Die wegweisende amerikanische Malerei: Die Achtziger Ausstellung, neu betrachtet
Im Jahr 2018 erklärte ich Who RU2 Day: Mass Media and the Fine Art Print im Cleveland Museum of Art zur wichtigsten Ausstellung in Amerika. Heute glaube ich erneut, dass die bedeutendste amerikanische Ausstellung in einem Museum in Ohio stattfindet – diese trägt den Titel American Painting: The Eighties Revisited im Cincinnati Art Museum. Die Ausstellung in Cleveland war wichtig, weil sie die visuelle Kompetenz herausforderte, zu einer Zeit, als die Bildflut ihren höchsten Punkt erreichte und die menschliche Fähigkeit, Bilder in sinnvolle Gedanken und Handlungen umzusetzen, ihren tiefsten Stand hatte. Die aktuelle Ausstellung in Cincinnati ist aus ähnlichen Gründen bedeutsam. Sie stellt die weitverbreitete Akzeptanz von erzählerischer, inhaltsschwerer Kunst durch zeitgenössische Besucher direkt in Frage und schlägt stattdessen den bleibenden Wert der Abstraktion vor. Wie der Titel andeutet, handelt es sich um eine Neuauflage einer Ausstellung, die vor mehr als 40 Jahren eröffnet wurde. Die Originalausstellung wurde 1979 in der Grey Gallery der New York University gezeigt und präsentierte 41 Werke von 41 Künstlern, die damals fast alle unbekannt waren. Die Kuratorin war die renommierte Kritikerin und Pädagogin Barbara Rose, die leider Ende Dezember 2020 an Brustkrebs verstarb, kurz bevor diese Ehrung ihrer Weitsicht eröffnet wurde. Die ursprüngliche Ausstellung wurde von Kritikern zerrissen. Trotz des kritischen Aufschreis zeigten viele Sympathisanten ihre Unterstützung, darunter zahlreiche Kuratoren und Museumsdirektoren, die die umstrittene Ausstellung begeistert in mehr als einem Dutzend Städte weltweit begleiteten. Die wichtigste Unterstützung kam von Ronnie und John Shore, einem Paar aus Cincinnati, das damals bereits seit einem Jahrzehnt eine 53 Jahre währende Leidenschaft für das Sammeln von Kunst pflegte. Da sie es für wichtig hielten, eine Ausstellung von solcher historischer Bedeutung intakt zu erhalten, und es für wesentlich hielten, dass Künstler Ermutigung durch materielle Unterstützung erfahren, kauften die Shores die gesamte Ausstellung. Die Schenkung dieses Erwerbs an das Cincinnati Art Museum machte die heutige Neuauflage der Originalausstellung möglich.
Die Kontroverse
Manchen Lesern mag es absurd erscheinen, dass es einst umstritten war, an den Wert abstrakter Kunst zu glauben. Für viele andere klingt es jedoch sehr nach dem Widerstand, dem abstrakte Künstler auch heute noch begegnen. Traditionalisten wollen stets, dass ihre Kunst Geschichten erzählt und leicht erkennbare Szenen der sogenannten realen Welt zeigt. Besonders unter den elitären Kunstförderern herrschte immer die Überzeugung, dass der Zweck der Kunst darin besteht, ein Ideal dessen zu zeigen, was die menschliche Kultur wertschätzen und nachahmen sollte. Abstrakte Künstler widersprechen diesem Glauben nicht unbedingt. Sie lehnen jedoch die Beschränkungen ab, Ideale durch Nachahmung auszudrücken. Abstraktion ist ein Weg zu etwas Universellem; etwas Unsichtbarem; etwas, das sich mit bestehenden Sprachschätzen nicht ausdrücken lässt. Das ist für viele Menschen ein schwieriger Weg. Die Wirtschaft belohnt daher meist Künstler, die der breiten Masse einfache, klare Lektionen darüber bieten, was sie lieben und hassen sollen.
Nancy Graves (1939–1995), Vereinigte Staaten, Strobia, 1978, Öl und Enkaustik auf Leinwand, Geschenk von Ronnie und John Shore, 2018.195, © 2019 Nancy Graves Foundation / Lizenziert von VAGA bei Artists Rights Society (ARS), NY
Abgesehen von der allgemeinen Komplexität der Abstraktion war die zentrale Kritik an der ursprünglichen Ausstellung American Painting: The Eighties, dass die Künstler der Ausstellung neu auf der Szene waren. Man fragte sich, wie ein Kurator behaupten könne, dass diese unbekannten Maler geeignete Vertreter der gesamten Nation zu diesem Zeitpunkt seien? Bei mehreren der Künstler – wie Elizabeth Murray, Sam Gilliam, Nancy Graves, Dennis Ashbaugh, Frances Barth, Howard Buchwald, Louisa Chase, Rachelle Epstein und Ron Gorchov – traf dies tatsächlich zu, sie wurden sehr erfolgreich. Doch nicht jeder Künstler der Ausstellung kann dasselbe von sich sagen. Viele ihrer Namen sind mir, ich muss es zugeben, bis heute völlig unbekannt – wie Susan Crile, Elaine Lustig Cohen, Catharine Warren, Peter Pinchbeck und Susanna Tanger. Dennoch wirken die Gemälde, die diese Künstler zur Ausstellung beitrugen, überraschend frisch. Tatsächlich kann ich mehrere Künstler nennen, die ihren Stil später kopierten. Sie wurden vielleicht nicht berühmt, waren aber eindeutig einflussreich.
Lois Lane (geb. 1948), Vereinigte Staaten, Untitled, 1979, Öl auf Leinwand, Geschenk von Ronnie und John Shore, 2018.213
Die visionäre Barbara Rose
Barbara Rose brauchte die Bestätigung von Kritikern am wenigsten. 1965, als sie erst 29 Jahre alt war, schrieb Rose einen der dauerhaftesten Essays über den bleibenden Wert abstrakter Kunst. Mit dem Titel ABC Art war es einer der frühesten kritischen Versuche, die Bewegung zu definieren, die später Minimalismus genannt wurde. Ganz anders als das Verständnis vieler Kuratoren und Betrachter von Minimal Art heute – dass sie elegant, einfach, unaufdringlich und angenehm anzusehen sei – betrachtete Rose Minimal Art in ihrer besten Form als „schwierig, feindselig“ und „ungelenk“. Sie nannte sie eine „Kunst der Verneinung und des Verzichts“, verwurzelt in einer fast mönchischen Askese. Sie beschrieb sie als eine nicht egoistische, mitunter sogar mystische Gegenbewegung zur Pop Art und ordnete sie in eine Linie ein, die Philosophen, Schriftsteller, Choreografen und Künstler wie Kazimir Malevich und Marcel Duchamp einschloss.
Ron Gorchov (1930–2020), Vereinigte Staaten, Witch, 1979, Öl auf Leinen, Geschenk von Ronnie und John Shore, 2018.219
Rose leistete zahlreiche weitere nachhaltige Beiträge zur Kunsttheorie. Sie prägte den Begriff Neo-Dada; schrieb einen einflussreichen Aufsatz, der Lee Krasner als die meist übersehene abstrakte Expressionistin etablierte; unterrichtete Kunst sowohl für Gefangene als auch für Studierende an der Yale-Universität; schrieb über Abstraktion für die einflussreichsten Kunstpublikationen ihrer Zeit; und verfasste Monografien, die die Karrieren von fast zwei Dutzend weiblichen abstrakten Künstlerinnen dokumentierten. Ihre Verdienste in den 1980er Jahren waren ebenso unbestreitbar wie heute, doch galt sie dennoch als radikal. Damals wie heute, so vermute ich, liebten die Menschen einfach figürliche Kunst. Selbst heute wird die Geschichte der abstrakten Kunst selten in Schulen (einschließlich Kunstschulen) gelehrt, und selbst wenn, wird ihre politische und gesellschaftliche Bedeutung von Lehrenden übergangen, die selbst nie ausreichend unterrichtet wurden. Dennoch bleibt Abstraktion für unzählige Millionen Betrachter ein beständiger, ja wesentlicher Teil unserer Beziehung zu Kunst und Leben. Dank unerschrockener Sammler wie Ronnie und John Shore, mutiger Kuratoren wie Barbara Rose und beherzter Einrichtungen wie dem Cincinnati Art Museum gedeiht dieser wichtige Aspekt der menschlichen Kultur weiterhin.
American Painting: The Eighties Revisited ist vom 12. März bis zum 11. Juli 2021 zu sehen, vorbehaltlich lokaler COVID-19-Beschränkungen.
Titelbild: Sam Gilliam (geb. 1933), Vereinigte Staaten, Tequila, 1979, Acryl und Mischtechnik auf Leinwand, Geschenk von Ronnie und John Shore, 2018.194, © 2019 Sam Gilliam / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
