Die wegweisende amerikanische Malerei: Die Achtziger Ausstellung, neu betrachtet

Im Jahr 2018 erklärte ich Who RU2 Day: Mass Media and the Fine Art Print im Cleveland Museum of Art zur wichtigsten Ausstellung in Amerika. Heute glaube ich erneut, dass die wichtigste amerikanische Ausstellung in einem Museum in Ohio stattfindet – diese trägt den Titel American Painting: The Eighties Revisited im Cincinnati Art Museum. Die Cleveland-Ausstellung war wichtig, weil sie die visuelle Literacy herausforderte, zu einer Zeit, als die Bildsättigung ihren höchsten Punkt erreichte und die menschliche Fähigkeit, visuelle Eindrücke in sinnvolle Gedanken und Handlungen zu übersetzen, ihren niedrigsten Punkt erreichte. Die aktuelle Ausstellung in Cincinnati ist aus ähnlichen Gründen wichtig. Sie stellt direkt die weit verbreitete Akzeptanz von narrativer, inhaltslastiger Kunst durch zeitgenössische Publikum in Frage und schlägt stattdessen den bleibenden Wert der Abstraktion vor. Wie der Titel andeutet, handelt es sich um eine Wiederbelebung einer Ausstellung, die vor mehr als 40 Jahren eröffnet wurde. Die Originalausstellung debütierte 1979 in der Grey Gallery der New York University und zeigte 41 Werke von 41 Künstlern, die zu dieser Zeit fast alle unbekannt waren. Die Kuratorin war die renommierte Kritikerin und Pädagogin Barbara Rose, die leider Ende Dezember 2020 an Brustkrebs starb, kurz bevor diese Hommage an ihre Weitsicht eröffnet wurde. Diese ursprüngliche Ausstellung wurde von Kritikern verrissen. Trotz der kritischen Empörung drückten viele Sympathisanten ihre Unterstützung aus, darunter eine Reihe von Kuratoren und Museumsdirektoren, die die umstrittene Ausstellung begeistert in mehr als einem Dutzend Städte weltweit zeigten. Die wichtigste Unterstützung kam von Ronnie und John Shore, einem Paar aus Cincinnati, das damals seit einem Jahrzehnt in das, was zu einem 53-jährigen Hobby des Kunstsammlens werden sollte, investierte. Da es ihnen wichtig war, dass eine Ausstellung von solch historischer Bedeutung intakt bleibt, und sie es für unerlässlich hielten, dass Künstler in materieller Unterstützung Ermutigung finden, kauften die Shores die gesamte Ausstellung. Ein Geschenk dieses Kaufs an das Cincinnati Art Museum machte die aktuelle Wiederbelebung der ursprünglichen Ausstellung möglich.

Die Kontroverse

Für einige Leser mag es absurd erscheinen, dass es einst umstritten war, einen Glauben an den Wert der abstrakten Kunst auszudrücken. Für viele andere klingt es jedoch sehr nach dem gleichen Widerstand, dem abstrakte Künstler auch heute noch ausgesetzt sind. Traditionalisten scheinen immer zu wollen, dass ihre Kunst Geschichten erzählt und leicht erkennbare Szenen der sogenannten realen Welt zeigt. Besonders unter den elitärsten Kunstförderern wurde immer geglaubt, dass der Zweck der Kunst darin besteht, ein Ideal dessen zu zeigen, was die menschliche Kultur wertschätzen und nachahmen sollte. Abstrakte Künstler stimmen diesem Glauben nicht unbedingt zu. Sie sind jedoch mit den Einschränkungen, Ideale durch Nachahmung auszudrücken, ganz sicher nicht einverstanden. Abstraktion ist ein Weg zu etwas Universellem; etwas Unsichtbarem; etwas, das mit bestehenden Lexika nicht ausgedrückt werden kann. Das ist ein schwieriger Weg für viele Menschen. Die Wirtschaft belohnt daher tendenziell Künstler, die den Massen einfache, klare Lektionen darüber anbieten, was sie lieben und hassen sollten.

Nancy Graves (1939–1995), Vereinigte Staaten, Strobia, 1978, Öl und Enkaustik auf Leinwand, Geschenk von Ronnie und John Shore, 2018.195, © 2019 Nancy Graves Foundation / Lizenziert von VAGA bei Artists Rights Society (ARS), NY

Abgesehen von der allgemeinen Komplexität der Abstraktion war die andere zentrale Beschwerde, die Kritiker über die ursprüngliche American Painting: The Eighties äußerten, dass die Künstler in der Ausstellung neu auf der Szene waren. Sie fragten sich, wie ein Kurator behaupten konnte, dass diese unbekannten Maler geeignete Vertreter der gesamten Nation zu diesem Zeitpunkt seien? Im Fall mehrerer Künstler – wie Elizabeth Murray, Sam Gilliam, Nancy Graves, Dennis Ashbaugh, Frances Barth, Howard Buchwald, Louisa Chase, Rachelle Epstein und Ron Gorchov – wurden sie tatsächlich sehr erfolgreich. Doch nicht jeder Künstler in der Ausstellung konnte dasselbe sagen. Viele ihrer Namen, das muss ich mit Bedauern sagen, sind mir heute völlig neu – wie Susan Crile, Elaine Lustig Cohen, Catharine Warren, Peter Pinchbeck und Susanna Tanger. Die Gemälde, die diese Künstler zur Ausstellung beigetragen haben, sehen jedoch schockierend frisch aus. Tatsächlich kann ich mehrere Künstler nennen, die seitdem ihren Stil kopiert haben. Sie sind vielleicht nicht berühmt geworden, aber sie waren eindeutig einflussreich.

Lois Lane (geb. 1948), Vereinigte Staaten, Unbetitelt, 1979, Öl auf Leinwand, Geschenk von Ronnie und John Shore, 2018.213

Die Visionärin Barbara Rose

Was Barbara Rose betrifft, so war das Letzte, was sie brauchte, eine Bestätigung von Kritikern. 1965, als sie erst 29 Jahre alt war, schrieb Rose einen der nachhaltigsten Essays, die je über den bleibenden Wert der abstrakten Kunst veröffentlicht wurden. Mit dem Titel ABC Art war es einer der frühesten kritischen Versuche, die Bewegung zu definieren, die später als Minimalismus bezeichnet werden sollte. Ganz anders als das Verständnis, das viele Kuratoren und Betrachter heute von Minimal Art haben – dass sie elegant, einfach, unaufdringlich und angenehm anzusehen ist – betrachtete Rose Minimal Art in ihrem besten Zustand als "schwierig, feindlich" und "ungeschickt". Sie nannte es eine "Kunst der Verleugnung und des Verzichts", die in einer fast mönchischen Askese verwurzelt ist. Sie beschrieb es als ein nicht-egoistisches, manchmal sogar mystisches Gegenmittel zur Pop Art und stellte es in eine Linie mit Philosophen, Romanautoren, Choreografen und Künstlern wie Kazimir Malevich und Marcel Duchamp.

Ron Gorchov (1930–2020), Vereinigte Staaten, Hexe, 1979, Öl auf Leinen, Geschenk von Ronnie und John Shore, 2018.219

Rose leistete zahlreiche weitere nachhaltige Beiträge zur Kunsttheorie. Sie prägte den Begriff Neo-Dada; schrieb einen einflussreichen Aufsatz, der Lee Krasner als die am meisten übersehene Vertreterin des Abstract Expressionism etablierte; unterrichtete Kunst sowohl für Gefangene als auch für Studenten an der Yale-Universität; schrieb über Abstraktion für die einflussreichsten Kunstpublikationen ihrer Zeit; und verfasste Monografien, die die Karrieren von fast zwei Dutzend weiblichen abstrakten Künstlerinnen dokumentieren. Ihre Qualifikationen in den 1980er Jahren waren ebenso unbestreitbar wie heute, aber sie wurde dennoch als radikal angesehen. Damals wie heute, denke ich, liebten die Menschen einfach figurative Kunst. Selbst heute wird die Geschichte der abstrakten Kunst selten in Schulen (einschließlich Kunstschulen) unterrichtet, und selbst wenn dies der Fall ist, wird ihre politische und soziale Relevanz von Professoren übergangen, die selbst nie angemessen unterrichtet wurden. Dennoch bleibt für unzählige Millionen von Zuschauern die Abstraktion ein beständiger, ja sogar wesentlicher Teil unserer Beziehung zur Kunst und zum Leben. Dank unerschrockener Sammler wie Ronnie und John Shore, mutiger Kuratoren wie Barbara Rose und mutiger Institutionen wie dem Cincinnati Art Museum, gedeiht dieser vitale Aspekt der menschlichen Kultur weiterhin.

Amerikanische Malerei: Die Achtziger Jahre neu betrachtet wird vom 12. März bis 11. Juli 2021 zu sehen sein, vorbehaltlich der lokalen COVID-19-Beschränkungen.

Vorschaubild: Sam Gilliam (geb. 1933), Vereinigte Staaten, Tequila, 1979, Acryl und Mischtechnik auf Leinwand, Geschenk von Ronnie und John Shore, 2018.194, © 2019 Sam Gilliam / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio