Die Bedeutung von Adolph Gottliebs Burst-Serie

Adolph Gottlieb sagte einst: „Die Rolle des Künstlers war natürlich schon immer die des Bilderschöpfers. Verschiedene Zeiten erfordern verschiedene Bilder.“ Gottlieb erlebte mehrere deutlich unterschiedliche Zeiten und änderte dreimal seine Methode, um auf die Entwicklung der Kultur zu reagieren. Sein Werk erreichte seinen Höhepunkt mit seinen Burst-Gemälden, einer Serie, die er 1957 begann und bis zu seinem Tod 1974 weiter ausbaute. Die Bildsprache der Bursts ist einfach und direkt – die Leinwand ist in zwei Zonen geteilt: oben und unten. Die obere Zone wird von einer oder mehreren kreisförmigen Gestalten in einem begrenzten Farbspektrum bewohnt; die untere Zone wird von einem wilden, gestischen Ausbruch kakophonischer, wirbelnder Energie eingenommen, die normalerweise schwarz gemalt ist. Für Gottlieb bedeuteten die Burst-Gemälde den ultimativen Ausdruck seiner großen Idee: dass im Universum gleichzeitig existierende Gegensätze vorhanden sind, wie Dunkelheit und Licht. Die herkömmliche Weisheit neigt dazu, solche Kräfte so zu beschreiben, als seien sie dichotom – als sei Licht grundsätzlich das Gegenteil von Dunkelheit. Gottlieb verstand, dass Licht und Dunkelheit Punkte auf einem Spektrum sind und aus demselben Stoff bestehen, der in unterschiedlichem Maß verteilt ist. Er betrachtete Gegensätze als so ähnlich, dass das eine mit nur einem kleinen Schubs von den Mächten, die darüber herrschen, zum anderen werden kann, und die beiden Zonen in seinen Burst-Gemälden funktionieren auf ähnliche Weise. Die kreisförmigen Gestalten scheinen alles im Griff zu haben, schweben selbstbewusst über dem, was wie ein Durcheinander aussieht. Aber beide sind Teil desselben Bildes, und keines befindet sich in einem festen Zustand des Seins. Was oben ist, kann nach unten kommen, und was chaotisch erscheint, kann unter den richtigen Umständen zusammenfließen und eins werden.

Die großen Bursts

Beispiele von Burst-Gemälden schmücken einige der angesehensten Kunstsammlungen der Welt. Das gewaltige „Blast I“ (1957), mit den Maßen 228,7 x 114,4 cm, hängt im MoMA in New York. Darauf schwebt eine gigantische rote Kugel stoisch über einem ebenso bedrohlichen Gewirr schwarzer, gestischer Zeichen. Dieses ikonische Bild leitete die Serie ein, und eine poetisch aufgeladene Wiederaufnahme seiner Ikonographie erschien 1973, nur ein Jahr bevor Gottlieb starb. In „Burst“ (1973), einem der letzten Gemälde, die der Künstler vor seinem Tod schuf, hat sich die rote Kugel abgeschwächt und beginnt sich aufzulösen, wobei sie rosa Sonnenstrahlen in den Äther sendet. Unterdessen hat sich das chaotische Gewirr gestischer Zeichen in eine Art Familie von Formen aufgelöst, die unter die Horizontlinie sinken und scheinbar Ranken und Samen in den Raum aussenden.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Öl auf Leinwand. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Philip Johnson Fund. © Adolph und Esther Gottlieb Stiftung/Lizenziert durch VAGA, New York, NY. MoMA Sammlung.

Unter den weiteren berühmten Burst-Gemälden befindet sich „Blues“ (1962), das sich heute in der Sammlung des Smithsonian American Art Museum befindet. Seine blaue und schwarze Farbpalette ist düster und ruhig, die Dunkelheit wirkt wie eine Finsternis oder ein solarisiertes Nachbild. „Trinity“ (1962), ein weiteres monumentales Burst, hängt in der Dauerausstellung des Crystal Bridges Museum of American Art. Diese 203,2 x 469,9 cm große Leinwand erweitert das Sichtfeld horizontal. Drei feste Kugeln – eine blaue, eine rote und eine schwarze – schweben im Raum über einer eleganten Anordnung kalligraphischer Pinselstriche. Die Striche scheinen einen grauen Schatten zu werfen, während eine sanfte gelbe Kugel im Mittelgrund zwischen der oberen und unteren Zone schwebt. Die Variationsbreite, die „Blues“ und „Trinity“ zeigen, demonstriert die enorme Vielfalt, die Gottlieb in seinem relativ einfachen Thema erforschte und verleiht jedem Werk der Burst-Serie eine eigenwillige Bedeutung ganz für sich.

Adolph Gottlieb - Icon, 1964. Öl auf Leinwand. 144 x 100". © Adolph und Esther Gottlieb Stiftung.

Vorbereitung zum Ausbruch

Obwohl er in den 1920er Jahren mit dem Malen begann, begann die Reise, die Gottlieb zum einfachen Genie seiner Burst-Gemälde führte, in den 1930er Jahren. Damals nahm er die surrealistische Umarmung des Unterbewusstseins zu Herzen. Er erkannte, dass die wesentlichsten ästhetischen Ausdrucksformen zeitlos sind, weil sie sich auf grundlegende existenzielle Realitäten wie Macht, Angst, Geburt und Tod beziehen: den Stoff der Mythen. Seine Forschung in dieser Denkweise führte ihn dazu, seine erste große Gemäldeserie zu entwickeln, die er Piktogramme nannte. Basierend auf einer symbolischen, intuitiven Sprache abstrakter Formen waren seine Piktogramme innerhalb von Gittern strukturiert – ein Versuch, abgegrenzte Ausdrucksformen der Wirklichkeit zu vermitteln. Obwohl oft als abstrakt betrachtet, beschrieb Gottlieb seine Piktogramme als realistisch, da sie die wahre, ängstliche, geheimnisvolle menschliche Lage ausdrückten. Er malte sie bis 1951, als er entschied, dass die Zeit etwas Neues verlangte. Auf der Suche nach einer vereinfachten Methode gab er das Gitter auf und teilte die Leinwand in zwei – oben und unten mit einer Horizontlinie dazwischen. Er nannte diese neue Serie Imaginäre Landschaften, weil sie die innere Landschaft des Daseins darstellten, einschließlich emotionaler, intellektueller, intuitiver und unterbewusster Zustände des Seins.

Adolph Gottlieb - Mann schaut Frau an, 1949. Öl auf Leinwand. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Geschenk des Künstlers. © Adolph und Esther Gottlieb Stiftung/Lizenziert durch VAGA, New York, NY. MoMA Sammlung.

Die Burst-Serie entwickelte sich aus den Imaginären Landschaften und stellt die Destillation derselben Idee dar. Gottlieb vereinfachte, was in den oberen und unteren Teilen der Imaginären Landschaften geschah, und hörte auf, sich auf eine tatsächliche Horizontlinie zu verlassen, um die Leinwand in zwei Teile zu teilen. Aber die Burst-Gemälde bedeuten auch eine Art Hinzufügung – die Hinzufügung von Raum. Einfach ausgedrückt erkannte Gottlieb, dass, wenn die Horizontlinie weggenommen wurde, das Einzige zwischen den oberen und unteren Formen auf der Leinwand Raum war, und je größer die Leinwand, desto weiter ausgebreitet und epischer die Formen und desto mehr Raum schien vorhanden zu sein. Aber er dachte bei Raum nicht nur an eine messbare Entfernung. Es hatte mehr mit der Gesamtheit der visuellen und emotionalen Welt des Gemäldes zu tun. Die Formen bewohnen denselben Raum und nehmen doch unterschiedliche Gebiete innerhalb des Raumes ein. Ihr Farbraum ist verschieden; ihr formaler Raum ist verschieden; ihr linearer Raum ist einzigartig; und ihr geistiger Raum ist einzigartig. Letztlich ist dies die Vorstellung von Raum, die für Gottlieb entscheidend war, wie er seine Burst-Gemälde wahrnahm, weil er ihn als gesteigerten Ausdruck der Gesamtheit des Daseins und des Mythos seiner scheinbar einzelnen Teile verstand.

Abgebildetes Bild: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Öl auf Leinwand. 80 x 185". © Adolph und Esther Gottlieb Stiftung.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio