Helen Frankenthaler Gemälde in dualen Retrospektiven gefeiert
Helen Frankenthaler Gemälde sind in vielen der besten Museen der Welt sowie auf zahlreichen angesehenen Messen und Auktionen für Moderne und Zeitgenössische Kunst häufig zu sehen. Doch nur wenige Menschen hatten die Gelegenheit, einem Holzschnitt von Helen Frankenthaler nahe zu sein. Es ist vielleicht nicht verwunderlich, dass ihre Holzschnitte weniger geschätzt werden als ihre Gemälde. Frankenthaler machte sich zunächst als Malerin einen Namen, und ihre Errungenschaften in diesem Bereich gelten bis heute als radikal. Eines ihrer bekanntesten Gemälde malte sie, als sie erst 24 Jahre alt war. Und obwohl sie in ihren 30ern begann, mit Drucktechniken zu experimentieren, fing sie erst Mitte 40 an, Holzschnitte anzufertigen. Dank zweier Frankenthaler-Ausstellungen, die Anfang dieses Monats gleichzeitig im Clark Art Institute in Williamstown, Massachusetts, eröffnet wurden, haben Fans dieser außergewöhnlichen Künstlerin nun eine seltene Gelegenheit, einige der besten verfügbaren Beispiele beider Werkbereiche zu erleben. Die Ausstellung Wie in der Natur zeigt zwölf großformatige Gemälde von Helen Frankenthaler und verfolgt ihre Laufbahn von den frühen Phasen, bevor sie ihre bahnbrechende „Soak-Stain“-Technik erfand, bis hin zu den malerischeren, experimentellen Werken der 1990er Jahre. Gleichzeitig zeigt eine separate Galerie im Clark die Ausstellung Keine Regeln mit einer Auswahl von zwölf Holzschnitten von Helen Frankenthaler. Zusammen bieten die beiden Ausstellungen einen seltenen Einblick in die vielfältigen Fähigkeiten, die Frankenthaler zu einer der einflussreichsten Künstlerinnen des vergangenen Jahrhunderts machten.
Wie in der Natur: Helen Frankenthaler Gemälde
Der Legende nach erfand Helen Frankenthaler 1952 die Technik, die sie berühmt machte. Bekannt als „Soak-Stain“-Technik, arbeitete sie dabei horizontal auf dem Boden und trug mit Terpentin verdünnte Farbe direkt auf ungrundierte Leinwand auf. Die Farbe drang so in die Fasern der Leinwand ein und verwandelte Bild und Oberfläche zu einer Einheit. Das erste Gemälde, das sie mit dieser Technik schuf, heißt Berge und Meer. Frankenthaler erzählte, dass sie gerade von einer Reise nach Nova Scotia zurückgekehrt war. Sie sagte, sie trage die schönen Landschaften dieses Ortes in ihrer Erinnerung und fühle, dass sie sie auch in ihren Armen halte. Sie wollte sie malen, war aber nicht daran interessiert, ihre Bilder einfach zu kopieren. Vielmehr wollte sie deren Wesen, ihren Geist durch abstrakte Mittel vermitteln. Über das, was sie erreichen wollte, sagte Frankenthaler: „Ich denke, es geht nicht um Natur oder Bild, sondern um Geist oder Empfindung, die durch eine Art abstrakte Projektion vermittelt werden kann.“
Indem sie ihre Leinwand auf den Boden legte, fand sie eine Möglichkeit, sich körperlich mit dem Werk zu verbinden, sodass die Bilder, die sie in ihren Armen trug, direkt hervortreten konnten wie Schweiß, der einem Bauern beim Pflügen des Feldes ausströmt. Durch das Verdünnen ihrer Farben erreichte sie mit Ölen und Acrylfarben dieselbe Durchsichtigkeit, die zuvor nur mit Aquarellen möglich war. Diese Durchsichtigkeit bot eine Möglichkeit, die Vergänglichkeit der Landschaften zu vermitteln, die sie nun nur noch in ihrer Erinnerung hatte. Indem sie die Leinwand nicht grundierte, ließ sie die Farbe ihren eigenen Weg bestimmen, gelenkt durch ihre Anregungen und Eingriffe, aber nicht vollständig von ihnen bestimmt. Es war ein revolutionärer Ansatz. Er wurde schnell von anderen Malern übernommen und von Kritikern als radikale Veränderung gefeiert, die seitdem meist in recht akademischen Begriffen diskutiert wird. Doch die Wurzeln der Technik lagen nicht in der Wissenschaft. Sie hatten nichts mit Moden oder Kunstgeschichte zu tun. Sie waren einfach intuitiv.
Helen Frankenthaler - Berge und Meer, 1952, Öl und Kohle auf ungrundierter Leinwand, 219,4 × 297,9 cm
Empfindung statt Erklärung
Die Auswahl der Werke in Wie in der Natur belegt, dass Frankenthaler weit weniger eine Akademikerin war, die die Malerei historisch vorantreiben wollte, sondern vielmehr eine nachdenkliche Künstlerin: jemand, der auf der Suche war, der säte, pflanzte, arbeitete und hoffte. Ein perfektes Beispiel ist das Gemälde Milkwood Arcade, eine atemberaubende, schiefe Komposition von Formen, die sich in einer Metamorphose zwischen Harmonie und Unordnung befinden. Wie viele ihrer Werke lädt dieses Gemälde dazu ein, einfach tief betrachtet zu werden, nicht um eine Erklärung zu finden, sondern um eine Empfindung zu erleben.
Und falls noch Zweifel bestehen sollten, dass Frankenthaler mehr von Gefühlen als von Wissenschaft geprägt war, beseitigt Wie in der Natur diese durch die Aufnahme so vieler Gemälde von enormem Format. Das beste Beispiel ist das monumentale Off White Square. Mit einer Höhe von über zwei Metern und einer Länge von sechseinhalb Metern ist es eher eine Umgebung als ein Bild. Wer darin steht, erlebt, wie Farbe sich in Gefühl verwandelt. In den Bereichen, in denen sich die Farbschichten ineinander aufgelöst haben, öffnet sich ein urtümliches Gefühl von Möglichkeit. Es beweist eindeutig, dass ihre bekannteste Technik zwar bahnbrechend war, für Frankenthaler aber nur ein Mittel zur abstrakten Projektion des Geistes und der Empfindung der Natur war.
Helen Frankenthaler - Milkwood Arcade, 1963, Acryl auf Leinwand, 219,7 x 205,1 cm
Keine Regeln: Helen Frankenthaler Holzschnitte
Keine Regeln, die gleichzeitige Ausstellung von Helen Frankenthaler Holzschnitten, leitet ihren Namen von einem vielleicht berühmtesten Zitat Frankenthalers ab: „Es gibt keine Regeln... so entsteht Kunst, so entstehen Durchbrüche. Gegen die Regeln verstoßen oder sie ignorieren, darum geht es bei Erfindungen.“ Genau dieser Geist der Erfindung führte Frankenthaler dazu, das Handwerk des Holzschnittdrucks völlig neu zu erfinden, um die spezifischen ästhetischen Qualitäten zu erreichen, die sie suchte. Traditionell zeichnen sich Holzschnittdrucke durch weiße Linien und scharfkantige Formen aus. Frankenthaler wollte jedoch eine Weichheit in ihren Holzschnitten erreichen, die dieselbe ätherische Schönheit vermitteln konnte, die sie aus ihren Gemälden herausholte. Um ihre Ziele zu erreichen, entwickelte sie ein individuelles Verfahren, das zeitaufwendig und komplex war. Die Ergebnisse waren spektakulär und sind in dieser Ausstellung vollständig zu sehen.
Keine Regeln beginnt mit Ost und darüber hinaus, dem ersten Holzschnittdruck, den Frankenthaler fertigstellte. Die sinnlichen Formen verschmelzen auf weiche, organische Weise ineinander. Die reichen, lebendigen Farben wirken fast wie gemalt. Es sieht ganz anders aus als jeder Holzschnitt, der ihm vorausging. Danach ist eine Auswahl von Holzschnitten zu sehen, die Frankenthaler in Zusammenarbeit mit zwei japanischen Meistern des Handwerks anfertigte, dem Holzschnitzer Reizo Monjyu und dem Drucker Tadashi Toda. Bei der Arbeit mit ihnen an traditionellen Techniken nahm Frankenthaler die Idee an, dass die Maserung des Holzes im Enddruck sichtbar bleibt. Anschließend bietet die Ausstellung einen Einblick in die bearbeiteten Papiere, mit denen Frankenthaler in den 1990er Jahren in Holzschnitten wie Freier Fall und Radius experimentierte. Schließlich endet die Ausstellung mit einigen der letzten und besten Holzschnitte Frankenthalers, darunter das monumentale Madame Butterfly, ein zwei Meter langes, 102-farbiges Holzschnitt-Tryptichon, das mit 46 einzelnen Holzplatten auf handgeschöpftem Papier gedruckt wurde.
Helen Frankenthaler - Madame Butterfly, 2000, 102-farbiger Holzschnitt von 46 Holzplatten, 106 x 201,9 cm
Erinnerung an eine Legende
Es sind fast sechs Jahre vergangen, seit Helen Frankenthaler gestorben ist. Obwohl sie eine der einflussreichsten amerikanischen Künstlerinnen des vergangenen Jahrhunderts war, wird ihr Vermächtnis ironischerweise oft durch genau den Durchbruch geschmälert, der ihre Karriere ins Rollen brachte. Im Jahr 1952, als sie ihr erstes „Soak-Stain“-Gemälde fertigstellte, suchten die verschiedenen Kräfte, die Trends setzen und Stars in der amerikanischen Kunstwelt hervorbringen, ebenfalls nach dem nächsten großen Ding. Abstrakte Expressionisten wie Jackson Pollock hatten fast ein Jahrzehnt Aufmerksamkeit für ihren aggressiven, pastosen, von Angst geprägten Arbeitsstil erhalten. Die erhabene, flächige, nachdenkliche Natur von Gemälden wie Berge und Meer machte Frankenthaler zum perfekten Gegengewicht. Doch diese einzelne Leistung war wirklich nur der Anfang einer Karriere, die viele große und kleine Wandlungen durchlief und ein Werk hervorbrachte, das weit mehr Beachtung verdient, als Frankenthaler bisher zuteilwurde.
Mit der gleichzeitigen Durchführung der beiden Ausstellungen Wie in der Natur und Keine Regeln hat das Clark einen eleganten Schritt unternommen, um die Legende Helen Frankenthalers zu erweitern. Zum einen zeigen diese beiden Ausstellungen Werke aus zwei überwiegend privaten Sammlungen – der William Louis-Dreyfus Stiftung und der Helen Frankenthaler Stiftung – sodass die meisten Werke zuvor noch nie gemeinsam öffentlich gezeigt wurden. Zum anderen zeigen die Ausstellungen durch die Auswahl großformatiger Werke das Ausmaß der körperlichen Arbeit, die in ihre Entstehung floss, etwas, das beim Betrachten eines einzelnen Gemäldes im Museum und besonders bei Bildern im Internet oft verloren geht. Drittens öffnen diese Ausstellungen die Tür für zukünftige Retrospektiven, die letztlich dazu beitragen können, Helen Frankenthaler als die produktive und facettenreiche Künstlerin zu würdigen, die sie war. Wie in der Natur: Helen Frankenthaler Gemälde ist bis zum 9. Oktober 2017 im Clark Art Institute zu sehen, und Keine Regeln: Helen Frankenthaler Holzschnitte bis zum 24. September 2017 in einem separaten Flügel desselben Gebäudes. Der Eintritt kostet 20 Dollar, ist jedoch für Mitglieder, Studierende mit gültigem Ausweis, Kinder unter 18 Jahren sowie Mitglieder des Clark-Bibliothekspassprogramms frei.
Helen Frankenthaler - Innenlandschaft, 1964, Acryl auf Leinwand, 266 x 236 cm, San Francisco Museum of Modern Art
Titelbild: Helen Frankenthaler -
Alle Fotos © 2017 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York, New York
Alle Bilder dienen nur zu Anschauungszwecken
Von Phillip Barcio
