künstlerische Erfahrung machte sie während des Zweiten Weltkriegs, als sie sich als technische Zeichnerin über Wasser hielt, während ihr erster Ehemann im Krieg kämpfte. 1945, nachdem sie mit den Werken von Henri Matisse bekannt wurde, wurde sie inspiriert, eine Karriere als bildende Künstlerin zu verfolgen, und zog in den Lower East Side von New York City. Dort wurde Hartigan Teil eines beruflichen und sozialen Kreises, zu dem Pioniere des abstrakten Expressionismus wie Mark Rothko, Lee Krasner und Adolph Gottlieb gehörten.

Grace Hartigan – Druckprobe für Untitled aus Folder, Bd. I, Nr. I, 1953. Siebdruck. Komposition (unregelmäßig): 19,1 × 26,8 cm; Blatt: 22 × 28,7 cm. Probe außerhalb der Auflage von 500. MoMA-Sammlung. Geschenk von Daisy Aldan. © 2019 Grace Hartigan

Die intensiven, rohen Pinselstriche und biomorphen Formen in ihren frühen Gemälden spiegeln das Interesse wider, das sie mit diesen Malern an Abstraktion und der surrealistischen Technik des automatischen Zeichnens teilte. Doch Hartigan passte nie ganz zu ihren Zeitgenossen. Ästhetisch sorgte sie sich, zu viel von den Ideen anderer zu übernehmen. Wirtschaftlich musste sie Leinwände sammeln, die andere Künstler weggeworfen hatten, und Keilrahmen aus Restholz bauen. Sozial fühlte sich Hartigan als Außenseiterin unter überwiegend männlichen Künstlern. Viele ihrer frühen Gemälde signierte sie mit dem Namen George Hartigan – eine Anspielung auf die Schriftstellerinnen des 19. Jahrhunderts Mary Ann Evans, die unter dem Pseudonym George Eliot schrieb, und Amantine Lucile Aurore Dupin, die den Namen George Sand verwendete, was widerspiegelt, dass sie sich von der männlich dominierten New Yorker Schule nicht vollständig akzeptiert fühlte.

Grace Hartigan – Vorzeichnung zu In Memory of My Feelings, 1967. Tusche auf Folie. 35,4 × 28 cm. MoMA-Sammlung. Geschenk der Künstlerin. © 2019 Grace Hartigan

Ein isoliertes Licht

Vielleicht half ihr Gefühl, eine Außenseiterin zu sein, Hartigan, die Kritiker zu ignorieren, als sie sie ablehnten, weil sie persönliche Erzählinhalte in ihre Gemälde einbrachte. Doch es besteht kein Zweifel, dass ihr Missverständnis durch die Kritiker Hartigan leiden ließ. Sie beschrieb ihre reifen Werke einmal als „emotionalen Schmerz, der in Ruhe erinnert wird“. Letztlich wandte sie sich New York ab und zog nach Baltimore, wo sie vier Jahrzehnte lang die Hoffberger Malerschule leitete, die Graduiertenabteilung des Maryland Institute College of Art – ein Programm, das für sie gegründet und um ihre Lehren herum aufgebaut wurde. Rückblickend erscheint es absurd, dass Kritiker glaubten, die Hinzufügung figurativer Bezüge in ihrem Werk schließe Hartigan aus dem Erbe des abstrakten Expressionismus aus. Die Energie, Intuition und die greifbare Materialität, die für diese Bewegung so wesentlich sind, blieben in ihrem Werk stets erkennbar. Es war auch nicht so, dass sie die Abstraktion völlig aufgab; sie war nur überzeugt, dass ihren rein abstrakten Gemälden etwas fehlte, wenn sie keinen erkennbaren Bezug zu ihrem wirklichen Leben enthielten.

Grace Hartigan – Die persische Jacke, 1952. Öl auf Leinwand. 146 × 121,9 cm. MoMA-Sammlung. Geschenk von George Poindexter. © 2019 Grace Hartigan

Die größte Beleidigung für Hartigan kam spät in ihrem Leben, als eine ganz neue Generation selbsternannter Kunsthistoriker ihre Hinwendung zur Figuration zweifelhaft als Meilenstein auf dem Weg zur Pop Art umdeutete, als hätte sie irgendwie den Aufstieg dieser Bewegung inspiriert. Hartigan verurteilte diese Verbindung; für sie stand Pop Art nur für die Fetischisierung des Äußeren, während ihre Arbeit die zugrundeliegende Wahrheit und das Gefühl hinter dem Leben vermitteln wollte. Es wäre viel treffender, Hartigan als Pionierin des Neo-Expressionismus mit seiner rohen, malerischen Haltung zu bezeichnen; oder als Vertreterin der feministischen Kunst, angesichts der selbstbewussten Art, mit der sie sich der patriarchalen Frauenfeindlichkeit im Kunstbereich stellte. Doch ich denke, die beste Art, ihr Vermächtnis zu bewahren, ist, sie gar nicht erst mit Etiketten zu belasten. Hartigan war einzigartig. Ihr Beispiel zeigt, dass der beste Weg, ein inklusives, fortschrittliches und kreatives Kunstfeld zu fördern, nicht darin besteht, sich an Bewegungen festzuhalten, sondern Experimente zu begrüßen und ästhetische Abweichungen willkommen zu heißen.

Titelbild: Grace Hartigan – Untitled aus Folder Bd. I, Nr. I, 1953. Siebdruck aus einer Zeitschrift mit drei Siebdrucken. Komposition (unregelmäßig): 17,9 × 25,5 cm; Blatt: 18,9 × 26,5 cm. Auflage 500. MoMA-Sammlung. © 2019 Grace Hartigan
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio