Die Bedeutung von Adolph Gottliebs Burst-Serie

Adolph Gottlieb sagte einmal: „Die Rolle des Künstlers war natürlich schon immer die des Bildeschaffers. Verschiedene Zeiten erfordern verschiedene Bilder.“ Gottlieb erlebte mehrere deutlich unterschiedliche Zeiten und änderte dreimal signifikant seine Methode, um auf die Evolution der Kultur zu reagieren. Sein Werk erreichte seinen Höhepunkt mit seinen Burst-Gemälden, einer Serie, die er 1957 begann und bis zu seinem Tod 1974 weiter ausbaute. Die visuelle Sprache der Bursts ist einfach und direkt – die Leinwand ist in zwei Zonen unterteilt: oben und unten. Die obere Zone wird von einer oder mehreren kreisförmigen Formen in einer begrenzten Farbpalette bewohnt; die untere Zone wird von einem hektischen, gestischen Ausbruch chaotischer, wirbelnder Energie bewohnt, der normalerweise in Schwarz gemalt ist. Für Gottlieb bedeuteten die Burst-Gemälde den ultimativen Ausdruck seiner großen Idee: dass es im Universum gleichzeitig existierende Polaritäten gibt, wie Dunkelheit und Licht. Konventionelle Weisheit beschreibt solche Kräfte oft so, als wären sie dichotomisch – als ob Licht grundsätzlich das Gegenteil von Dunkelheit ist. Gottlieb verstand, dass Licht und Dunkelheit Punkte auf einem Spektrum sind und aus demselben Material bestehen, das in unterschiedlichem Maß verteilt ist. Er betrachtete Polaritäten als so ähnlich, dass eine die andere mit nur dem geringsten Anstoß von den Mächten, die sein, können, werden kann, und die beiden Zonen in seinen Burst-Gemälden funktionieren auf ähnliche Weise. Die kreisförmigen Formen scheinen es zusammen zu haben, schwebend und selbstbewusst über dem, was wie ein Durcheinander aussieht. Aber beide sind Teil desselben Bildes, und keiner befindet sich in einem festen Zustand des Seins. Was oben ist, kann nach unten kommen, und was chaotisch erscheint, kann unter den richtigen Umständen zusammenfließen und eins werden.

Die großen Ausbrüche

Beispiele von Burst-Gemälden zieren einige der angesehensten Kunstsammlungen der Welt. Das massive "Blast I" (1957), das 228,7 x 114,4 cm misst, hängt im MoMA in New York. Darauf schwebt ein gigantischer roter Orb stoisch über einem ebenso bedrohlichen Gewirr aus schwarzen, gestischen Strichen. Dieses ikonische Bild leitete die Serie ein, und eine poetisch aufgeladene Wiederbelebung seiner Ikonografie erschien 1973, nur ein Jahr bevor Gottlieb starb. In "Burst" (1973), einem der letzten Gemälde, die der Künstler vor seinem Tod schuf, hat sich der rote Orb abgeschwächt und beginnt sich aufzulösen, während er rosa Sonnenstrahlen in den Äther sendet. In der Zwischenzeit hat sich das chaotische Gewirr aus gestischen Strichen in eine Art Familie von Formen aufgelöst, die unter die Horizontlinie sinkt und scheinbar Tentakeln und Samen in den Raum ausstößt.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Öl auf Leinwand. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Philip Johnson Fonds. © Adolph und Esther Gottlieb Stiftung/Lizenziert von VAGA, New York, NY. MoMA Sammlung.

Unter anderen berühmten Burst-Gemälden ist „Blues“ (1962), das sich jetzt in der Sammlung des Smithsonian American Art Museum befindet. Seine blau-schwarze Farbpalette ist düster und ruhig, die Dunkelheit wirkt wie eine Sonnenfinsternis oder ein solarisiertes Nachbild. „Trinity“ (1962), ein weiteres monumentales Burst, hängt in der ständigen Sammlung des Crystal Bridges Museum of American Art. Diese 203,2 x 469,9 cm große Leinwand erweitert das Sichtfeld horizontal. Drei solide Kugeln – eine blaue, eine rote und eine schwarze – schweben im Raum über einer eleganten Ansammlung kalligrafischer Pinselstriche. Die Striche scheinen einen grauen Schatten zu werfen, während eine sanfte gelbe Kugel im Mittelgrund zwischen den oberen und unteren Zonen schwebt. Die Bandbreite der Variation, die durch „Blues“ und „Trinity“ exemplifiziert wird, zeigt die enorme Variation, die Gottlieb in seinem relativ einfachen Thema erkundet hat, und verleiht jedem Werk der Burst-Serie einen eigenwilligen Sinn, der ganz eigen ist.

Adolph Gottlieb-Ikone, 1964. Öl auf Leinwand. 144 x 100". ©Adolph und Esther Gottlieb Stiftung.

Bereit zum Platzen

Obwohl er in den 1920er Jahren mit dem Malen begann, begann die Reise, die Gottlieb unternahm, um zur einfachen Genialität seiner Burst-Gemälde zu gelangen, in den 1930er Jahren. Damals nahm er die surrealistische Umarmung des Unterbewusstseins zu Herzen. Er kam zu der Erkenntnis, dass die wesentlichsten ästhetischen Ausdrucksformen zeitlos sind, weil sie sich auf grundlegende existenzielle Realitäten wie Macht, Angst, Geburt und Tod beziehen: das Zeug von Mythen. Seine Forschung in dieser Denkrichtung führte ihn dazu, seine erste große Gemäldeserie zu entwickeln, die er Piktogramme nannte. Basierend auf einer symbolischen, intuitiven Sprache abstrakter Formen waren seine Piktogramme innerhalb von Gittern strukturiert – ein Versuch, compartmentalized Ausdrucksformen der Realität zu vermitteln. Obwohl sie oft als abstrakt angesehen werden, beschrieb Gottlieb seine Piktogramme als realistisch, da sie die wahre, ängstliche, geheimnisvolle menschliche Bedingung zum Ausdruck brachten. Er malte sie bis 1951, als er entschied, dass die Zeit nach etwas Neuem verlangte. Auf der Suche nach einer vereinfachten Methode gab er das Gitter auf und teilte die Leinwand in zwei Teile – einen oberen und einen unteren mit einer Horizontlinie dazwischen. Diese neue Serie nannte er Imaginary Landscapes, weil sie die innere Landschaft des Daseins vermittelte, einschließlich emotionaler, intellektueller, intuitiver und unterbewusster Zustände des Seins.

Adolph Gottlieb - Mann, der eine Frau ansieht, 1949. Öl auf Leinwand. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Geschenk des Künstlers. © Adolph und Esther Gottlieb Stiftung/Lizenziert von VAGA, New York, NY. MoMA Sammlung.

Die Burst-Serie entwickelte sich aus den Imaginary Landscapes und stellt die Destillation derselben Idee dar. Gottlieb vereinfachte, was in den oberen und unteren Teilen der Imaginary Landscapes geschah, und hörte auf, sich auf eine tatsächliche Horizontlinie zu verlassen, um die Leinwand in zwei Teile zu teilen. Aber die Burst-Gemälde stellen auch eine Art Addition dar – die Addition von Raum. Einfach ausgedrückt, erkannte Gottlieb, dass, als die Horizontlinie entfernt wurde, das einzige, was zwischen den oberen und unteren Formen auf der Leinwand war, Raum war, und je größer die Leinwand, desto epischer die Formen und desto mehr Raum schien vorhanden zu sein. Aber er dachte nicht nur in Bezug auf Raum als messbare Distanz. Es hatte mehr mit der Gesamtheit der visuellen und emotionalen Welt des Gemäldes zu tun. Die Formen bewohnen denselben Raum und nehmen dennoch unterschiedliche Territorien innerhalb des Raums ein. Ihr Farbraum ist einzigartig; ihr formaler Raum ist einzigartig; ihr linearer Raum ist einzigartig; und ihr intellektueller Raum ist einzigartig. Letztendlich ist dies das Raumkonzept, das für Gottliebs Wahrnehmung seiner Burst-Gemälde von entscheidender Bedeutung war, weil er es als eine gesteigerte Ausdrucksform der Totalität des Daseins und des Mythos seiner scheinbar individuellen Teile verstand.

Vorschaubild: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Öl auf Leinwand. 80 x 185". ©Adolph und Esther Gottlieb Stiftung.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio