Lee Krasner en el Barbican - Una mirada a una artista por derecho propio

Este verano, la Galería de Arte Barbican en Londres presentará Lee Krasner: Color Vivo, la primera retrospectiva europea de la obra de Lee Krasner en más de medio siglo. La exposición contará con casi 100 obras que abarcan cinco décadas, siguiendo a Krasner mientras evoluciona desde una pintora figurativa en los años 30, pasando por su creciente influencia como una de las principales representantes de la primera generación del Expresionismo Abstracto, hasta su definitiva consolidación como una de las voces más destacadas y queridas del arte abstracto estadounidense del siglo XX. A lo largo de su carrera, Krasner completó más de 600 obras de arte y se convirtió en una de las pocas artistas femeninas de su generación en tener un catálogo razonado creado para su obra. Sin embargo, a pesar de sus logros, Krasner suele ser mencionada solo en relación con su esposo, la formidable leyenda Jackson Pollock. Algunos historiadores incluso han sugerido con presunción que fue solo tras la muerte de Pollock en 1956 cuando Krasner floreció plenamente como artista madura. Como debería quedar claro a partir de las diversas series de obras expuestas en esta retrospectiva, Krasner siempre fue una pintora innovadora y experimental con una visión propia. Quizá la única diferencia seria, de hecho, que la muerte de Pollock tuvo en su obra fue en cuanto a la escala. La pareja compartía una casa de campo en una propiedad en East Hampton llamada The Springs. Krasner se vio relegada a usar dos pequeñas habitaciones interiores de la casa como su estudio: primero una sala oscura y luego un dormitorio en el piso superior, después de que Pollock trasladara su estudio fuera de allí y lo instalara en el granero sin terminar de la propiedad. Cuando Pollock murió, Krasner se mudó al granero, permitiéndose finalmente trabajar en lienzos de tamaño monumental, algunos de los cuales se mostrarán en esta retrospectiva. Sin embargo, como cualquiera que tenga el placer de ver esta exposición sin duda comprobará, la escala es solo un aspecto de su obra, y tuvo poco que ver con la visión que hizo de Krasner una pionera desde el principio y una maestra hasta el final.

Encontrando su camino

Lena Krasner nació el 27 de octubre de 1908. Su primera inclinación hacia una carrera artística surgió misteriosamente a los 13 años, cuando, al solicitar ingreso a la escuela secundaria, escribió la palabra “arte” cuando le preguntaron por su campo de estudio preferido. Aunque luego recordó no tener idea de lo que pensaba al elegir esa dirección, de todos modos la impulsó hacia un destino muy gratificante, para el cual estaba perfectamente preparada. Sin embargo, una cosa para la que no estaba preparada era para aceptar lo que ella consideraba órdenes sin sentido. Durante sus estudios en la escuela secundaria, en Cooper Union, en la Academia Nacional de Diseño, en la Liga de Estudiantes de Arte e incluso mientras estudiaba con Hans Hofmann, fue repetidamente reprendida, e incluso expulsada una vez, por ser lo que un profesor describió como “siempre una molestia”, alguien que “insiste en salirse con la suya a pesar de las reglas escolares.”

Lee Krasner - Imperative, 1976. Galería Nacional de Arte, Washington D.C. © The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía de la Galería Nacional de Arte, Washington D.C.

Su persistencia pudo haber molestado a sus profesores, pero la impulsó sin miedo hacia el descubrimiento de su propia voz única. Cuando el Museo de Arte Moderno abrió en 1929, ella lo describió como “un vuelco para mí.” Por primera vez tomó conciencia de las tendencias en el arte europeo hacia la abstracción y el formalismo, y supo de inmediato que el regionalismo americano no era para ella. Adoptó el Cubismo y las enseñanzas de los maestros de la Bauhaus, y se inclinó hacia todas las posiciones vanguardistas que pudo absorber, siempre, sin embargo, buscando su propia voz. Cuando conoció a Pollock, se esforzó por absorber sus teorías, sumándolas a la mezcla de ideas que giraban en su propia cabeza. Sin embargo, como muestra una pintura titulada “Igor” de 1943, justo cuando Pollock ganaba prominencia por su trabajo innovador, Krasner estaba firmemente encontrando su propio camino. Las formas biomórficas ondulantes y las líneas gestuales en “Igor” se combinan para crear una composición inspirada en la naturaleza, pero enérgicamente abstracta. A diferencia de lo que hacían otros artistas de su generación en ese momento, anticipa la brillante y madura obra que Krasner realizaría décadas después.

Lee Krasner - Palingenesis, 1971. Colección Pollock-Krasner Foundation. © The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía Kasmin Gallery, Nueva York.

Volviéndose a encontrar

En cierto sentido, podría argumentarse que Krasner hizo su obra menos interesante durante su matrimonio con Pollock. Al imitar su estilo “all-over”, se alejó de los instintos que comenzaba a descubrir en sí misma con pinturas como “Igor.” En sus años de mayores apuros económicos, Krasner incluso raspó la pintura de sus lienzos para que Pollock tuviera más superficies para pintar, un hecho que indignó a sus amigos, pero que no le preocupó en absoluto a Krasner. Los lienzos que no raspó, luego los rompió ella misma y los usó como materiales para nuevos collages. Tras la muerte de Pollock, Krasner volvió a su visión anterior. La acertadamente titulada “Re-echo” (1957), pintada el año siguiente a la muerte de Pollock, remite directamente al lenguaje estético de “Igor.” Otras composiciones de ese año como “Listen” y la monumental “The Seasons” dan vida plena a esta visión única e idiosincrática.

Lee Krasner - Icarus, 1964. Colección Thomson Family, Nueva York. © The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía Kasmin Gallery, Nueva York. Fotografía de Diego Flores.

Durante los siguientes 30 años, Krasner exploró meticulosa y fervientemente todos los ángulos de su estilo personal. Lo simplificó en una impresionante serie de serigrafías en los años 70; lo combinó con posiciones modernistas tempranas como el Futurismo en obras como “Imperative” (1976); lo abrió al efecto de nuevos medios en su serie “Water” (1969); y finalmente lo cerró en círculo al final de su vida con una obra maestra neo-cubista sin título creada en 1984, que sintetiza pintura, dibujo al carbón y collage en una composición que expresa casi todas las evoluciones estilísticas de su vida en una sola declaración profunda y elegante. Una fotografía tomada de Krasner frente a esta pieza —la última obra conocida que creó— la muestra sonriendo con orgullo, las líneas alegres de su rostro bellamente maduro reflejando las líneas dinámicas de la pintura colgada detrás de ella. Esta imagen de una verdadera pionera y maestra sonriente, satisfecha con sus logros singulares, es lo que Lee Krasner: Color Vivo espera, finalmente, hacer realidad. Lee Krasner: Color Vivo estará en exhibición en la Galería de Arte Barbican, Londres, Reino Unido, del 30 de mayo al 1 de septiembre de 2019.

Imagen destacada: Lee Krasner - Another Storm, 1963. Colección privada. © The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía Kasmin Gallery, Nueva York.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio