En un viaje con Antoni Tàpies

Cuando Antoni Tàpies murió en 2012, dejó un enorme vacío en la cultura española. Sin duda, fue el artista visual español más influyente de su generación, y en muchos aspectos es difícil imaginar la vanguardia española de la posguerra sin él. De hecho, es incluso seguro decir que sin Tàpies, el arte del siglo XX habría sido bastante diferente en todo el mundo. En un momento crítico de la historia de su nación, Tàpies abandonó su cómodo destino burgués y se dedicó en cambio a forjar una vida incierta como artista. Fue uno de los seis fundadores de Dau al Set, un colectivo de arte vanguardista tremendamente influyente que estuvo activo entre 1948 y 1956. Después de dejar el grupo en 1952, Tàpies creó un lenguaje visual que unía los elementos más radicales del surrealismo y el dadaísmo, con los fundamentos de la abstracción formal y las tendencias globales emergentes en el informalismo. A partir de las raíces del misticismo y la metafísica, formó una filosofía estética universal basada en la apreciación de los materiales naturales y una conexión con la Tierra y sus elementos. Su obra culminó en lo que se ha llegado a conocer como sus “Pinturas de Materia”—obras de arte formadas por, consistentes en, y celebratorias de los materiales cotidianos que lo rodeaban. Dejó atrás una gran colección de ensayos y conferencias, y eventualmente fue conocido tanto por su perspectiva filosófica sobre el arte como por su obra misma. Resumió su perspectiva fundamental sobre el arte y la vida en la afirmación: “La perfección no puede venir simplemente de ideas nobles, sino que debe ir acompañada de una relación con la tierra.”

El séptimo lado

Cuando terminó la Guerra Civil Española en 1939, el país pasó firmemente a manos de un régimen fascista y nacionalista. Liderado por el General Francisco Franco, el régimen predicaba que todos los elementos de la cultura española debían dirigirse a difundir y sostener el poder político del gobierno. Entre otras agendas, Franco abogó porque todo el arte se hiciera en el estilo del realismo fascista. También prohibió el uso de la lengua catalana. Esto fue agonizante para la generación de jóvenes artistas que habían crecido idolatrando a gigantes de la vanguardia española como Pablo Picasso, Joan Miró y Salvador Dalí. El miedo se extendió rápidamente entre los jóvenes artistas de que la cultura española moderna estaba condenada. Pero al menos seis revolucionarios culturales tenían otros planes. El poeta catalán Joan Brossa se organizó con Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, el filósofo Arnau Puig y un editor independiente llamado Joan-Josep Tharrats en 1948 para iniciar un grupo que tenía la intención de subvertir la agenda nacionalista. Esperaban plantar las semillas para una nueva cultura de vanguardia contra el fascismo. En homenaje a sus héroes los surrealistas y dadaístas, se nombraron a sí mismos Dau al Set—un término para el lado inexistente de siete de un dado de seis caras.

Antoni Tàpies - Sillas, 1981. Carborundum. Composición: 36 1/4 x 54 3/4" (92 x 139 cm); Hoja: 36 5/8 x 54 3/4" (93 x 139 cm). Editor: Galerie Lelong, París. Impresor: Joan Barbarà, Barcelona. Edición 30. Colección MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París.

Dado que las palabras eran catalanas, el nombre Dau al Set fue automáticamente controvertido, y sus connotaciones cuasi-místicas señalaban una aceptación de la noción de que la lógica elitista solo había llevado al mundo a la guerra. Dau al Set difundió sus ideas y su lenguaje visual único a través de una revista del mismo nombre, publicada en la imprenta personal de Tharrats. Sus artículos también estaban escritos en el idioma catalán prohibido, y las imágenes mostraban una mezcla de misticismo, fantasía y pura abstracción, todo en directa oposición al régimen fascista de Franco. De los tres artistas del grupo, Tàpies era el más abstracto. Era autodidacta, sus imágenes estaban inspiradas en la filosofía, y sus métodos se basaban en la pura alegría de los medios y materiales. Experimentó mezclando aditivos inusuales con sus pinturas al óleo, y pronto comenzó a añadir materiales y objetos encontrados a sus pinturas. Para 1952, estaba tan inmerso en una búsqueda para descubrir su propio camino artístico que dejó Dau al Set. A partir de ese momento, Tàpies se dedicó completamente a la abstracción informal y a la exploración de los medios mixtos como una posición estética por derecho propio.

Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 aguatintas (incluyendo la cubierta) con carborundo, colagrafía y/o aguatinta, y 1 grabado y carborundo; y suite suplementaria. Irreg. página 20 1/2 x 16 1/8" (52 x 41 cm). Grabados: varias dimensiones. Editor: Maeght Éditeur, París. Impresor: Atelier Morsang, París. Edición 195+. Fondo Sra. Gilbert W. Chapman y regalo de la Galerie Maeght. Colección MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París.

El asunto de la pintura

Además de ser un artista autodidacta, Tàpies fue un teórico del arte autodidacta. De hecho, es en sus escritos donde encontramos mucha información sobre la sustancia de su arte. Dos de sus citas más reveladoras son: “Si no puedo cambiar el mundo, al menos quiero cambiar la forma en que la gente lo mira;” y, “La profundidad no se encuentra en algún lugar remoto e inaccesible. Está arraigada en la vida cotidiana.” Vemos ambas afirmaciones en obras como “Gran Pintura” (1958), un collage de cartón del color de la tierra. La superficie de la obra parece carbonizada, magullada y manchada. Está hecha de los materiales más simples, con las técnicas más crudas, por la mano de un artista sin educación estética formal. Sin embargo, dentro de la composición encontramos un equilibrio perfecto, armonía cromática y una multitud de texturas y matices. Pasaríamos de largo junto a estos materiales en la calle, pero aquí nuestros ojos pueden perderse en un mapa del tesoro exótico de profundidad infinita y garabatos místicos.

Antoni Tàpies- San Galo, 1962. Litografía. Regalo de Paul F. Walter. Colección MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París.

Tàpies extendió su pensamiento al ámbito de la escultura también. Una de sus piezas más famosas, “Escritorio con Paja” (1970), es tan directa como indica su título: es un ensamblaje de un escritorio de madera real cubierto con paja. La combinación de materiales parece absurda al principio, y sin embargo, la perfecta belleza de su yuxtaposición le otorga a la pieza un aura de lo inevitable, haciéndola perfectamente racional, no como mobiliario, sino como arte. Mientras tanto, “Cama Abierta” (1986) toma el enfoque opuesto. Una cama de tamaño completo, de arcilla refractaria coloreada con pintura de esmalte, el significado de la forma está en directa oposición a los materiales. Pero no pasa mucho tiempo antes de que un espectador se dé cuenta de que la absurdidad de dormir sobre arcilla se desvanece si pensamos en la tierra como nuestra cama. Como con toda la obra que Tàpies creó, la profundidad está justo ahí, en la mundanidad del pensamiento cotidiano; todo depende de cómo lo mires.

Imagen destacada: Antoni Tàpies - Gran pintura, 1958. Óleo con arena sobre lienzo. 78 1/2 x 103 pulgadas (199.3 x 261.6 cm). Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York/VEGAP, Madrid.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio