Als Piero Manzoni abstrakte Kunst mit Achromen schuf
Am 14. Februar 2019 eröffnet Hauser & Wirth Los Angeles eine Ausstellung, die sich auf die „Achrome“ von Piero Manzoni konzentriert. Unter dem Titel Piero Manzoni: Materialien seiner Zeit und kuratiert von Rosalia Pasqualino di Marineo, Direktorin der Piero Manzoni Stiftung in Mailand, bietet die Ausstellung dem US-Publikum eine seltene Gelegenheit, einem legendären Werk der Konzeptkunst direkt gegenüberzustehen. Begonnen im Jahr 1957, waren die Achrome maßgeblich daran beteiligt, die italienische Avantgarde während des sogenannten „italienischen Wirtschaftswunders“ zu beflügeln – einer Zeit des Wiederaufbaus nach dem Zweiten Weltkrieg, in der sich das tägliche Leben und der Lebensstandard der Italiener schneller und dramatischer veränderten als je zuvor. Es war eine Zeit, in der Millionen von Wirtschaftsmigranten vom Land in die Städte strömten, was unwiderrufliche Veränderungen in Architektur, Verkehrsfluss, Ess- und Trinkgewohnheiten und natürlich Kunst und Kultur mit sich brachte. Manzoni, geboren 1933, fand inmitten dieser Zeit zu seiner künstlerischen Reife. Seine zerrissene Welt war geprägt von Trauma, Unsicherheit und einer allgegenwärtigen Angst vor einem Atomkrieg. Seine erste Ausstellung, die 1956 stattfand, bestand aus eindringlichen, figurativen Gemälden alltäglicher Gegenstände, die zu Schatten reduziert waren und vor Hintergründen mit feurigen, radioaktiven Leuchterscheinungen standen. Doch alles an seiner Methode änderte sich 1957, als eine Ausstellung mit blauen Monochrom-Gemälden von Yves Klein nach Mailand kam. Manzoni sah die Ausstellung als Aufruf zum Handeln. Er gab die Suche nach dem gemalten Bild auf und widmete sich stattdessen der Suche nach dem, was als wahre Kunst gelten konnte, oder Kunst, die die Originalität und Zeitlosigkeit der Natur verkörpert. Seine Achrome waren ein erster Schritt zu etwas völlig Neuem. Sie führten Manzoni zur Entwicklung aller anderen Werkgruppen, die er schuf, und ebneten ihm den Weg, einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts zu werden.
Die farblose Oberfläche
Manzoni stellte und zeigte bereits seit zwei Jahren feste weiße Kunstwerke – was wir heute seine „Achrome“-Serie nennen – bevor er 1959 schließlich den Namen „Superfici Acrome“ oder Farblose Oberfläche prägte. Der Name ist ironisch. Wissenschaftler betrachten das Fehlen von Farbe als Schwarz, nicht als Weiß, da Farbe Licht benötigt, um wahrgenommen zu werden, und Schwarz sämtliches Licht absorbiert. Die frühesten sogenannten Farblose Oberflächen, die Manzoni schuf, entstanden einfach dadurch, dass er Leinwände mit weißem Gesso bedeckte, einem kreideweißen Pigment, das Maler normalerweise verwenden, um eine Oberfläche für die Malerei vorzubereiten. Indem er einfach Gesso auf eine Leinwand auftrug und das Werk als vollendet erklärte, übertraf Manzoni Yves Klein, der viel erreicht hatte, indem er die Malerei auf einen einzigen Farbton reduzierte, aber dennoch Raum für Vereinfachung ließ.
Piero Manzoni - Achrome, 1961. Synthetische Faser. 42 x 33 cm / 16 1/2 x 13 Zoll. Herning Museum für Zeitgenössische Kunst (HEART). Foto: Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Mailand
Doch selbst nachdem er den Farbton ganz eliminiert hatte, stellte Manzoni fest, dass die Handschrift seiner Hand im Werk noch sichtbar war, da er das Gesso auf die Oberfläche aufgetragen hatte. Er sehnte sich nach etwas Unnachahmlichem, wirklich Originellem, was bedeutete, dass er sich selbst aus dem Werk herausnehmen und der Natur erlauben musste, sich frei von seinem Eingreifen auszudrücken. Für seine nächsten Achrome goss er flüssigen Kaolin, eine weiße tonartige Substanz, auf rohe Leinwandbahnen und ließ das Gewicht des Materials die Oberfläche nach Belieben formen. Mit der Zeit bewirkte das Material, dass sich die Oberfläche faltete und verzog, ähnlich wie das von Wasser geformte Flussbett oder die vom Wind gepeitschten Dünen einer Sandwüste. Doch selbst dieser Eingriff schien Manzoni zu viel. Auf der Suche nach einem Achrome, das jeglichen Hinweis auf seine Anwesenheit vollständig verbarg, bedeckte er Brötchen mit Kaolin, bestrich Polystyrolplatten mit phosphoreszierender Farbe und nähte Leinwandstücke zu einem Raster zusammen. Seine erfolgreichsten Versuche waren vielleicht die Achrome, die bereits weiße Materialien wie Baumwolle, Glasfaser und Kaninchenfell verwendeten. Für diese ordnete er einfach Kompositionen an und ließ das Material für sich sprechen.
Piero Manzoni - Achrome, 1961. Quadratisches Baumwollvlies und Kobaltblauchlorid. 56,2 x 47,2 cm / 22 1/8 x 18 5/8 Zoll. Herning Museum für Zeitgenössische Kunst (HEART). Foto: Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Mailand
Wirklich wahr
Was Manzoni mit seinen „Superfici Acrome“ erreichen wollte, war etwas, das wirklich wahr ist: der künstlerische Ausdruck einer Tautologie – etwas so Originelles, dass es seine innewohnende Wahrheit für immer und immer wiederholt ausdrückt, unabhängig davon, wie jemand darauf reagiert. Die Schwerkraft ist tautologisch, ebenso wie der Lauf der Zeit. Sie ist unbestreitbar, authentisch und völlig einzigartig. Einige Künstler halten die Schaffung tautologischer Kunst für ein vergebliches, unmögliches Ziel. Sie glauben, dass sobald eine menschliche Idee in der physischen Welt Gestalt annimmt, sie ihre Künstlichkeit offenbart und eher eine Parodie der Natur und Wahrheit wird als deren Vertreterin. Manzoni war jedoch nicht so zynisch. Er glaubte, dass es möglich sei, unvergleichliche Kunstwerke zu schaffen, und neben seinen Achromen strebte er dieses Ziel mit mehreren anderen Werkgruppen an.
Piero Manzoni - Achrome, um 1960. Watte. 31 x 25 cm / 12 1/4 x 9 7/8 Zoll. Mit freundlicher Genehmigung der Fondazione Piero Manzoni, Mailand und Hauser & Wirth. Foto: Genevieve Hanson. © Fondazione Piero Manzoni, Mailand
In einer Serie namens „Fiato d'Artista“ (Atem eines Künstlers) verkaufte er Luftballons, die entweder vom Käufer oder vom Künstler aufgeblasen werden konnten, wobei der Preis im zweiten Fall entsprechend stieg. Der in jedem Ballon eingeschlossene Atem war nicht reproduzierbar, und die genaue Größe und Form jedes Ballons war einzigartig. Am besten war, dass diese Werke mit der Zeit verblassten und schließlich ihr kostbares Gut durch einen natürlichen Selbstzerstörungsprozess freisetzten. In einer anderen Serie namens „Konsum von Kunst durch das kunstverschlingende Publikum“ druckte Manzoni seinen eigenen Fingerabdruck auf Eier, die er dann die Betrachter mit ihm gemeinsam verzehren ließ. Für seine „Sculture viventi“ (Lebende Skulpturen) verpflichtete er Menschen, ihm zu erlauben, ihre Körper zu signieren. Und im Fall seiner berüchtigtsten Serie, „Merda d’Artista“ (Künstlerscheiße), trocknete und verpackte Manzoni 90 Dosen seines eigenen Exkrements und verkaufte sie zum aktuellen Goldpreis. Vielleicht kam Manzoni seinem Ziel der Unnachahmlichkeit am nächsten, als er den „Socle du Monde“ (Sockel der Welt) schuf, einen umgedrehten Sockel, der auf einem Feld in Dänemark aufgestellt wurde. Indem er die ganze Welt als Kunstwerk präsentierte, legt dieses Werk nahe, dass nur durch die Anerkennung der letzten Autorität der Natur ein Künstler deren Wahrheit wirklich ausdrücken kann.
Piero Manzoni Materialien seiner Zeit ist vom 14. Februar bis zum 7. April 2019 bei Hauser & Wirth Los Angeles zu sehen.
Titelbild: Piero Manzoni - Achrome, 1961. Stroh, reflektierendes Pulver und Kaolin, verbrannte Holzbasis. 68,3 x 45,8 x 44,5 cm / 26 7/8 x 18 x 17 1/2 Zoll. Herning Museum für Zeitgenössische Kunst (HEART). Foto: Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Mailand
Von Phillip Barcio
