Die Guggenheim-Präsentation: Jackson Pollocks Wandgemälde

Eines der berühmtesten amerikanischen Gemälde kehrt nach 22 Jahren Abwesenheit nach Manhattan zurück. „Mural“ (1943) von Jackson Pollock wird vom 3. Oktober 2020 bis zum 19. September 2021 im Solomon R. Guggenheim Museum in New York zu sehen sein. Die „fokussierte Ausstellung“ (das heißt, es ist das einzige Bild in der Schau) ist die neueste Station einer sechsjährigen Welttournee, auf der sich das Gemälde seit seiner zweijährigen Reinigung und Konservierung am Getty Conservation Institute in Los Angeles befindet. Das überarbeitete 345 Pfund schwere, 2,5 x 6 Meter große Gemälde feierte 2015 seine Premiere in der Ausstellung Jackson Pollocks Mural: Energie sichtbar gemacht in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig, Italien. Seitdem reiste es unter anderem zu Museen in Berlin, Málaga, London, Kansas City, Washington, DC und Boston. Nach seinem bevorstehenden Aufenthalt in New York wird „Mural“ an seinen eigentlichen dauerhaften Standort zurückkehren: das University of Iowa Museum of Art. (Peggy Guggenheim schenkte das Gemälde 1951 den Hawkeyes, angeblich nachdem Studenten der Yale-Universität, ihrer ersten Wahl, das Angebot abgelehnt hatten.) Manhattan wird jedoch immer als der wahre Heimatort von „Mural“ gelten können. Pollock malte es in seinem Atelier in Lower Manhattan, nachdem Guggenheim ihn beauftragt hatte, ein Werk für den langen, schmalen Flur des Wohnhauses zu schaffen, in dem sie in der East Sixty-first Street lebte. Dieser Auftrag ermöglichte Pollock den Übergang von seinem Tagesjob als Restaurator im Museum of Non-Objective Painting zum Vollzeitkünstler. Viel wurde bereits über die bahnbrechende Leistung in der Abstraktion geschrieben, die „Mural“ darstellt, sowie über die verschiedenen Mythen, die mit dem Werk verbunden sind, wie etwa die inzwischen widerlegte Behauptung, Pollock habe es an einem einzigen Tag gemalt. Im Rahmen unserer Vorbereitungen für die Rückkehr dieses bedeutenden Gemäldes nach New York wollten wir zwei weitere wichtige Aspekte des Werks betrachten, nämlich einen übersehenen Fotografen, der Pollock bei der Entwicklung seines gestischen Malstils inspirierte, und das bleibende ästhetische Erbe, das „Mural“ mitprägte.

Lichter in Aktion

Vielleicht haben Sie schon die Geschichte gehört, wie einige Methoden, für die Pollock heute berühmt ist, tatsächlich vom bekannten mexikanischen Wandmaler David Alfaro Siqueiros entwickelt wurden. Pollock nahm in den 1930er Jahren Unterricht bei Siqueiros, bei dem die Schüler lernten, emotionale Kraft in ihren Kompositionen zu erzeugen, indem sie Farbe auf ihre Flächen spritzten und spritzten. Allerdings gibt es nur wenige Hinweise auf Tropfen und Spritzer in „Mural“, das als das erste „all-over“ abstrakte Gemälde gilt, das Pollock schuf. Zeitgenössische wissenschaftliche Analysen zeigen, dass die meisten Spuren im Gemälde mit einem traditionellen Pinsel direkt auf die Leinwand aufgetragen wurden. „Mural“ stellt jedoch einen Durchbruch für Pollock in Bezug auf eine andere Technik dar: seine Verwendung gestischer Markierungen. Die Komposition ist hektisch und biomorph: ein Dschungel aus fließenden, gestischen Linien und Formen. Filme von Pollock bei der Arbeit in seinem Atelier später im Leben zeigen, wie er seinen ganzen Körper wie ein Tänzer einsetzte, damit seine Gemälde Verkörperungen von Energie und Bewegung werden.

Jackson Pollock steht vor Mural (1943) in den Studios des Vogue-Magazins, ca. 1947. Foto: Herbert Matter, mit freundlicher Genehmigung der Abteilung für Sonderbestände, Stanford University Libraries

Natürlich waren gestische Bewegungen schon immer Teil der malerischen Tradition. Chinesische Tuschekünstler nutzten die emotionale Kraft gemalter Gesten bereits vor Jahrhunderten. „Mural“ gilt dennoch als Vorläufer einer deutlich zeitgenössischen Bewegung namens „Action Painting“. Pollock ist ein Pionier dieser Bewegung, doch seine gestischen Methoden wurden auch durch die Arbeit einer anderen Künstlerin inspiriert – einer Fotografin namens Barbara Morgan. Morgan war eine frühe Verfechterin des Abstraktionspotenzials im fotografischen Medium und machte sich in den 1930er Jahren in New York City einen Namen mit Fotos moderner Tänzer. Inspiriert von der Flüssigkeit ihrer Bewegungen begann sie um 1940, sogenannte „Lichtzeichnungen“ zu schaffen. Sie stellte ihre Kamera mit offener Blende in einem dunklen Raum auf und „zeichnete“ mit einer Handlampe auf dem Negativ, während sie gestische Bewegungen ausführte. Diese gestischen, abstrakten Lichtzeichnungen ähneln auffallend den Linien und Formen in „Mural“. Das schmälert Pollocks Leistung natürlich nicht – es ist nur eine Anerkennung, dass er mit Morgan und ihren Lichtzeichnungen vertraut war, die im selben Jahr, in dem Pollock „Mural“ malte, in der Ausstellung Action Photography im MoMA gezeigt wurden.

Jackson Pollock, The She-Wolf, 1943. Öl, Gouache und Gips auf Leinwand, 106,4 x 170,2 cm. The Museum of Modern Art, New York, Ankauf 1944 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York. Digitales Bild © The Museum of Modern Art/Lizenz durch SCALA/Art Resource, New York

Die Natur darstellen

Obwohl „Mural“ als abstrakt gilt, sind innerhalb der Komposition auch einige figürliche Inhalte erkennbar. Pollock beschrieb das Bild einmal als eine „Herde aller Tiere des amerikanischen Westens, Kühe und Pferde und Antilopen und Büffel“. Manche sagen, ein Pferdekopf sei deutlich links der Bildmitte zu erkennen. Dennoch hat Pollocks nachhaltiger Einfluss auf die Entwicklung der modernen Kunst nichts mit einer möglichen erzählerischen Bedeutung zu tun, die ein Betrachter in diesem oder einem seiner anderen Gemälde sehen mag. Vielmehr liegt sein Vermächtnis in der Art und Weise, wie er malte. Es lässt sich mit seiner berühmten Antwort auf die Frage zusammenfassen, ob er aus der Natur male, worauf Pollock antwortete: „Ich bin die Natur.“

Jackson Pollock mit der unbemalten Leinwand für Mural in seiner und Lee Krasners Wohnung in der Eighth Street, New York, Sommer 1943. Foto: Bernard Schardt, mit freundlicher Genehmigung des Pollock-Krasner House and Study Center, East Hampton, New York, Geschenk von Jeffrey Potter

Pollock begriff das konzeptuelle Verständnis, dass das wahre Thema eines Kunstwerks nicht in einem visuellen Aspekt des Werks selbst enthalten sein muss. Er machte den Sprung vom Künstler, der die Natur in Bildern darstellt, zum Künstler, der ein lebendiger Vertreter der Natur ist. Die Positionen von Künstlern, die in ihrem ästhetischen Ansatz so unterschiedlich sind wie Yves Klein, Joseph Beuys, die Gutai Group, Andy Warhol, Yoko Ono, Alan Kaprow, Donald Judd, Richard Tuttle und Carolee Schneemann, wurzeln alle in dieser gleichen antimaterialistischen Vorstellung, dass das ästhetische Relikt weniger wichtig ist als der kreative Akt selbst. Dies ist ein oft unterschätzter Aspekt von Pollocks Vermächtnis, vielleicht weil seine Kunstwerke zu den teuersten materiellen Dingen der Welt gehören. Ich halte es dennoch für das Wichtigste, was er bewies: dass Methode Bedeutung ist.

Titelbild: Jackson Pollock - Mural, 1943. Öl und Casein auf Leinwand, 242,9 x 603,9 cm. University of Iowa Stanley Museum of Art, Geschenk von Peggy Guggenheim, 1959.6 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio