Die menschlichen Skulpturen von Jonathan Borofsky
Als er in den 1960er Jahren seine Kunstkarriere begann, strebte Jonathan Borofsky danach, einen Weg zu finden, Minimalismus mit Pop Art zu vereinen; um im Wesentlichen abstrakte Konzepte wie Reinheit und Einfachheit mit einer visuellen Sprache zu verbinden, die eine breite Anziehungskraft haben könnte. Im Laufe der Jahre durchlief Borofsky zahlreiche unterschiedliche Werkgruppen auf der Suche nach diesem schwer fassbaren Ziel. Eine Idee, die er verfolgte, bezog sich auf Zahlen, von denen er glaubt, dass sie eine Art quasi-spirituelle Kraft besitzen: Sie verbinden Menschen, Orte und Dinge auf konkrete Weise und bestimmen jeden Aspekt der physischen und metaphysischen Bereiche. Jahrelang schrieb Borofsky jeden Tag seine wachsende Zahl auf und schuf mehrere Kunstwerke, die einfach die Zahl angaben, bei der er sich zu einem bestimmten Zeitpunkt befand. Er signierte andere Kunstwerke, die scheinbar nichts mit Zahlen zu tun hatten, nicht mit seiner Unterschrift, sondern mit seiner numerischen Zählung vom Tag, an dem das Werk fertiggestellt wurde. Neben seiner Zahlenreihe schuf Borofsky ein Werk, das auf einfachen, textbasierten Erklärungen beruhte, die auf zweidimensionalen Oberflächen, wie Schildern, gemacht wurden. Eine andere Werkgruppe stellte Bilder und Objekte nach, die Borofsky in seinen Träumen sah. Jedes dieser Experimente berührte auf unterschiedliche Weise Konzepte von Abstraktion und Figuration. Jedes war auf seine eigene Weise sowohl hochkonzeptionell als auch völlig wörtlich. Doch keines erreichte wirklich das, wonach er sich sehnte – eine Verkörperung von Minimalismus und Pop Art, die sofort verstanden werden konnte. Borofsky erreichte schließlich sein Ziel, indem er sich auf das vielleicht unauffälligste Thema konzentrierte, das man sich vorstellen kann: die menschliche Form. Begonnen mit kleinen Skulpturen für Galerien, über komplexe Installationen mit Hunderten von menschlichen Formen, bis hin zur Ausweitung in den öffentlichen Raum, hat Borofsky einen massiven Bestand an menschlichen Skulpturen geschaffen. Viele der Betrachter, die diesen Skulpturen begegnen, lesen sie als straightforward figurative Werke, und doch finden viele andere in ihnen auch Qualitäten, die die umfangreichen und komplexen Geheimnisse der unsichtbaren Welt offenbaren.
Material und bildliche Essenz
Eine der offensichtlichsten Möglichkeiten, wie Borofsky die Methoden des Minimalismus mit denen der Pop Art vereinte, besteht darin, seinen menschlichen Skulpturen eine prägnante materielle Essenz zu verleihen. Materialien und Prozesse sind zentrale Aspekte der minimalistischen Ethik. Künstler wie Donald Judd schätzten industrielle Materialien wie Metall, Kunststoff und Beton wegen ihrer unpersönlichen Qualitäten, die von Natur aus Virtuosität ablehnten, indem sie die "Hand des Künstlers" verschleierten. Industrielle Prozesse werden von minimalistischen Künstlern ebenfalls bevorzugt, da sie die Kunst demokratisieren. Anstatt dass ein Kunstwerk wegen seiner Seltenheit verehrt wird, kann es für die Tatsache geschätzt werden, dass es endlos reproduziert werden könnte – ein wahrer Ausdruck des modernen Zeitalters. Neben der Niederlage von Virtuosität und Seltenheit befürwortet der Minimalismus auch Einfachheit und strebt danach, Reinheit durch die Eliminierung überflüssiger Details zu erreichen. Obwohl seine menschlichen Skulpturen eine Vielzahl von physischen und visuellen Qualitäten annehmen, achtet Borofsky stets darauf, industrielle Materialien und Prozesse auszuwählen und seine Formen zu vereinfachen, um sicherzustellen, dass das Werk diese drei minimalistischen Ideale ausdrückt: Demokratie, Fülle und Reinheit.
Jonathan Borofsky - Walking Man, 17 Meter hoch, innere Struktur aus Stahl mit äußeren Schale aus Fiberglas. Dauerhafte Installation, Munich Re Gebäude, München, Deutschland, 1995. © Jonathan Borofsky
Ein wesentlicher Unterschied zwischen Pop Art und Minimalismus besteht darin, dass Minimalisten fast ausschließlich nicht-narrative, nicht-figurative Werke schaffen, während Pop-Künstler tendenziell das genaue Gegenteil tun und dreist narrative, figurative Inhalte direkt aus der Populärkultur übernehmen. In der allgemeinsten Weise kann die menschliche Figur als das ultimative Beispiel für appropriierte kulturelle Themen betrachtet werden. Aber Borofsky hört dort nicht auf. Für seine menschlichen Skulpturen sucht er nach bestimmten Manifestationen der menschlichen Figur, die auf andere Weise mit der Populärkultur in Verbindung stehen, und fügt dem Werk Schichten hinzu, die sich nicht nur auf die Menschheit im Allgemeinen beziehen, sondern auch auf spezifische menschliche Momente. Häufig offenbaren die narrativsten Elemente in den Arbeiten die verborgensten und manchmal zynischsten Aspekte der menschlichen Natur. Zum Beispiel verweist eine menschliche Skulptur, die er einmal in Los Angeles installiert hat, auf Athleten, die sich nach einem Spiel umarmen. Teil der Serie „Molecule Men“ zeigt die Skulptur Hunderte von Löchern, die durch die Formen gestochen wurden. Ein Kritiker interpretierte es grob als ein Denkmal für Drive-by-Shootings, indem er die Löcher als Einschusslöcher sah und annahm, dass das verdunkelte Metall eine Aussage über Rasse war.
Jonathan Borofsky - Menschen-Turm. 20 Meter hoch, lackierter Stahl. Dauerinstallation, Olympiapark, Peking, China, 2008. © Jonathan Borofsky
Alles über Beziehungen
In gewisser Hinsicht könnte man sagen, dass Borofsky mit seinen menschlichen Skulpturen das gesamte Spektrum menschlicher Potenzialität imitiert oder zumindest versucht zu imitieren. Selbst wenn er eine spezifische menschliche Handlung herausgreift, wie bei seinen „Hammering Man“-Skulpturen, die eine Person zeigen, die mit der alltäglichen Arbeit beschäftigt ist, gelingt es ihm, beide Extreme des Spektrums menschlicher Kultur hervorzurufen. In materieller Hinsicht ist der „Hammering Man“ äußerst schlicht. In Bezug auf seine Größe und potenziellen politischen Auswirkungen ist er jedoch potenziell prunkvoll. Indem er die Kombination beider Extreme innerhalb des Rahmens der menschlichen Figur präsentiert, lädt Borofsky die Betrachter ein, nicht nur darüber nachzudenken, was die Skulptur ist, sondern auch, was sie für sie bedeutet. Diese breite soziale Aussage spiegelt die Worte von Walt Whitman wider: „Ich enthalten Multituden.“
Jonathan Borofsky - Hammering Man, Seattle Art Museum. © Jonathan Borofsky
Am faszinierendsten ist, wie die Elemente, die in den Human Sculptures am abstraktesten sind, oft am meisten dazu beitragen, die öffentliche Erzählung zu beeinflussen, die sich um das Werk entwickelt. Im Fall der zuvor erwähnten Skulptur in Los Angeles wurden Farbe und Form – zwei der abstraktesten Elemente des Stücks – wichtiger als die wahre Geschichte hinter dem Werk. In der Zwischenzeit zeigen andere Werke, wie die in der Serie „People Walking to the Sky“, massive silberne diagonale Stangen, auf denen kleine menschliche Formen nach oben gehen. Das narrative Thema ist leicht nachvollziehbar, aber was dem Werk seine Kraft und Präsenz verleiht, sind seine starken linearen Qualitäten und sein metallischer Glanz. Diese Aspekte definieren die Beziehung des Werks zur umgebenden Architektur. Sie definieren auch seine Beziehung zu den Betrachtern, da wir erkennen, dass das, was wir wirklich betrachten, ein Spiegelbild von uns selbst ist. Wir sind die, die einen Fußweg überqueren, der leicht beschrieben werden kann, während wir fröhlich ins Unbekannte marschieren.
Vorgestelltes Bild: Jonathan Borofsky - Menschliche Strukturen und das Licht des Bewusstseins. Frederik Meijer Gärten & Skulpturenpark - 30. Januar - 10. Mai 2009. © Jonathan Borofsky
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
