Die faszinierenden Animationen von Oskar Fischinger

Dieses Jahr jährt sich zum 50. Mal der Todestag von Oskar Fischinger, einem vorausschauenden Genie, das keinem anderen Künstler so nahekam, die rätselhaften, abstrakten Gemeinsamkeiten zwischen Musik und Bildern auszudrücken. Durch seine animierten Filme verband Fischinger die visuellen Sprachen von Formen, Gestalten, Linien und Farben mit der musikalischen Sprache von Noten, Takten, Harmonien und Dissonanzen. Durch seine Erfindung des Lumigraphen, eines lichtabstrahlenden Geräts, das ähnlich wie ein Musikinstrument von Hand bedient wird, zeigte er das Potenzial auf, ästhetisch-emotionale Verbindungen durch improvisierte, dynamische Farbkompositionen auf einer Maschine zu schaffen. Und durch seine Gemälde vermittelte er die erhöhten konzeptuellen Ebenen, die in seinen Filmen verborgen sind, indem er sie auf vereinfachten, zweidimensionalen Flächen einfrierte. Während seiner gesamten Laufbahn legte er in Schriften und Reden seine künstlerischen Absichten ausführlich dar. „Ich möchte, dass dieses Werk die geistigen und emotionalen Bedürfnisse unserer Zeit erfüllt“, schrieb er 1950. „Denn es gibt etwas, wonach wir alle suchen – etwas, wonach wir ein Leben lang streben... in der Hoffnung... dass eines Tages, vielleicht, etwas offenbart wird, das aus dem Unbekannten hervorgeht, etwas, das die Wahre Schöpfung: die schöpferische Wahrheit! enthüllt“

Oskar Fischinger: Ein geborener Künstler

Manche Künstler werden gemacht; andere werden geboren. Oskar Fischinger studierte nie Kunst in der Schule. Geboren 1900 in Hessen, Deutschland, wurde er wie die meisten seiner Generation als Jugendlicher zum Militärdienst eingezogen. Doch aufgrund seiner schlechten körperlichen Verfassung musste er nicht für Deutschland im Krieg kämpfen. Stattdessen nahm er eine Arbeit in einer Orgelwerkstatt an. Diese frühe Begegnung mit den Mechanismen der musikalischen Schöpfung sollte sich später als schicksalhaft für Fischinger erweisen, besonders in Verbindung mit der technischen Ausbildung, die er nach dem Krieg erhielt, als seine Familie nach Frankfurt zog. Vielleicht waren diese Erfahrungen nicht typisch für jemanden, der dazu bestimmt war, ein großer Künstler zu werden, doch sie waren in ihrem Wesen kreativ und erwiesen sich als perfekt für das Schicksal, das diesen besonderen Künstler erwartete.

1921 lernte Fischinger den avantgardistischen deutschen Filmregisseur Walter Ruttmann kennen. Ruttmann war einer der wenigen Künstler, die mit Film als abstraktem Medium experimentierten und erforschten, wie es mit anderen Kunstformen interagieren könnte. Fischinger wurde von Ruttmanns Arbeit inspiriert und dank seiner mechanischen und technischen Kenntnisse gelang es ihm, Ruttmann zu beeindrucken. Dies tat er durch die Erfindung eines mechanischen Animationsgeräts: einer „Wachsschneidemaschine“. Nachdem Ruttmann von dem Gerät gehört hatte, war er so beeindruckt, dass er Fischinger um die Nutzungsrechte bat. Fischinger lizenzierte die Rechte an seiner Maschine an Ruttmann und zog anschließend nach München, wo er Zugang zu mehr Ausrüstung erhielt, die ihm weitere Experimente ermöglichte.

Oskar Fischinger – Standbild aus Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Die Filme

Während seiner Zeit in München drehte Fischinger einige seiner frühesten Filme. Anstatt die realistische Welt nachzuahmen, untersuchten sie andere Möglichkeiten, wie Licht und Ton in einem Film zusammenwirken könnten. 1926 schrieb er einen seiner grundlegenden Aufsätze mit dem Titel Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, oder Eine neue Kunst: Raumlichtmusik. Obwohl er zu seinen Lebzeiten offenbar nie veröffentlicht wurde, ist er heute im Archiv des Center for Visual Music in Los Angeles, das Fischingers Werk, einschließlich seiner Filme und Schriften, verwaltet. Die Gedanken, die Fischinger in diesem Aufsatz äußerte, zusammen mit den Errungenschaften seiner frühen Filme, stellen ihn in die philosophische Reihe von Künstlern wie Wassily Kandinsky, der fest an die Fähigkeit nicht-gegenständlicher Bilder glaubte, auf derselben abstrakten Ebene wie Musik geistig zu kommunizieren. Doch indem er sich auf Filme statt auf Malerei konzentrierte, erkannte Fischinger einen wesentlichen Unterschied zwischen Musik und Bildern: Musik, im Gegensatz zu statischen Bildern, entfaltet sich in der Zeit.

Eine einzelne Note, die nur einen Moment dauert, hat nicht dieselbe emotionale Wirkung auf einen Zuhörer wie eine Symphonie, die über eine Stunde gespielt wird. Dasselbe gilt für Bilder. Eine einzelne visuelle Komposition auf einem Gemälde hat nicht dieselbe emotionale Wirkung auf einen Betrachter wie eine visuelle Komposition, die sich im Laufe der Zeit in einem Film entfaltet. Mit diesem grundlegenden Gedanken verbrachte Fischinger die nächsten zwei Jahrzehnte damit, einige der bahnbrechendsten abstrakten Animationsfilme aller Zeiten zu schaffen. Einige wurden mit Musik unterlegt und gelten als die ersten Musikvideos. Doch sie waren ganz anders als die Musikvideos, die wir heute kennen. Sie wurden nur mit Musik unterlegt, um die Ähnlichkeiten in der Art und Weise zu untersuchen, wie visuelle und musikalische Kompositionen abstrakt auf unser Gehirn wirken.

Oskar Fischinger – Standbild aus Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Komposition in Blau

1935, während er in Berlin lebte, schuf Oskar Fischinger sein wohl bedeutendstes Werk: einen Film mit dem Titel Komposition in Blau. Gedreht auf 35-mm-Farbfilm, ist der animierte Kurzfilm zu einer Melodie aus Die lustigen Weiber von Windsor, einer Oper des deutschen Komponisten Otto Nicolai, basierend auf dem gleichnamigen Stück von William Shakespeare, unterlegt. Im ganzen Film tanzen lebhaft gefärbte, abstrakte Formen perfekt synchron zur Musik. Der Hintergrund scheint sich von zwei zu drei Dimensionen zu wandeln und bricht häufig in sich zusammen, verwandelt sich in ein endloses, verspieltes visuelles Vergnügen.

Ein bemerkenswerter Aspekt von Komposition in Blau ist, wie er hergestellt wurde. Fischinger baute jede dieser kleinen Formen, die im Film tanzen, von Hand. Es sind bemalte Modelle, die sorgfältig bewegt wurden, während der Film Bild für Bild aufgenommen wurde. Jedes eingefrorene Bild könnte unter anderen Umständen ein abstraktes Gemälde darstellen. Oder, wenn er gewollt hätte, hätte jede Komposition vor der Aufnahme als skulpturale Installation betrachtet werden können. Doch erst in der Bewegung, die sich über die Zeit entfaltet, glaubte Fischinger, könnten diese abstrakten Bilder dieselbe Wirkung wie musikalische Kompositionen erzielen, und so richtete er das Werk darauf aus.

Oskar Fischinger – Standbild aus Komposition in Blau, 1935, © Center for Visual Music

Die Gemälde

Komposition in Blau erlangte internationale Anerkennung. Zum Teil dank dieses Erfolgs konnte Fischinger 1936 nach Amerika kommen, wo er verschiedene Stellen in Hollywood bei Paramount, Walt Disney und anderen Studios annahm. Doch er lernte schnell die Kluft kennen, die zwischen den idealistischen Zielen von Künstlern und denen kommerzieller Filmproduktionsfirmen besteht. Da er keine finanzielle Unterstützung fand, um seine rein künstlerischen Animationsarbeiten fortzusetzen, musste Fischinger schließlich den Film aufgeben. Stattdessen widmete er sich in den späten 1940er Jahren seiner Erfindung, dem Lumigraphen. Und dann, ironischerweise, verbrachte er die letzten 15 Jahre seines Lebens als Maler.

Die Gemälde, die Fischinger schuf, sind bemerkenswert in ihrer Vielfalt. Wie seine früheren Animationen scheinen sie die abstrakte Bildsprache aller anderen abstrakten Künstler des 20. Jahrhunderts zu enthalten. Doch diese Werke sind nicht abgeleitet. Im Gegenteil, die meisten dieser Bilder wurden von Fischinger lange vor Künstlern wie Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis und Kenneth Noland initiiert. Und entgegen der Erwartungen nehmen seine Gemälde seinen Filmen nichts weg, sondern verstärken seine Ideen über Musik und Bilder und die Wirkung, sie in der Zeit zu erleben. Jedes Gemälde ist ein eingefangener Moment – ein isolierter Ausschnitt einer größeren Erfahrung. Sie in seinen Filmen zu sehen, nimmt uns mit auf eine Reise. Sie in seinen Gemälden zu betrachten, lässt uns sie wie Kenner schätzen.

Oskar Fischinger – Standbild aus Bewegungsmalerei Nr. I, 1947, © Center for Visual Music

Die schlechteste Ehrung aller Zeiten

Oskar Fischinger war offensichtlich ein Pionier, daher ist es nicht überraschend, dass Menschen ihm und seinen Leistungen oft huldigen wollen. Doch letzten Juni, an seinem 117. Geburtstag, ehrte Google Fischinger mit einem Google Doodle – einer dieser interaktiven Ablenkungen, die Google Nutzern auf seiner Suchseite bietet. Das Doodle gab den Besuchern die Möglichkeit, eine musik-visuelle Komposition durch Klicken auf den Bildschirm zu verändern. Obwohl amüsant, war es eine absurde Ehrung Fischingers. Fischinger sagte einmal in Bezug auf seine Erfahrungen in Hollywood: „Kein vernünftiger schöpferischer Künstler könnte ein vernünftiges Kunstwerk schaffen, wenn ein Team von Mitarbeitern aller Art jeweils sein Wort bei der endgültigen Schöpfung mitredet... Sie verändern die Ideen, töten die Ideen, bevor sie geboren werden, verhindern, dass Ideen geboren werden, und ersetzen die absoluten schöpferischen Motive durch billige Ideen, die dem niedrigsten gemeinsamen Nenner entsprechen.“

Wie Google dachte, ein hochbezahlter Programmierer, der für eine kommerzielle Fabrik arbeitet, könne diesem Künstler huldigen, indem er buchstäblich jedem mit Internetanschluss ein „Mitspracherecht bei der endgültigen Schöpfung“ gibt, ist unbekannt. Irgendwo geht etwas in der Übersetzung verloren. Aber wird der Rest der Menschheit jemals zu Oskar Fischinger aufschließen? Vielleicht. Es ist nicht schwer zu verstehen, was Fischinger mit seinem Werk von uns wollte. Er wollte, dass wir es für geistige und emotionale Nahrung nutzen. Vielleicht ist die beste Art, seinem Vermächtnis zu huldigen, nicht, alberne Gesellschaftsspiele zu schaffen oder seine Leistungen auf Aussagen wie „Wow, das hat er alles ohne Computer gemacht?!“ zu reduzieren. Stattdessen sollten wir ihm als Künstler, Philosoph und Dichter gerecht werden und versuchen, den tieferen Sinn seiner Arbeit zu verstehen, die uns aufruft, die verborgenen Geheimnisse wiederzuentdecken, die unsere vielfältigen und noch immer recht unerforschten Sinneskräfte verbinden.

Google feiert den 117. Geburtstag von Oskar Fischinger, © Google

Titelbild: Oskar Fischinger – Standbild aus Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken

Von Phillip Barcio