Die faszinierenden Animationen von Oskar Fischinger

Dieses Jahr jährt sich der Tod von Oskar Fischinger zum 50. Mal – eines visionären Genies, das von allen Künstlern der mystifizierenden, abstrakten Gemeinsamkeit zwischen Musik und Bildern am nächsten kam. In seinen Animationsfilmen setzte Fischinger die visuellen Sprachen von Formen, Gestalten, Linien und Farben mit der musikalischen Sprache von Noten, Takten, Harmonien und Dissonanzen in Beziehung. Mit seiner Erfindung des Lumigraphen, eines von Hand ähnlich wie ein Musikinstrument bedienten, Licht emittierenden Geräts, demonstrierte er das Potenzial, durch improvisierte, dynamische Farbkompositionen, die auf einer Maschine gespielt werden, ästhetisch-emotionale Verbindungen zu schaffen. Und in seinen Gemälden vermittelte er die gesteigerten konzeptuellen Ebenen, die in seinen bewegten Bildern verborgen waren, indem er sie auf vereinfachten, zweidimensionalen Flächen einfrieren ließ. Währenddessen legte er im Laufe seiner Karriere in Schriften und Reden seine künstlerischen Absichten ausführlich dar. „Ich möchte, dass dieses Werk die spirituellen und emotionalen Bedürfnisse unserer Zeit erfüllt“, schrieb er 1950. „Denn es gibt etwas, das wir alle suchen – etwas, wonach wir ein Leben lang streben ... in der Hoffnung ..., dass eines Tages vielleicht etwas enthüllt wird, das aus dem Unbekannten hervorgeht, etwas, das die Wahre Schöpfung: die schöpferische Wahrheit! offenbart.“

Oskar Fischinger: Ein geborener Künstler

Manche Künstler werden gemacht, andere werden geboren. Oskar Fischinger studierte nie Kunst an einer Schule. 1900 in Hessen geboren, wurde er wie die meisten Angehörigen seiner Generation als Teenager zum Militärdienst eingezogen. Aufgrund seiner schlechten körperlichen Verfassung musste er jedoch nicht für Deutschland in den Krieg ziehen. Stattdessen nahm er eine Stelle in einer Orgel­fabrik an. Diese frühe Begegnung mit den Mechanismen der musikalischen Schöpfung sollte sich später für Fischinger als folgenschwer erweisen, insbesondere zusammen mit der Ingenieursausbildung, die er nach dem Krieg erhielt, als seine Familie nach Frankfurt zog. Vielleicht waren diese Erfahrungen nicht typisch für jemanden, der dazu bestimmt war, ein großer Künstler zu werden, doch ihrem Wesen nach waren sie schöpferisch – und wie sich herausstellte, waren sie perfekt für das Schicksal, das diesen besonderen Künstler erwartete.

1921 lernte Fischinger den avantgardistischen deutschen Filmregisseur Walter Ruttmann kennen. Ruttmann gehörte zu einer kleinen Gruppe von Künstlern, die mit Film als abstraktem Medium experimentierten und erforschten, wie er mit anderen Kunstformen interagieren könnte. Fischinger ließ sich von Ruttmanns Arbeit inspirieren und schaffte es dank seiner mechanischen und ingenieurtechnischen Kenntnisse, Ruttmann seinerseits zu beeindrucken. Dies gelang ihm durch die Erfindung eines mechanischen Animationsgeräts: einer „Wachsschneidemaschine“. Nachdem Ruttmann von dem Gerät gehört hatte, war er so beeindruckt, dass er Fischinger um die Nutzungsrechte bat. Fischinger lizenzierte die Rechte an seiner Maschine an Ruttmann und zog anschließend nach München, wo er Zugang zu weiterer Ausrüstung erhielt, die es ihm ermöglichte, eigenständig weiter zu experimentieren.

Oskar Fischinger - Still aus Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Die Filme

Während seines Aufenthalts in München drehte Fischinger einige seiner frühesten Filme. Statt die realistische Welt nachzuahmen, untersuchten sie andere Möglichkeiten, wie Licht und Klang in einem bewegten Bild miteinander interagieren könnten. 1926 schrieb er einen seiner grundlegenden Essays mit dem Titel Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, oder Eine neue Kunst: räumliche Lichtmusik. Obwohl er zu seinen Lebzeiten offenbar nie veröffentlicht wurde, liegt er heute im Center for Visual Music in Los Angeles vor, das Fischingers Œuvre einschließlich seiner Filme und Schriften besitzt und verwaltet. Die Gedanken, die Fischinger in diesem Essay äußerte, sowie die in seinen frühen Filmen sichtbaren Errungenschaften stellten ihn in die philosophische Gesellschaft von Künstlern wie Wassily Kandinsky, der fest an die Fähigkeit gegenstandsloser Bilder glaubte, sich auf derselben abstrakten Ebene wie Musik spirituell mitzuteilen. Indem er sich jedoch auf Filme statt auf Malerei konzentrierte, konnte Fischinger einen wesentlichen Unterschied zwischen Musik und Bildern erkennen: Musik findet im Gegensatz zu statischen Bildern in der Zeit statt.

Eine einzelne Note, die nur einen Augenblick dauert, hat auf einen Zuhörer nicht dieselbe emotionale Wirkung wie eine Sinfonie, die im Laufe einer Stunde gespielt wird. Dasselbe gilt für Bilder. Eine einzelne visuelle Komposition auf einem Gemälde hat auf einen Betrachter nicht dieselbe emotionale Wirkung wie eine visuelle Komposition, die sich im Laufe der Zeit in einem bewegten Bild entfaltet. Ausgehend von diesem grundlegenden Gedankenprozess verbrachte Fischinger die folgenden zwei Jahrzehnte damit, einige der bahnbrechendsten abstrakten Animationsfilme aller Zeiten zu schaffen. Einige waren mit Musik unterlegt und wurden als die ersten Musikvideos bezeichnet. Doch sie hatten nichts mit Musikvideos zu tun, wie wir sie heute kennen. Sie wurden nur deshalb mit Musik unterlegt, um die Ähnlichkeiten darin zu untersuchen, wie visuelle und musikalische Kompositionen sich unserem Gehirn auf abstrakte Weise mitteilen.

Oskar Fischinger - Still aus Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composition in Blue

1935 vollbrachte Oskar Fischinger während seines Aufenthalts in Berlin das, was viele als sein Hauptwerk betrachten: einen Film mit dem Titel Composition in Blue. Der auf 35-mm-Farbfilm gedrehte Animationskurzfilm ist mit einer Melodie aus Die lustigen Weiber von Windsor unterlegt, einer Oper des deutschen Komponisten Otto Nicolai, die auf dem gleichnamigen Stück von William Shakespeare basiert. Im gesamten Film tanzen farbenprächtige, abstrakte Formen im perfekten Einklang mit der Musik. Der Hintergrund scheint zwischen zwei und drei Dimensionen zu wechseln und fällt häufig in sich zusammen, wodurch er sich in eine endlose, verspielte visuelle Freude verwandelt.

Bemerkenswert an Composition in Blue ist auch seine Entstehungsweise. Fischinger fertigte jede einzelne dieser kleinen Formen, die im Film umhertanzen, von Hand an. Es handelt sich um bemalte Modelle, die während der Aufnahme Bild für Bild sorgfältig bewegt wurden. Jedes eingefrorene Einzelbild könnte unter anderen Umständen ein abstraktes Gemälde darstellen. Oder, hätte er es gewollt, hätte jede Komposition vor der Aufnahme als skulpturale Installation betrachtet werden können. Doch Fischinger war überzeugt, dass diese abstrakten Bilder nur in Bewegung, indem sie sich im Laufe der Zeit entfalteten, dieselbe Wirkung wie musikalische Kompositionen erzielen konnten – und auf dieses Ziel richtete er seine Arbeit aus.

Oskar Fischinger - Still aus Composition in Blue, 1935, © Center for Visual Music

Die Gemälde

Composition in Blue erlangte internationale Anerkennung. Zum Teil aufgrund seines Erfolgs konnte Fischinger 1936 nach Amerika kommen, wo er in Hollywood verschiedene Positionen bei Paramount, Walt Disney und anderen Studios annahm. Doch er lernte schnell, welche Kluft zwischen den idealistischen Zielen von Künstlern und denen kommerzieller Filmproduktionsunternehmen besteht. Da er keine finanzielle Unterstützung fand, um seine rein künstlerischen Animationsarbeiten fortzusetzen, war Fischinger schließlich gezwungen, den Film aufzugeben. Stattdessen widmete er sich Ende der 1940er-Jahre stark seiner Erfindung, dem Lumigraphen. Und ironischerweise verbrachte er die letzten 15 Jahre seines Lebens als Maler.

Die Gemälde, die Fischinger schuf, sind in ihrer Vielfalt bemerkenswert. Wie seine früheren Animationen scheinen sie die abstrakte Bildsprache aller anderen abstrakten Künstler des 20. Jahrhunderts zu enthalten. Doch es handelt sich nicht um abgeleitete Werke. Im Gegenteil: Die meisten dieser Bilder hatte Fischinger bereits lange zuvor begonnen, bevor Künstler wie Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis und Kenneth Noland unabhängig zu ihnen gelangten. Und entgegen allen Erwartungen nehmen seine Gemälde seinen Filmen nichts weg, sondern verleihen seinen Vorstellungen von Musik und Bildern und den Auswirkungen ihrer Erfahrung in der Zeit zusätzliche Kraft. Jedes Gemälde ist ein eingefangener Moment – ein isoliertes Fragment einer größeren Erfahrung. Sie in seinen Filmen zu sehen, nimmt uns mit auf eine Reise. Sie in seinen Gemälden zu sehen, erlaubt uns, sie wie Kenner zu würdigen.

Oskar Fischinger - Still aus Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Die schlechteste Hommage aller Zeiten

Oskar Fischinger war offensichtlich ein Pionier, daher überrascht es nicht, dass viele Menschen ihm und seinen Leistungen oft die Ehre erweisen möchten. Doch im vergangenen Juni, an seinem 117. Geburtstag, der es gewesen wäre, zollte Google Fischinger mit einem Google Doodle „Tribut“ – einer jener interaktiven Ablenkungen, die Google seinen Nutzern auf der Suchseite bietet. Das Doodle gab Besuchern die Möglichkeit, durch Klicken auf den Bildschirm eine musikalisch-visuelle Komposition zu verändern. Obwohl amüsant, war es eine absurde Hommage an Fischinger. Fischinger sagte einmal in Bezug auf seine Erfahrungen in Hollywood: „Kein vernünftiger schöpferischer Künstler könnte ein vernünftiges Kunstwerk schaffen, wenn eine Gruppe von Mitarbeitern aller Art jeweils ein Mitspracherecht an der endgültigen Schöpfung hat ... Sie verändern die Ideen, töten die Ideen, bevor sie geboren werden, verhindern, dass Ideen geboren werden, und ersetzen die absoluten schöpferischen Beweggründe durch nichts als billige Ideen, die dem kleinsten gemeinsamen Nenner entsprechen.“

Wie Google glaubte, ein hochbezahlter Programmierer, der für eine kommerzielle Fabrik arbeitet, könne diesem Künstler die Ehre erweisen, indem buchstäblich jedem mit Internetanschluss ein „Mitspracherecht an der endgültigen Schöpfung“ eingeräumt wird, ist unbekannt. Irgendwo geht etwas in der Übersetzung verloren. Doch wird der Rest der Menschheit Oskar Fischinger jemals einholen? Vielleicht. Es ist nicht schwer zu verstehen, was Fischinger von uns im Umgang mit seinem Werk beabsichtigte. Er wollte, dass wir es als spirituelle und emotionale Nahrung nutzen. Vielleicht erweisen wir seinem Vermächtnis am besten nicht die Ehre, indem wir alberne Gesellschaftsspiele entwickeln oder seine Leistungen auf Aussagen wie „Wow, hat er das alles ohne Computer gemacht?!“ reduzieren. Stattdessen sollten wir ihm vielleicht als Künstler, Philosoph und Dichter die gebührende Anerkennung zukommen lassen und versuchen, den tieferen Zweck seiner Arbeit zu verstehen, die uns dazu aufruft, uns wieder mit den verborgenen Geheimnissen zu verbinden, die unsere vielfältigen und noch immer weitgehend missverstandenen Sinneskräfte miteinander verknüpfen.

Google feiert den 117. Geburtstag von Oskar Fischinger, © Google

Titelbild: Oskar Fischinger - Still aus Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alle Bilder werden ausschließlich zu Illustrationszwecken verwendet

Von Phillip Barcio 2017

Bearbeitet von IdeelArt (2026)