Lee Krasner en el Barbican - Una mirada a una artista por derecho propio

Este verano, la Barbican Art Gallery en Londres presentará Lee Krasner: Living Colour, la primera retrospectiva europea del trabajo de Lee Krasner en más de medio siglo. La exposición contará con casi 100 obras que abarcan cinco décadas, siguiendo a Krasner mientras evoluciona de pintora figurativa en la década de 1930, a través de su creciente influencia como una de las principales exponentes de la primera generación del Expresionismo Abstracto, hasta su definitiva aparición como una de las voces más logradas y queridas del arte abstracto americano del siglo XX. A lo largo de su carrera, Krasner completó más de 600 obras de arte, y se convirtió en una de las pocas artistas femeninas de su generación en tener un catálogo razonado creado para su obra. Sin embargo, a pesar de sus logros, Krasner a menudo se discute solo en términos de su relación con su esposo, la formidable leyenda Jackson Pollock. Algunos historiadores incluso han sugerido presuntuosamente que fue solo después de la muerte de Pollock en 1956 que Krasner floreció completamente como artista madura. Sin embargo, como debería quedar claro a partir de los diversos cuerpos de trabajo en exhibición en esta retrospectiva, Krasner siempre fue una pintora innovadora y experimental con una visión propia. Quizás la única diferencia seria, de hecho, que la muerte de Pollock tuvo en su trabajo se relaciona con el tema de la escala. La pareja compartía una casa de campo en una propiedad en East Hampton llamada The Springs. Krasner se vio relegada a usar dos pequeñas habitaciones interiores de la casa como su estudio—primero una oscura sala de estar, y luego un dormitorio en el piso de arriba después de que Pollock trasladara su estudio fuera de ella y a la granja sin terminar en la propiedad. Cuando Pollock murió, Krasner se mudó a la granja, permitiéndose finalmente trabajar en lienzos de tamaño monumental propios, algunos de los cuales estarán en exhibición en esta retrospectiva. Sin embargo, como cualquiera que tenga el placer de ver esta exposición sin duda verá por sí mismo, la escala es solo un aspecto de su trabajo—y tuvo poco que ver con la percepción que hizo de Krasner una pionera desde el principio, y una maestra hasta el final.

Encontrando su camino

Lena Krasner nació el 27 de octubre de 1908. Su primera inclinación hacia una carrera en el arte llegó misteriosamente a los 13 años, cuando, al postularse para la escuela secundaria, escribió la palabra “arte” cuando le preguntaron por su campo de estudio preferido. Aunque más tarde recordó no tener idea de lo que estaba pensando al elegir esa dirección, sin embargo, la lanzó hacia un destino muy gratificante—uno para el cual estaba perfectamente preparada. Sin embargo, una cosa para la que no estaba preparada era para aceptar lo que percibía como órdenes sin sentido. A lo largo de sus estudios en la escuela secundaria, en Cooper Union, en la Academia Nacional de Diseño, en la Liga de Estudiantes de Arte, e incluso mientras estudiaba con Hans Hofmann, fue reprendida repetidamente, y una vez incluso expulsada, por ser lo que un maestro describió como “siempre una molestia,” alguien que “insiste en tener su propia manera a pesar de las reglas de la escuela.”

Lee Krasner - Imperativo, 1976. Galería Nacional de Arte, Washington D.C. © La Fundación Pollock-Krasner. Cortesía de la Galería Nacional de Arte, Washington D.C.

Su persistencia pudo haber molestado a sus maestros, pero la impulsó sin miedo hacia el descubrimiento de su propia voz única. Cuando el Museo de Arte Moderno abrió en 1929, lo describió como “un gran cambio para mí.” Se dio cuenta por primera vez de las tendencias en el arte europeo hacia la abstracción y el formalismo, y supo de inmediato que el regionalismo de América no era para ella. Abrazó el Cubismo y las lecciones de los maestros de Bauhaus, y se sintió atraída por cada posición vanguardista que pudiera absorber, siempre, sin embargo, buscando su propia voz. Cuando conoció a Pollock, se esforzó por absorber sus teorías, añadiéndolas a la mezcla de ideas en su propia cabeza. Sin embargo, como muestra una pintura titulada “Igor” de 1943, justo cuando Pollock estaba ganando prominencia por su trabajo innovador, Krasner estaba surgiendo con fuerza. Las formas biomórficas en espiral y las líneas gestuales en “Igor” se combinan para crear una composición inspirada en la naturaleza, pero energéticamente abstracta. A diferencia de lo que hacían otros artistas de su generación en ese momento, presagia el brillante y maduro trabajo que Krasner haría décadas después.

Lee Krasner - Palingenesis, 1971. Colección Pollock-Krasner Foundation. © The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía de Kasmin Gallery, Nueva York.

Encontrándose a sí misma de nuevo

En algunos aspectos, se podría argumentar que Krasner hizo su trabajo menos interesante durante su matrimonio con Pollock. Al imitar su estilo total, se alejó de los instintos que comenzaba a descubrir en sí misma con pinturas como “Igor”. En sus años más difíciles económicamente, Krasner incluso raspó la pintura de sus lienzos para que Pollock pudiera tener más superficies sobre las que pintar, un hecho que indignó a sus amigos, pero que no preocupó en absoluto a Krasner. Los lienzos que no raspó, más tarde los desgarró ella misma y los utilizó como materiales para nuevos collages. Después de la muerte de Pollock, Krasner regresó a su propia visión anterior. El acertadamente titulado “Re-echo” (1957), pintado el año después de la muerte de Pollock, remite directamente al lenguaje estético de “Igor”. Otras composiciones de ese año como “Listen” y el monumental “The Seasons” dan vida plenamente a esta visión idiosincrática única.

Lee Krasner - Ícaro, 1964. Colección de la familia Thomson, Nueva York. © La Fundación Pollock-Krasner. Cortesía de la Galería Kasmin, Nueva York. Fotografía de Diego Flores.

A lo largo de los siguientes 30 años, Krasner exploró meticulosamente y con fervor cada ángulo de su estilo personal. Lo simplificó en una impresionante serie de serigrafías en la década de 1970; lo combinó con posiciones modernistas tempranas como el Futurismo en obras como “Imperativo” (1976); lo abrió a los efectos de nuevos medios en su serie “Agua” (1969); y finalmente lo llevó a su culminación en la última etapa de su vida con una obra maestra neo-cubista sin título creada en 1984, que sintetiza pintura, dibujo a carboncillo y collage en una composición que expresa casi cada evolución estilística de su vida en una única, profunda y elegante declaración. Una fotografía tomada de Krasner frente a esta pieza—la última obra conocida que creó—la muestra sonriendo con orgullo, las líneas alegres de su hermoso rostro maduro resonando con las líneas dinámicas de la pintura que cuelga detrás de ella. Esta imagen de una verdadera pionera y maestra sonriente, contenta con sus logros singulares, es lo que Lee Krasner: Living Colour espera, finalmente, dar vida. Lee Krasner: Living Colour estará en exhibición en The Barbican Art Gallery, Londres, Reino Unido, desde el 30 de mayo hasta el 1 de septiembre de 2019.

Imagen destacada: Lee Krasner - Otra tormenta, 1963. Colección privada. © The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía de Kasmin Gallery, Nueva York.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio