6 Esculturas Inspiradas en la Naturaleza que Puedes Ver Este Verano
Una próxima exposición en Londres este verano promete a los espectadores una oportunidad única para examinar la intersección entre la figuración y la abstracción en la escultura contemporánea, a través de una variedad de esculturas inspiradas en la naturaleza. Titulada Renaturalizando la Naturaleza, y organizada por la Galería Hignell, la exposición se desarrollará en dos espacios claramente diferentes: el interior de la Galería Hignell en Shepherd Street, Mayfair, y los exuberantes alrededores del jardín de Saint James’s Square, a un kilómetro y medio de distancia. Las seis esculturas han sido seleccionadas precisamente por su capacidad para aprovechar un lugar interior o exterior, aunque algunas ciertamente podrían haberse colocado en cualquiera de los dos ambientes, evocando reacciones muy distintas. Por ejemplo, un par de enormes tipúlidos de la artista germano-canadiense Vanessa Paschakarnis habitarán el interior de la galería, haciendo que los espectadores sientan que están atrapados horriblemente en un espacio cerrado con algo que claramente pertenece a la naturaleza salvaje. Sin embargo, si estos tipúlidos estuvieran afuera, reaccionaríamos de manera muy diferente. Su presencia en el interior los objetiviza y acentúa los aspectos antinaturales de su presencia. Afuera, serían concreciones; monumentos a la naturaleza. Adentro, se convierten en abstracciones; monumentos a la fetichización de la naturaleza. Cada una de las otras obras que se exhibirán en esta muestra, de hecho, opera con ese mismo tipo de dicotomía conceptual. Cada una despliega imágenes o contenidos narrativos que nos inducen a una reacción inmediata, como si estuviéramos viendo una representación directa y concreta de algo que reconocemos—una especie de monumento a esto o aquello. Sin embargo, cuanto más contemplamos estas obras y más de cerca las observamos, más nos damos cuenta de un mundo de información oculta y significado invisible que acecha justo ante nuestros ojos.
En exhibición en la plaza
Quizás la obra más engañosamente figurativa que se mostrará en Saint James’s Square sea “Te Danzante” (2018), de la artista portuguesa Joana Vasconcelos. La escultura de gran tamaño, de hierro forjado, parece ser poco más que una réplica ornamental de una tetera. Sin embargo, la obra estará cubierta por plantas de jazmín, que se usan frecuentemente para aromatizar el té verde. Dentro de ese detalle, así como en el nombre, se esconden secretos. La traducción al español del título es té danzante. La traducción al portugués es algo más parecido a tú bailando. La obra hace referencia a la historia del comercio del té, que está ligada a la historia colonial de Portugal y Europa. Esta jaula metálica no contiene la naturaleza tanto como la manipula y la embellece, lucrando con ella con o sin su consentimiento.
Joana Vasconcelos - Te Danzante, 2018. Foto © Unidade Infinita Projectos
Cerca se encontrará otra escultura engañosamente narrativa de la artista británica Sophie Ryder, titulada “Aussie Earl” (1996). A primera vista, esta obra parece un monumento a un conejo. De pie cómicamente sobre sus robustas patas traseras, la bestia mira al frente con sus ojos pequeños y su cabeza diminuta, observando con indiferencia su dominio cubierto de hierba. Sin embargo, al examinarla más de cerca, vemos que la carne misma de la liebre está compuesta por un collage de objetos más pequeños: piezas de máquinas, juguetes y numerosos otros recuerdos que reflejan la cultura contemporánea. A medida que se revela la verdadera naturaleza de este objeto, no podemos evitar contemplar la relación entre los animales, la naturaleza y el mundo moderno de una manera mucho más oscura y abstracta. Para quienes conocen los hábitos de los conejos, se presenta otra interpretación, relacionada con el deseo y la reproducción—una alusión simbólica a la conexión que tales emociones tienen con la expansión de los humanos y su mundo manufacturado.
Sophie Ryder - Aussie Earl, 1996.
También se exhibirá al aire libre en la plaza “Capricorno 1 & 2” (2017), otra obra de Vanessa Paschakarnis. Consistente en dos cráneos de cabra con cuernos, esta obra emplea la escala y el material para cuestionar nuestra comprensión de la conexión entre la naturaleza humana y animal. Nuestro abrazo a esta bestia—el Capricornio—como una entidad mística y celestial es cuestionado por su aparente mortalidad. ¿Qué monumentaliza realmente la forma? ¿Evoca la muerte, o evoca la engrandecimiento de la naturaleza para fines humanos? En un sentido formal y abstracto, hay mucho que admirar aquí en términos de línea, forma, color y figura. Pero, ¿acaso solo estamos objetivando más la naturaleza al pensar en esos términos?
Vanessa Paschakarnis - Capricorno 1 & 2, 2017. Foto © James Brittain
En exhibición en la galería
Como ya se mencionó, dos enormes tipúlidos de Paschakarnis estarán en exhibición dentro de las paredes de la Galería Hignell. Junto a ellos, otras dos esculturas contribuirán cada una a su manera a la atmósfera inquietante del ambiente interior. Quizá la más inquietante sea una masa biomórfica fluida titulada “Slick” (2010), de la escultora británica Kate MccGwire. Hecha con plumas iridiscentes de alas de urraca, la forma viscosa parece fluir desde la propia arquitectura. Partes del cuerpo de criaturas muertas se han unido para formar una nueva fuerza aparentemente viva, atrapada en algún lugar entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Esta obra trae el mundo natural al interior, pero de una manera muy perturbadora. Estéticamente, es una maravilla abstracta para contemplar. Sin embargo, cuando emerge el contenido, también surgen niveles de incomodidad de forma cambiante y desconcertante.
Peter Randall-Page RA - Rain Cloud Screen I & II, 2015. Foto © Aislinn McNamara
También se exhibirá dentro de la galería una instalación titulada “Rain Cloud Screen I & II” (2015), del escultor británico Peter Randall-Page RA, un artista cuya obra se inspira en la geometría de la naturaleza. Evocando un biombo de vestidor, la obra consta de cuatro dibujos grandes unidos. Cuando se admira de cerca, cada dibujo es una abstracción: un conjunto de líneas oscuras sobre un fondo claro. Cuando se unen y se observan desde lejos, los espacios positivos y negativos colaboran en la formación de una forma de nube. El efecto es sutil y caprichoso, ofreciendo un comentario reflexivo sobre la abstracción inherente que acecha en nuestra interacción con el mundo natural, y las historias inherentes que se esconden dentro de nuestras reacciones subjetivas incluso a las creaciones humanas más abstractas. Renaturalizando la Naturaleza estará en exhibición del 21 de junio al 21 de julio de 2019 en la Galería Hignell y en el jardín de St James’s Square en Londres.
Imagen destacada: Kate MccGwire-Slick, 2010. Foto © Tessa Angus
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
