Die faszinierenden Animationen von Oskar Fischinger

In diesem Jahr jährt sich der 50. Todestag von Oskar Fischinger, einem vorausschauenden Genie, das näher als jeder andere Künstler daran kam, die mysteriösen, abstrakten Gemeinsamkeiten zwischen Musik und Bildern auszudrücken. Durch seine Animationsfilme korrelierte Fischinger die visuellen Sprachen von Formen, Linien und Farben mit der musikalischen Sprache von Noten, Rhythmen, Harmonien und Dissonanzen. Durch seine Erfindung des Lumigraphen, eines lichtemittierenden Geräts, das ähnlich wie ein Musikinstrument von Hand manipuliert wird, demonstrierte er das Potenzial, ästhetisch-emotionale Bindungen durch improvisierte, dynamische Farbkompositionen zu schaffen, die auf einer Maschine gespielt werden. Und durch seine Gemälde vermittelte er die erhöhten konzeptionellen Ebenen, die in seinen Filmen verborgen sind, indem er sie auf vereinfachten, zweidimensionalen Oberflächen einfrierte. In der Zwischenzeit legte er während seiner gesamten Karriere in Schriften und Reden seine künstlerischen Absichten ausführlich dar. “Ich möchte, dass dieses Werk die spirituellen und emotionalen Bedürfnisse unserer Zeit erfüllt,” schrieb er 1950. “Denn es gibt etwas, das wir alle suchen – etwas, nach dem wir ein Leben lang streben... in der Hoffnung... eines Tages, vielleicht, wird etwas offenbart, das aus dem Unbekannten entsteht, etwas, das die Wahre Schöpfung: die kreative Wahrheit! enthüllt!"

Oskar Fischinger: Ein geborener Künstler

Einige Künstler werden gemacht; andere werden geboren. Oskar Fischinger hat nie Kunst in der Schule studiert. Geboren 1900 in Hessen, Deutschland, wurde er, wie die meisten Mitglieder seiner Generation, als Teenager zum Militärdienst eingezogen. Aber aufgrund seiner schlechten körperlichen Verfassung wurde er nicht gezwungen, für Deutschland im Krieg zu kämpfen. Stattdessen nahm er einen Job in einer Orgelbaufabrik an. Diese frühe Auseinandersetzung mit den Mechanismen der musikalischen Schöpfung sollte sich später für Fischinger als schicksalhaft erweisen, insbesondere in Verbindung mit der Ingenieurausbildung, die er nach dem Krieg erhielt, als seine Familie nach Frankfurt zog. Vielleicht waren diese Erfahrungen nicht typisch für jemanden, der dazu bestimmt war, ein großer Künstler zu werden, aber sie waren in ihrem Wesen kreativ, und wie sich herausstellt, waren sie perfekt für das Schicksal, das diesen besonderen Künstler erwartete.

Im Jahr 1921 machte Fischinger die Bekanntschaft des avantgardistischen deutschen Filmregisseurs Walter Ruttman. Ruttman war einer von nur wenigen Künstlern, die mit Film als abstraktem Medium experimentierten und erkundeten, wie es mit anderen Kunstformen interagieren könnte. Fischinger war von der Arbeit, die Ruttman leistete, inspiriert, und dank seines mechanischen und ingenieurtechnischen Hintergrunds gelang es ihm, Ruttman seinerseits zu beeindrucken. Dies tat er durch die Erfindung eines mechanischen Animationsgeräts: einer „Wachs-Schneidemaschine“. Nachdem Ruttman von dem Gerät gehört hatte, war er so beeindruckt, dass er Fischinger um die Rechte zur Nutzung bat. Fischinger lizenzierte die Rechte an seiner Maschine an Ruttman und zog anschließend nach München, wo er Zugang zu mehr Equipment erhielt, was ihm ermöglichte, weiter eigenständig zu experimentieren.

Oskar Fischinger - Standbild aus Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Die Filme

Während er in München war, schuf Fischinger einige seiner frühesten Filme. Anstatt die realistische Welt nachzuahmen, untersuchten sie die anderen Möglichkeiten, wie Licht und Klang in einem Film interagieren konnten. 1926 schrieb er einen seiner grundlegenden Essays mit dem Titel Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, oder A New Art: Spatial Light Music. Obwohl es scheint, dass er zu seinen Lebzeiten nie veröffentlicht wurde, ist er jetzt im Center for Visual Music in Los Angeles archiviert, das das Werk von Fischinger, einschließlich seiner Filme und Papiere, besitzt und verwaltet. Die Gedanken, die Fischinger in diesem Essay äußerte, zusammen mit den Errungenschaften, die in seinen frühen Filmen offensichtlich sind, stellen Fischinger in die philosophische Gesellschaft von Künstlern wie Wassily Kandinsky, der fest an die Fähigkeit nicht-objektiver Bilder glaubte, spirituell auf demselben abstrakten Niveau wie Musik zu kommunizieren. Aber indem Fischinger sich auf Filme anstatt auf Malerei konzentrierte, konnte er einen wesentlichen Unterschied zwischen Musik und Bildern verstehen: dass Musik, im Gegensatz zu statischen Bildern, in der Zeit stattfindet.

Eine einzelne Note, die nur einen Moment lang anhält, hat nicht die gleiche emotionale Wirkung auf einen Zuhörer wie eine Symphonie, die über die Dauer von einer Stunde gespielt wird. Und das Gleiche gilt für Bilder. Eine einzelne visuelle Komposition in einem Gemälde hat nicht die gleiche emotionale Wirkung auf einen Betrachter wie eine visuelle Komposition, die sich über die Zeit in einem bewegten Bild entfaltet. Indem er diesen grundlegenden Denkprozess anwandte, verbrachte Fischinger die nächsten zwei Jahrzehnte damit, einige der bahnbrechendsten abstrakten, animierten Filme zu schaffen, die je gemacht wurden. Einige waren mit Musik unterlegt und wurden als die ersten Musikvideos bezeichnet. Aber sie waren nichts wie die Musikvideos, die wir heute kennen. Sie waren nur in einem Versuch, die Ähnlichkeiten in der Art und Weise zu untersuchen, wie visuelle Kompositionen und musikalische Kompositionen abstrakt an unser Gehirn kommunizieren, mit Musik unterlegt.

Oskar Fischinger - Standbild aus Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Komposition in Blau

Im Jahr 1935, während er in Berlin lebte, vollbrachte Oskar Fischinger das, was viele Menschen als sein Meisterwerk betrachten: einen Film mit dem Titel Komposition in Blau. Gedreht auf 35 mm Farbfilm, ist der animierte Kurzfilm zu einer Melodie aus Die lustigen Weiber von Windsor, einer Oper des deutschen Komponisten Otto Nicolai, die auf dem gleichnamigen Stück von William Shakespeare basiert. Im Laufe des Films tanzen lebhaft gefärbte, abstrakte Formen perfekt im Einklang mit der Musik. Der Hintergrund scheint von zwei auf drei Dimensionen zu wechseln und kollabiert häufig in sich selbst, verwandelt sich in ein endloses, skurriles, visuelles Vergnügen.

Ein bemerkenswerter Aspekt von Composition in Blue ist, wie es gemacht wurde. Fischinger hat jede dieser kleinen Formen, die im Film tanzen, von Hand gebaut. Das sind bemalte Modelle, die sorgfältig bewegt wurden, während der Film aufgenommen wurde, Bild für Bild. Jedes eingefrorene Bild könnte unter anderen Umständen ein abstraktes Gemälde darstellen. Oder, hätte er gewollt, könnte jede Komposition vor der Aufnahme als skulpturale Installation betrachtet werden. Aber nur in Bewegung, die sich über die Zeit entfaltet, glaubte Fischinger, dass diese abstrakten Bilder die gleiche Wirkung wie musikalische Kompositionen erreichen könnten, weshalb er die Arbeit in diese Richtung lenkte.

Oskar Fischinger - Standbild aus Komposition in Blau, 1935, © Center for Visual Music

Die Gemälde

Komposition in Blau erlangte internationale Anerkennung. Teils aufgrund seines Erfolgs konnte Fischinger 1936 nach Amerika kommen, wo er verschiedene Positionen in Hollywood für Paramount, Walt Disney und andere Studios einnahm. Doch schnell erkannte er den Graben, der zwischen den idealistischen Zielen von Künstlern und denen der kommerziellen Filmproduktionsunternehmen besteht. Da er keine finanzielle Unterstützung fand, um seine rein künstlerischen Animationsarbeiten fortzusetzen, war Fischinger schließlich gezwungen, den Film aufzugeben. Stattdessen konzentrierte er in den späten 1940er Jahren einen Großteil seiner Aufmerksamkeit auf seine Erfindung, den Lumigraph. Ironischerweise verbrachte er die letzten 15 Jahre seines Lebens als Maler.

Die Gemälde, die Fischinger geschaffen hat, sind bemerkenswert in ihrer Vielfalt. Wie seine früheren Animationen scheinen sie die abstrakte visuelle Sprache jedes anderen abstrakten Künstlers des 20. Jahrhunderts zu enthalten. Aber diese sind keine abgeleiteten Werke. Im Gegenteil, die meisten dieser Bilder wurden von Fischinger lange bevor Künstler wie Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis und Kenneth Noland sie selbst entdeckten, initiiert. Und entgegen den Erwartungen nehmen seine Gemälde, anstatt etwas von seinen Filmen wegzunehmen, seinen Ideen über Musik und Bilder und die Auswirkungen des Erlebens dieser in der Zeit Kraft hinzu. Jedes Gemälde ist ein eingefangener Moment – ein isoliertes Fragment einer größeren Erfahrung. Sie in seinen Filmen zu sehen, nimmt uns mit auf eine Reise. Sie in seinen Gemälden zu sehen, lässt uns sie wie Kenner schätzen.

Oskar Fischinger - Standbild aus Motion Painting Nr. I, 1947, © Center for Visual Music

Die schlimmste Hommage aller Zeiten

Oskar Fischinger war offensichtlich ein Pionier, daher ist es keine Überraschung, dass die Menschen oft ihm und seinen Leistungen Tribut zollen möchten. Aber im letzten Juni, an dem Tag, der sein 117. Geburtstag gewesen wäre, "zollte" Google Fischinger mit einem Google Doodle Tribut – einer dieser interaktiven Ablenkungen, die Google den Nutzern auf seiner Suchseite anbietet. Das Doodle gab den Besuchern die Möglichkeit, eine musikalisch-visuelle Komposition zu verändern, indem sie auf den Bildschirm klickten. Obwohl es amüsant war, war es ein absurder Tribut an Fischinger. Fischinger sagte einmal in Bezug auf seine Erfahrungen in Hollywood: „Kein vernünftiger kreativer Künstler könnte ein vernünftiges Kunstwerk schaffen, wenn ein Team von Mitarbeitern aller Art in der endgültigen Schöpfung mitreden darf... Sie verändern die Ideen, töten die Ideen, bevor sie geboren werden, verhindern, dass Ideen geboren werden, und ersetzen die absoluten kreativen Motive nur durch billige Ideen, um den niedrigsten gemeinsamen Nenner zu treffen."

Wie Google dachte, ein hochbezahlter Programmierer, der für eine kommerzielle Fabrik arbeitet, könnte diesem Künstler huldigen, indem er buchstäblich jedem mit einer Internetverbindung eine „Stimme in der finalen Kreation“ anbietet, ist unbekannt. Irgendwo geht etwas in der Übersetzung verloren. Aber wird der Rest der Menschheit jemals mit Oskar Fischinger Schritt halten? Vielleicht. Es ist nicht schwer zu verstehen, was Fischinger von uns mit seinem Werk beabsichtigte. Er wollte, dass wir es für spirituelle und emotionale Nahrung nutzen. Vielleicht ist der beste Weg, ihm zu huldigen, nicht, indem wir alberne Gesellschaftsspiele kreieren oder seine Errungenschaften auf Aussagen wie „Wow, er hat das alles ohne Computer gemacht?!“ reduzieren. Stattdessen sollten wir ihm als Künstler, Philosophen und Dichter die Anerkennung zollen, die ihm zusteht, und versuchen, den tieferen Zweck seines Werkes zu verstehen, der uns auffordert, uns mit den verborgenen Mysterien zu verbinden, die unsere vielfältigen und immer noch ziemlich missverstandenen sensorischen Kräfte verbinden.

Google feiert den 117. Geburtstag von Oskar Fischinger, © Google

Vorschaubild: Oskar Fischinger - Standbild aus Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio