Die menschlichen Skulpturen von Jonathan Borofsky

Als er in den 1960er Jahren seine Künstlerlaufbahn begann, strebte Jonathan Borofsky danach, Minimalismus und Popkunst zu vereinen; im Grunde abstrakte Vorstellungen wie Reinheit und Einfachheit mit einer Bildsprache zu verbinden, die breite Anziehungskraft besitzen konnte. Im Laufe der Jahre durchlief Borofsky zahlreiche unterschiedliche Werkgruppen auf der Suche nach diesem schwer fassbaren Ziel. Eine Idee, der er nachging, bezog sich auf Zahlen, denen er eine Art quasi-spirituelle Kraft zuschreibt: Sie verbinden Menschen, Orte und Dinge auf konkrete Weise und bestimmen jeden Aspekt der physischen und metaphysischen Bereiche. Jahrelang notierte Borofsky täglich seine wachsende Zählung und schuf mehrere Kunstwerke, die einfach die Zahl angaben, bei der er sich zu einem bestimmten Zeitpunkt befand. Andere Werke, die scheinbar nichts mit Zahlen zu tun hatten, signierte er nicht mit seiner Unterschrift, sondern mit seiner numerischen Tageszählung vom Tag der Fertigstellung. Neben seiner Zahlenreihe schuf Borofsky eine Werkgruppe, die auf einfachen, textbasierten Aussagen auf zweidimensionalen Flächen, wie Schildern, basierte. Eine weitere Werkgruppe stellte Bilder und Gegenstände nach, die Borofsky in seinen Träumen sah. Jedes dieser Experimente berührte auf unterschiedliche Weise Vorstellungen von Abstraktion und Figuration. Jedes war auf seine Weise sowohl hochkonzeptuell als auch völlig wörtlich. Doch keines erreichte wirklich das, wonach er sich sehnte – eine Verkörperung von Minimalismus und Popkunst, die sofort verstanden werden konnte. Borofsky erreichte sein Ziel schließlich, indem er sich auf vielleicht das unscheinbarste Thema überhaupt konzentrierte: die menschliche Gestalt. Beginnend mit kleinen Skulpturen für Galerien, über komplexe Installationen mit Hunderten von menschlichen Figuren, bis hin zur Ausweitung in den öffentlichen Raum, hat Borofsky ein umfangreiches Werk menschlicher Skulpturen geschaffen. Viele Betrachter lesen diese Skulpturen als einfache figürliche Werke, und doch finden viele andere, ganz im Sinne seiner Absicht, in ihnen Eigenschaften, die die reichen und komplexen Geheimnisse der unsichtbaren Welt offenbaren.

Material und bildnerisches Wesen

Eine der offensichtlichsten Arten, wie Borofsky die Methoden des Minimalismus mit denen der Popkunst vereinte, besteht darin, seinen menschlichen Skulpturen eine prägnante materielle Essenz zu verleihen. Materialien und Verfahren sind zentrale Aspekte der minimalistischen Geisteshaltung. Künstler wie Donald Judd schätzten industrielle Materialien wie Metall, Kunststoff und Beton wegen ihrer unpersönlichen Eigenschaften, die von Natur aus Virtuosität ablehnen, indem sie die „Hand des Künstlers“ verbergen. Industrielle Verfahren werden von minimalistischen Künstlern ebenfalls bevorzugt, weil sie die Kunst demokratisieren. Anstatt ein Kunstwerk wegen seiner Seltenheit zu verehren, kann es für die Tatsache geschätzt werden, dass es endlos reproduziert werden kann – ein wahrer Spiegel der Moderne. Neben der Ablehnung von Virtuosität und Seltenheit befürwortet der Minimalismus auch Einfachheit und strebt Reinheit durch das Weglassen überflüssiger Details an. Obwohl seine menschlichen Skulpturen eine große Vielfalt an physischen und visuellen Eigenschaften annehmen, achtet Borofsky stets darauf, industrielle Materialien und Verfahren zu wählen und seine Formen zu vereinfachen, um sicherzustellen, dass die Werke jene drei minimalistischen Ideale ausdrücken: Demokratie, Fülle und Reinheit.

Jonathan Borofsky - Gehender Mann, 17 Meter hoch, Stahl-Innenstruktur mit Fiberglas-Außenschale. Dauerinstallation, Munich Re Gebäude, München, Deutschland, 1995. © Jonathan Borofsky

Ein wesentlicher Unterschied zwischen Popkunst und Minimalismus besteht darin, dass Minimalisten fast ausschließlich nicht-narrative, nicht-figürliche Werke schaffen, während Popkünstler genau das Gegenteil tun und frech narrative, figürliche Inhalte direkt aus der Populärkultur übernehmen. In der allgemeinsten Form kann die menschliche Gestalt als das ultimative Beispiel für entlehntes kulturelles Sujet betrachtet werden. Doch Borofsky geht darüber hinaus. Für seine menschlichen Skulpturen sucht er nach besonderen Erscheinungsformen der menschlichen Gestalt, die auf andere Weise mit der Populärkultur in Verbindung stehen, und fügt den Werken Schichten hinzu, die sich nicht nur auf die Menschheit im Allgemeinen, sondern auf spezifische menschliche Momente beziehen. Häufig offenbaren die narrativsten Elemente im Werk die verborgensten und manchmal zynischsten Aspekte der menschlichen Natur. So verweist eine menschliche Skulptur, die er einst in Los Angeles aufstellte, auf Sportler, die sich nach einem Spiel umarmen. Teil der „Molecule Men“-Reihe, weist die Skulptur hunderte Löcher auf, die durch die Figuren gestanzt sind. Ein Kritiker deutete sie grob als Denkmal für Drive-by-Schießereien, sah die Löcher als Einschusslöcher und nahm an, das dunkle Metall sei eine Aussage über Rasse.

Jonathan Borofsky - Menschen-Turm. 20 Meter hoch, lackierter Stahl. Dauerinstallation, Olympiapark, Peking, China, 2008. © Jonathan Borofsky

Alles dreht sich um Beziehungen

In gewisser Hinsicht könnte man sagen, dass Borofsky mit seinen menschlichen Skulpturen das gesamte Spektrum menschlicher Möglichkeiten nachahmt oder zumindest danach strebt, es nachzuahmen. Selbst wenn er eine bestimmte menschliche Handlung hervorhebt, wie bei seinen „Hammering Man“-Skulpturen, die eine Person bei der alltäglichen Arbeit zeigen, gelingt es ihm, beide Extreme des Spektrums menschlicher Kultur hervorzurufen. Im materiellen Sinne ist der „Hammering Man“ äußerst schlicht. Im Hinblick auf seine Größe und mögliche politische Auswirkungen ist er jedoch potenziell prahlerisch. Indem Borofsky die Kombination beider Extreme in der menschlichen Gestalt präsentiert, lädt er die Betrachter ein, nicht nur darüber nachzudenken, was die Skulptur ist, sondern was sie für sie bedeutet. Diese breite gesellschaftliche Aussage spiegelt die Worte von Walt Whitman wider: „Ich trage Vielheiten in mir.“

Jonathan Borofsky - Hammering Man, Seattle Art Museum. © Jonathan Borofsky

Am faszinierendsten ist, wie die Elemente, die in den menschlichen Skulpturen am abstraktesten sind, oft am meisten dazu beitragen, die öffentliche Erzählung um das Werk herum zu beeinflussen. Im Fall der zuvor erwähnten Skulptur in Los Angeles wurden Farbe und Form – zwei der abstraktesten Elemente des Werks – wichtiger als die wahre Geschichte hinter dem Werk. Andere Werke, wie jene aus der Reihe „People Walking to the Sky“, zeigen massive silberne diagonale Stangen, auf denen kleine menschliche Figuren nach oben gehen. Das erzählerische Thema ist leicht nachvollziehbar, doch was dem Werk seine Kraft und Präsenz verleiht, sind seine starken linearen Eigenschaften und seine Metalloberfläche. Diese Aspekte definieren die Beziehung des Werks zur umgebenden Architektur. Sie bestimmen auch seine Beziehung zu den Betrachtern, wenn wir erkennen, dass wir eigentlich uns selbst betrachten. Wir sind diejenigen, die einen Weg beschreiten, der leicht beschrieben werden kann, während wir fröhlich ins Unbekannte marschieren.

Titelbild: Jonathan Borofsky - Menschliche Strukturen und das Licht des Bewusstseins. Frederik Meijer Gardens & Skulpturenpark – 30. Januar bis 10. Mai 2009. © Jonathan Borofsky
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio