Die Inhalte und Emotionen in der Kunst von Grace Hartigan

Grace Hartigan (1922 – 2008) wurde von den selbsternannten Schreibern der Kunstgeschichte nicht gut behandelt. Während ihrer Karriere wurde sie missverstanden und falsch etikettiert, aus der Bewegung, die sie liebte, ausgeschlossen und mit einer, die sie verabscheute, zusammengefasst. Trotz all dem, oder vielleicht gerade wegen dessen, ist Hartigan ein wunderbares Vorbild – eine Künstlerin, die ihrer persönlichen Vision treu blieb, anstatt sich den Trends und Erwartungen der breiten Kultur anzupassen. Als „Zweite Generation der Abstrakten Expressionisten“ wurde Hartigan kürzlich in dem Buch 9th Street Women von Mary Gabriel verewigt, das die Geschichte von fünf Frauen erzählt – Hartigan, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Joan Mitchell und Helen Frankenthaler – die im Zentrum der New Yorker Schule in den 1950er Jahren standen. Jede dieser fünf Frauen entwickelte eine unverwechselbare visuelle Sprache, die erheblich zur Entwicklung und Abgrenzung des Abstrakten Expressionismus beitrug. Doch selbst unter diesen Pionierinnen war Hartigan einzigartig. Früh in ihrer Karriere wurden ihre rein abstrakten Gemälde von Museumsdirektoren wie Alfred Barr und Dorothy Miller als außergewöhnlich anerkannt, die Hartigan in mehrere bedeutende Ausstellungen einbezogen. Hartigan begann jedoch zu fühlen, dass etwas in ihren abstrakten Kompositionen fehlte. Genau zu der Zeit, als ihre Karriere in Schwung kam und der berühmte Kunstkritiker Clement Greenberg begann, sie als eine der talentiertesten Abstraktionisten in Amerika zu loben, wandte sich Hartigan nur ganz leicht von der reinen Abstraktion ab. Sie begann, Studien der Werke alter Meister zu malen und figurative Elemente aus dem zeitgenössischen Leben in ihre abstrakten Kompositionen einzufügen. Für Hartigan stellte die Verschmelzung von Figuration und Abstraktion eine perfektere Mischung aus Inhalt und Emotion dar. „Ich habe mein Thema gefunden“, verkündete sie, „es betrifft das, was vulgär und vital im modernen amerikanischen Leben ist, und die Möglichkeiten seiner Transzendenz ins Schöne.“ Was für Hartigan ein Durchbruch war, war jedoch eine Enttäuschung für Greenberg und die anderen, die einst ihr abstraktes Werk gelobt hatten, und sie zogen sofort ihre Unterstützung zurück. Hartigan bestand dennoch auf der Primat ihrer eigenen Vision. Dabei könnte sie ihre Beziehung zu Ruhm, Berühmtheit und patriarchalischer Kunstgeschichte gekappt haben; aber sie bewies, dass Wahrheit und Schönheit im Widerstand gefunden werden können.

Der Außenseiter Insider

Geboren in eine arme Arbeiterfamilie in Newark, New Jersey, im Jahr 1922, hatte Hartigan nicht vor, Künstlerin zu werden. Tatsächlich versuchte sie im Alter von 19 Jahren, mit ihrem ersten Ehemann nach Alaska zu fliehen, um Siedler zu werden. Selbst nachdem sie eine erfolgreiche Künstlerin geworden war, behauptete sie, nie ein natürliches Talent gehabt zu haben. „Ich hatte einfach Genie“, scherzte sie. Ihre erste professionelle künstlerische Erfahrung machte sie während des Zweiten Weltkriegs, als sie sich als technische Illustratorin unterstützte, während ihr erster Ehemann im Krieg kämpfte. 1945, nachdem sie mit den Arbeiten von Henri Matisse in Berührung gekommen war, ließ sie sich inspirieren, eine Karriere als bildende Künstlerin zu verfolgen, und zog in die Lower East Side von New York City. Dort wurde Hartigan Teil eines professionellen und sozialen Kreises, der Abstract Expressionist-Pioniere wie Mark Rothko, Lee Krasner und Adolph Gottlieb umfasste.

Grace Hartigan - Proof für Untitled aus Folder, Vol. I, No. I, 1953. Siebdruck. Komposition (unregelmäßig): 7 1/2 × 10 9/16" (19,1 × 26,8 cm); Blatt: 8 11/16 × 11 5/16" (22 × 28,7 cm). Proof außerhalb der Auflage von 500. MoMA Sammlung. Geschenk von Daisy Aldan. © 2019 Grace Hartigan

Die intensiven, rohen Pinselstriche und biomorphen Formen in ihren frühen Gemälden spiegeln das Interesse wider, das sie mit diesen Malern sowohl an der Abstraktion als auch an der surrealistischen Technik des automatischen Zeichnens teilte. Hartigan passte jedoch nie ganz zu ihren Zeitgenossen. Ästhetisch machte sie sich Sorgen, dass sie zu viel von den Ideen anderer entlehnte. Wirtschaftlich musste sie Leinwände, die von anderen Künstlern verworfen wurden, zusammenkratzen und Keilrahmen aus Schrottholz bauen. Sozial fühlte sich Hartigan wie eine Außenseiterin, die unter überwiegend männlichen Künstlern arbeitete. Sie signierte viele ihrer frühen Gemälde mit dem Namen George Hartigan – eine Anspielung auf die Schriftstellerinnen des 19. Jahrhunderts Mary Ann Evans, die unter dem Pseudonym George Eliot bekannt war, und Amantine Lucile Aurore Dupin, die das Pseudonym George Sand verwendete, was widerspiegelt, dass sie sich von der männlich dominierten New Yorker Schule nicht ganz akzeptiert fühlte.

Grace Hartigan - Vorbereitende Zeichnung für In Memory of My Feelings, 1967. Tinte auf Acetat. 13 15/16 x 11" (35,4 x 28 cm). MoMA Sammlung. Geschenk des Künstlers. © 2019 Grace Hartigan

Ein isoliertes Licht

Vielleicht half ihr Gefühl, eine Außenseiterin zu sein, Hartigan, die Kritiker zu ignorieren, als sie sie ablehnten, weil sie persönliche narrative Inhalte in ihre Gemälde einführte. Aber es steht außer Zweifel, dass ihr Missverständnis über ihre Entwicklung Hartigan leiden ließ. Sie beschrieb ihr reifes Werk einmal als „emotionalen Schmerz, der in Ruhe erinnert wird.“ Letztendlich wies sie New York zurück und zog nach Baltimore, wo sie vier Jahrzehnte lang die Hoffberger School of Painting leitete, die Graduiertenschule des Maryland Institute College of Art – ein Programm, das für sie gegründet und um ihre Lehren herum aufgebaut wurde. Rückblickend erscheint es absurd, dass Kritiker denken würden, die Hinzufügung figürlicher Referenzen in ihrem Werk schließe Hartigan vom Erbe des Abstrakten Expressionismus aus. Die Energie, Intuition und viszerale Materialität, die für diese Bewegung so wesentlich sind, waren in ihrem Werk stets offensichtlich. Es war auch nicht so, dass sie die Abstraktion völlig aufgegeben hätte; sie war nur überzeugt, dass ihren rein abstrakten Gemälden etwas fehlte, wenn sie keine erkennbare Referenz zu ihrem realen Leben enthielten.

Grace Hartigan - Die Persische Jacke, 1952. Öl auf Leinwand. 57 1/2 x 48" (146 x 121,9 cm). MoMA Sammlung. Geschenk von George Poindexter. © 2019 Grace Hartigan

Die ultimative Beleidigung für Hartigan kam spät in ihrem Leben, als eine ganz neue Generation selbsternannter Kunsthistoriker ihre Umarmung der Figuration zweifelhaft als einen Meilenstein auf dem Weg zur Pop Art umrahmte, als ob sie irgendwie den Aufstieg dieser Bewegung inspiriert hätte. Hartigan bedauerte diese Assoziation; für sie stellte die Pop Art nur die Fetischisierung von Erscheinungen dar, während es ihr in ihrer Arbeit darum ging, die zugrunde liegende Wahrheit und Emotion des Lebens zu kommunizieren. Es wäre weitaus genauer, Hartigan als Pionierin des Neo-Expressionismus zu bezeichnen, mit seiner rohen, malerischen Haltung; oder als Feministische Kunst, wenn man die autoritative Zuversicht betrachtet, mit der sie der patriarchalen Misogynie im Kunstfeld entgegentrat. Ich denke jedoch, dass der beste Weg, ihr Erbe zu erinnern, darin besteht, sie mit keinen Etiketten zu belasten. Hartigan war einzigartig. Ihr Beispiel beweist, dass der beste Weg, ein inklusives, progressives, kreatives Kunstfeld zu fördern, nicht darin besteht, sich an Bewegungen festzuhängen, sondern Experimentierfreude zu umarmen und ästhetische Abweichungen willkommen zu heißen.

Hervorgehobenes Bild: Grace Hartigan - Untitled aus Folder vol. I, no. I, 1953. Siebdruck aus einer Zeitschrift mit drei Siebdrucken. Komposition (unregelmäßig): 7 1/16 x 10 1/16" (17,9 x 25,5 cm); Blatt: 7 7/16 x 10 7/16" (18,9 x 26,5 cm). Auflage 500. MoMA Sammlung. © 2019 Grace Hartigan
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio