Die Guggenheim-Präsentation: Jackson Pollocks Wandgemälde

Eines der bekanntesten amerikanischen Gemälde kehrt nach 22 Jahren Abwesenheit nach Manhattan zurück. „Mural“ (1943) von Jackson Pollock wird vom 3. Oktober 2020 bis zum 19. September 2021 im Solomon R. Guggenheim Museum in New York zu sehen sein. Die „fokussierte Ausstellung“ (was bedeutet, dass es das einzige Bild in der Schau ist) ist der letzte Halt auf einer sechsjährigen Welttour, die das Gemälde seit seiner zweijährigen Reinigung und Konservierung am Getty Conservation Institute in Los Angeles unternimmt. Das aufbereitete 345-Pfund, 2,5 x 6 Meter große Gemälde feierte 2015 sein Debüt in der Ausstellung Jackson Pollock’s Mural: Energy Made Visible in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig, Italien. Seitdem hat es Museen in Berlin, Málaga, London, Kansas City, Washington, DC und Boston, unter anderem, besucht. Nach seinem bevorstehenden Aufenthalt in New York wird „Mural“ an seinen technisch gesehen permanenten Wohnsitz zurückkehren: Das University of Iowa Museum of Art. (Peggy Guggenheim schenkte das Gemälde 1951 den Hawkeyes, angeblich nachdem Studenten an der Yale, ihrer ersten Wahl, das Angebot abgelehnt hatten.) Manhattan wird jedoch immer in der Lage sein, seinen Anspruch als das wahre Zuhause von „Mural“ zu erheben. Pollock malte es in seinem Atelier in Lower Manhattan, nachdem Guggenheim ihn beauftragt hatte, ein Werk zu schaffen, das im langen, schmalen Foyer des Wohnhauses, in dem sie in der East Sixty-first Street lebte, aufgehängt werden sollte. Dieser Auftrag ermöglichte es Pollock, von seinem Tagesjob als Konservator im Museum of Non-Objective Painting zu einem Vollzeitkünstler zu wechseln. Viel wurde bereits über die wegweisende Errungenschaft in der Abstraktion geschrieben, die „Mural“ darstellt, sowie über die verschiedenen Mythen, die mit dem Werk verbunden sind, wie die mittlerweile widerlegte Behauptung, dass Pollock es an einem einzigen Tag malte. Im Rahmen unserer Vorbereitungen für die Rückkehr dieses wegweisenden Gemäldes nach New York dachten wir, dass wir einen Blick auf zwei weitere wichtige Aspekte des Werks werfen würden, wie einen übersehenen Fotografen, der Pollock inspirierte, seinen gestischen Malstil zu entwickeln, und das bleibende ästhetische Erbe, das „Mural“ half zu definieren.

Lichter in Aktion

Sie haben vielleicht bereits die Geschichte gehört, dass einige Methoden, für die Pollock heute bekannt ist, tatsächlich von dem renommierten mexikanischen Wandmaler David Alfaro Siqueiros entwickelt wurden. Pollock nahm in den 1930er Jahren Unterricht bei Siqueiros, während dessen die Schüler gelehrt wurden, emotionale Kraft in ihren Kompositionen zu erzeugen, indem sie Farbe auf ihre Oberflächen spritzten und spritzten. Es gibt jedoch nur spärliche Beweise für Tropfen und Spritzer in "Mural", das als das erste "all-over" abstrakte Gemälde gilt, das Pollock geschaffen hat. Zeitgenössische wissenschaftliche Analysen zeigen, dass die meisten der Markierungen in dem Gemälde mit einem traditionellen Pinsel gemacht wurden, der direkten Kontakt mit der Leinwand hatte. "Mural" stellt jedoch einen Durchbruch für Pollock in Bezug auf eine andere Technik dar: seine Verwendung von gestischen Markierungen. Die Komposition ist hektisch und biomorph: ein Dschungel aus fließenden, gestischen Linien und Formen. Filme von Pollock bei der Arbeit in seinem Atelier später im Leben zeigen, wie er seinen gesamten Körper einsetzte, wie ein Tänzer, damit seine Gemälde Verkörperungen von Energie und Aktion wurden.

Jackson Pollock steht vor Mural (1943) in den Studios des Vogue-Magazins, ca. 1947. Foto: Herbert Matter, mit freundlicher Genehmigung der Abteilung für Spezialsammlungen, Stanford University Libraries.

Natürlich waren gestische Bewegungen schon immer Teil der malerischen Tradition. Chinesische Tuschmaler nutzten das emotionale Potenzial von gemalten Gesten bereits vor Jahrhunderten. "Mural" wird dennoch als Vorläufer einer deutlich zeitgenössischen Bewegung namens "Action Painting" betrachtet. Pollock ist ein Pionier dieser Bewegung, doch seine gestischen Methoden wurden auch von der Arbeit einer anderen Künstlerin inspiriert – einer Fotografin namens Barbara Morgan. Morgan war eine frühe Verfechterin des Potenzials für Abstraktion im fotografischen Medium und machte sich in den 1930er Jahren einen Namen, indem sie moderne Tänzer in New York City fotografierte. Inspiriert von der Fluidität ihrer Bewegungen begann sie um 1940, das zu schaffen, was sie "Lichtzeichnungen" nannte. Sie stellte ihre Kamera mit offenem Blenden in einem dunklen Raum auf und verwendete dann ein handgehaltenes Licht, um auf das Negativ zu "zeichnen", während sie gestische Bewegungen ausführte. Diese gestischen, abstrakten Lichtzeichnungen weisen eine bemerkenswerte Ähnlichkeit mit den Linien und Formen in "Mural" auf. Das mindert natürlich nichts von Pollocks Leistung – es ist lediglich eine Anerkennung, dass er mit Morgan und ihren Lichtzeichnungen vertraut war, die im selben Jahr, in dem Pollock "Mural" malte, in der Ausstellung Action Photography im MoMA gezeigt wurden.

Jackson Pollock, Die Wölfin, 1943. Öl, Gouache und Gips auf Leinwand, 106,4 x 170,2 cm. Museum of Modern Art, New York, Erwerb, 1944 © 2020 Die Pollock-Krasner-Stiftung/Künstlerrechtegesellschaft (ARS), New York. Digitalbild © Museum of Modern Art/Lizenziert von SCALA/Art Resource, New York

Die Natur darstellen

Obwohl "Mural" als abstrakt gilt, sind auch einige figürliche Inhalte innerhalb der Komposition sichtbar. Pollock beschrieb das Bild einmal als enthaltend, "eine Stampede [of] jedem Tier im amerikanischen Westen, Kühe und Pferde und Antilopen und Büffel." Einige sagen, ein Pferdekopf sei deutlich links von der Mitte in der Komposition zu erkennen. Dennoch hat der bleibende Einfluss, den Pollock auf die Entwicklung der modernen Kunst hatte, nichts mit dem narrativen Inhalt zu tun, den ein Betrachter in diesem oder einem seiner anderen Gemälde wahrnehmen könnte. Vielmehr hat sein Erbe mit der Art und Weise zu tun, wie er malte. Es lässt sich zusammenfassen mit seiner berühmten Antwort auf die Frage, die ihm einmal gestellt wurde, ob er aus der Natur male, worauf Pollock antwortete: "Ich bin die Natur."

Jackson Pollock mit der unbemalten Leinwand für Mural in seiner und Lee Krasners Wohnung in der Eighth Street, New York, Sommer 1943. Foto: Bernard Schardt, Courtesy Pollock-Krasner House and Study Center, East Hampton, New York, Geschenk von Jeffrey Potter

Pollock erfasste das konzeptionelle Konzept, dass das wahre Thema eines Werkes visueller Kunst nicht in einem visuellen Aspekt der Kunst selbst enthalten sein muss. Er machte den Sprung von einem Künstler, der die Natur in Bildern darstellt, zu einem Künstler, der ein lebendiger Vertreter der Natur ist. Die Positionen von Künstlern, die in ihrem ästhetischen Ansatz so unterschiedlich sind wie Yves Klein, Joseph Beuys, die Gutai-Gruppe, Andy Warhol, Yoko Ono, Alan Kaprow, Donald Judd, Richard Tuttle und Carolee Schneemann, sind alle in diesem gleichen anti-materialistischen Konzept verwurzelt, dass das ästhetische Relikt weniger wichtig ist als der kreative Akt selbst. Dies ist ein unterbewerteter Aspekt des Pollock-Erbes, vielleicht weil seine Kunstwerke zu den teuersten materiellen Dingen auf der Erde gehören. Ich betrachte es dennoch als das Wichtigste, was er bewiesen hat: dass Methode Bedeutung ist.

Vorgestelltes Bild: Jackson Pollock - Wandgemälde, 1943. Öl und Kasein auf Leinwand, 242,9 x 603,9 cm. University of Iowa Stanley Museum of Art, Geschenk von Peggy Guggenheim, 1959.6 © 2020 Die Pollock-Krasner-Stiftung/Künstlerrechtegesellschaft (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio