En un viaje con Antoni Tàpies
Cuando Antoni Tàpies falleció en 2012, dejó un enorme vacío en la cultura española. Fue sin duda el artista visual español más influyente de su generación, y en muchos aspectos es difícil imaginar la vanguardia española de la posguerra sin él. De hecho, es seguro decir que sin Tàpies, el arte del siglo XX habría sido muy distinto en todo el mundo. En un momento crítico de la historia de su país, Tàpies abandonó su cómodo destino burgués y se dedicó en cambio a forjar una vida incierta como artista. Fue uno de los seis fundadores de Dau al Set, un colectivo de arte vanguardista tremendamente influyente que estuvo activo entre 1948 y 1956. Tras dejar el grupo en 1952, Tàpies creó un lenguaje visual que unía los elementos más radicales del surrealismo y el dadaísmo con los fundamentos de la abstracción formal y las tendencias globales emergentes del informalismo. A partir de raíces místicas y metafísicas, formó una filosofía estética universal basada en la apreciación de los materiales naturales y en la conexión con la Tierra y sus elementos. Su obra culminó en lo que se conoce como sus “Pinturas de Materia”: obras formadas por, compuestas de y celebratorias de los materiales cotidianos encontrados que le rodeaban. Dejando tras de sí una gran colección de ensayos y conferencias, llegó a ser conocido tanto por su visión filosófica del arte como por su obra misma. Resumió su visión fundamental sobre el arte y la vida en la frase: “La perfección no puede venir solo de ideas nobles, sino que debe ir acompañada de una relación con la tierra.”
El Séptimo Lado
Cuando terminó la Guerra Civil Española en 1939, el país pasó firmemente a manos de un régimen fascista y nacionalista. Liderado por el general Francisco Franco, el régimen predicaba que todos los elementos de la cultura española debían dirigirse a difundir y sostener el poder político del gobierno. Entre otras directrices, Franco defendía que todo arte se hiciera en el estilo del realismo fascista. También prohibió el uso de la lengua catalana. Esto fue doloroso para la generación de jóvenes artistas que habían crecido idolatrando a gigantes de la vanguardia española como Pablo Picasso, Joan Miró y Salvador Dalí. El miedo se extendió rápidamente entre los jóvenes artistas de que la cultura española moderna estaba condenada. Pero al menos seis revolucionarios culturales tenían otros planes. El poeta catalán Joan Brossa se organizó con Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, el filósofo Arnau Puig y un editor independiente llamado Joan-Josep Tharrats en 1948 para formar un grupo con la intención de subvertir la agenda nacionalista. Esperaban sembrar las semillas de una nueva cultura vanguardista antifascista. En homenaje a sus héroes los surrealistas y dadaístas, se llamaron Dau al Set—un término para el lado inexistente siete de un dado de seis caras.
Antoni Tàpies - Chaises (Sillas), 1981. Carborundo. Composición: 36 1/4 x 54 3/4" (92 x 139 cm); Hoja: 36 5/8 x 54 3/4" (93 x 139 cm). Editorial: Galerie Lelong, París. Impresor: Joan Barbarà, Barcelona. Edición 30. Colección MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París.
Como las palabras eran catalanas, el nombre Dau al Set fue automáticamente polémico, y sus connotaciones casi místicas señalaban una aceptación de la idea de que la lógica elitista solo había llevado al mundo a la guerra. Dau al Set difundió sus ideas y su lenguaje visual único a través de una revista del mismo nombre, publicada en la imprenta personal de Tharrats. Sus artículos también estaban escritos en la prohibida lengua catalana, y las imágenes mostraban una mezcla de misticismo, fantasía y pura abstracción—todo en directa oposición al régimen fascista de Franco. De los tres artistas del grupo, Tàpies fue el más abstracto. Fue autodidacta, sus imágenes se inspiraban en la filosofía y sus métodos se basaban en el puro gozo de los medios y materiales. Experimentó mezclando aditivos inusuales con sus pinturas al óleo, y pronto comenzó a añadir materiales y objetos encontrados junto con sus pinturas. Para 1952, estaba tan inmerso en la búsqueda de su propio camino artístico que dejó Dau al Set. A partir de ese momento, Tàpies se dedicó por completo a la abstracción informal y a la exploración del arte mixto como una posición estética en sí misma.
Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 aguafuertes (incluyendo la cubierta) con carborundo, colagrafía y/o aguafuerte, y 1 grabado y carborundo; y suite suplementaria. Página irregular 20 1/2 x 16 1/8" (52 x 41 cm). Grabados: varias dimensiones. Editorial: Maeght Éditeur, París. Impresor: Atelier Morsang, París. Edición 195+. Fondo Mrs. Gilbert W. Chapman y donación de Galerie Maeght. Colección MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París.
La Materia de la Pintura
Además de ser un artista autodidacta, Tàpies fue un teórico del arte autodidacta. Es en sus escritos, de hecho, donde encontramos mucha información sobre la sustancia de su arte. Dos de sus citas más reveladoras son: “Si no puedo cambiar el mundo, al menos quiero cambiar la forma en que la gente lo mira;” y, “La profundidad no se encuentra en algún lugar remoto e inaccesible. Está arraigada en la vida cotidiana.” Vemos ambas afirmaciones en obras como “Gran Pintura” (1958), un collage de cartón del color de la tierra. La superficie de la obra parece chamuscada, magullada y manchada. Está hecha con los materiales más simples, con las técnicas más básicas, por la mano de un artista sin educación estética formal. Sin embargo, dentro de la composición encontramos un equilibrio perfecto, armonía cromática y una multitud de texturas y tonos. Pasaríamos de largo por estos materiales en la calle, pero aquí nuestros ojos pueden perderse en un mapa del tesoro exótico de profundidad infinita y garabatos místicos.
Antoni Tàpies - Saint Gall, 1962. Litografía. Donación de Paul F. Walter. Colección MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París.
Tàpies extendió su pensamiento también al ámbito de la escultura. Una de sus piezas más famosas, “Escritorio con Paja” (1970), es tan directa como indica su título: es un ensamblaje de un escritorio de madera real cubierto con paja. La combinación de materiales parece absurda al principio, y sin embargo la perfecta belleza de su yuxtaposición le da a la pieza un aura de inevitabilidad, haciéndola perfectamente racional, no como mueble, sino como arte. Mientras tanto, “Cama Abierta” (1986) adopta el enfoque opuesto. Una cama de tamaño real de barro refractario coloreada con pintura de esmalte, el significado de la forma está en directa oposición a los materiales. Pero no tarda mucho en que el espectador se dé cuenta de que la absurdidad de dormir sobre barro se desvanece si pensamos en la tierra como nuestra cama. Como en toda la obra que creó Tàpies, la profundidad está ahí, en la mundanidad del pensamiento cotidiano; todo depende de cómo lo mires.
Imagen destacada: Antoni Tàpies - Gran Pintura, 1958. Óleo con arena sobre lienzo. 78 1/2 x 103 pulgadas (199,3 x 261,6 cm). Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Artists Rights Society (ARS), Nueva York/VEGAP, Madrid.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
