Was wir über die Gemälde von Alexander Calder wissen müssen

Alexander Calder wird am häufigsten mit der Einführung des Mobiles in die bildende Kunst in Verbindung gebracht. Seine verspielten, beweglichen Skulpturen wiegen sich schon bei der leisesten Brise und verwandeln sich in unzählige neue Konfigurationen. Weniger bekannt sind die hunderten von Alexander Calders Gemälden und tausenden von Drucken, die ebenfalls zu Recht einen ehrwürdigen Platz in bedeutenden Museen weltweit einnehmen. Calder betrachtete sich selbst nicht als großen Maler. Er widmete sich der zweidimensionalen Arbeit eher als eine erforschende Geste, als eine Möglichkeit, Ideen über Farbe, Raum und Komposition zu untersuchen. Dennoch, auch wenn es nicht sein Hauptfokus war, ordnet und kontextualisiert sein malerisches Werk brillant seine Vorstellungen von Bewegung und den Beziehungen der Objekte innerhalb dessen, was er das System des Universums nannte.

Frühe Gemälde von Alexander Calder

Alexander Calder wurde in eine künstlerische Familie geboren. Sein Vater war Bildhauer, und die ersten Kunstwerke, die Calder schuf, entstanden im Kelleratelier seines Vaters. In der Überzeugung, dass es zu einer Karriere im Herstellen von Dingen führen würde, studierte Calder Maschinenbau. Doch eines Tages im Jahr 1924, während er als Ingenieur im Nordwesten des Pazifiks arbeitete, fiel ihm der Blick auf drei schneebedeckte Berggipfel, und er verspürte den Drang, sie zu malen. Er schrieb nach Hause und bat um Malutensilien, die ihm seine Mutter schickte. Im folgenden Jahr fand er sich in New York wieder, wo er Malunterricht an der Art Students League nahm.

Alexander Calder - Das fliegende Trapez, 1925. Öl auf Leinwand. © Alexander Calder

Im Unterricht lernte Calder, realistische Motive zu malen, wofür er ein natürliches Talent besaß. Schnell erhielt er eine Stelle als Zeitungsillustrator. Doch die Anziehungskraft dieser Arbeit war nicht stark genug, um ihn zu fesseln, und 1926 zog er nach Paris. Dort knüpfte er Kontakte zu den Avantgarde-Künstlern der Zeit. 1930, während eines Atelierbesuchs beim Maler Piet Mondrian, sagte Calder, habe er die Abstraktion entdeckt. „Besonders beeindruckt war ich von einigen Farbrechtecken, die er an seine Wand geheftet hatte,“ erklärte Calder. „Ich ging nach Hause und versuchte abstrakt zu malen.“

Unbenanntes abstraktes Gemälde, das Calder 1930 nach einem Atelierbesuch bei Mondrian schuf. © Alexander Calder

Beziehungen im Raum

Calder erkannte schnell, dass seine Gemälde nicht die gewünschte Wirkung erzielten, nämlich Bewegung zu schaffen. So kehrte er dazu zurück, die meiste Zeit im Atelier im dreidimensionalen Raum zu arbeiten. Dennoch malte er hier und da weiter, stets bemüht, Kompositionen zu schaffen, die sich zu bewegen schienen. Er ließ sich vom gesamten Universum inspirieren; besonders von den Beziehungen, die Körper im Raum zueinander und zu ihrer Umgebung haben. Er beschränkte seine Farbpalette meist auf Schwarz, Weiß und Rot und bemerkte, dass er, wenn er könnte, nur Rot verwenden würde. „Die Sekundärfarben und Zwischenstufen dienen nur dazu, die Deutlichkeit und Klarheit zu verwirren und zu trüben“, sagte er.

Unbenanntes abstraktes Gemälde, das Calder 1930 nach einem Atelierbesuch bei Mondrian schuf. © Alexander Calder

Die Formen, auf die er sich in seinen abstrakten Gemälden hauptsächlich stützte, waren Kreise, Kugeln und Scheiben, die, so sagte er, „mehr darstellen als nur das, was sie sind.“ Aber er schuf auch eine eigene Formensprache, die Dreiecken, Ambossen und Bumerangs ähnelte. Diese Formen nannte er Kugeln, nur „Kugeln anderer Gestalt.“ Er rundete sie ab und versuchte, ihnen einen Sinn für Dynamik zu verleihen, als befänden sie sich im Übergang. Die einzige Form, die er zögerte zu verwenden, war das Rechteck, mit den Worten: „Ich benutze keine Rechtecke – sie halten an. Manchmal schon, aber nur, wenn ich blockieren, die Bewegung verstopfen will.“

Alexander Calder - Unbenannt, 1942. Gouache und Tusche auf Papier. © Alexander Calder (links) / Alexander Calder - Fetische, 1944. Öl auf Leinwand. © Alexander Calder (rechts)

Abstrakte Wirklichkeit

Obwohl die meisten Menschen seine Gemälde als abstrakt ansehen, betrachtete Calder sich selbst als realistischen Maler. Er sagte: „Wenn du dir etwas vorstellen kannst, es im Raum heraufbeschwörst – dann kannst du es machen, und sofort bist du ein Realist.“ Dennoch wusste er, dass durch seine Arbeit etwas Abstraktes vermittelt wurde. Er war sich der Grenzen des zweidimensionalen Raums bei der Darstellung seiner Ideen bewusst, fühlte sich aber zufrieden, solange die Betrachter angeregt wurden, nach eigenen Bedeutungen zu suchen. Er sagte: „Dass andere erfassen, was ich im Sinn habe, scheint unwesentlich, zumindest solange sie etwas anderes in ihrem Sinn haben.“

Alexander Calder - Unparteiische Formen, 1946. Öl auf Leinwand. © Alexander Calder

Im Laufe seiner Karriere blieb Calder flexibel gegenüber seinem eigenen Verständnis der Formen und Kompositionen in seinen Gemälden. Diese Flexibilität wird gut durch die Gegenüberstellung zweier ähnlicher Gemälde vermittelt, die er zehn Jahre auseinander schuf und deren Titel die sich entwickelnde Beziehung Calders zu den Möglichkeiten seiner Arbeit offenbaren. Das erste, entstanden 1946, trägt den Titel Unparteiische Formen. Das zweite, von 1956, enthält fast dieselbe Formensprache, doch diesmal ist die Unparteilichkeit verschwunden. Stattdessen trägt das Gemälde den Titel Santos, das spanische Wort für Heilige.

Alexander Calder - Santos, 1956. Öl auf Sperrholz. © Alexander Calder

Titelbild: Alexander Calder - Weltraumtunnel (Detail), 1932. Aquarell und Tusche auf Papier. © Alexander Calder
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio