6 Esculturas Inspiradas en la Naturaleza que Puedes Ver Este Verano

Una próxima exposición en Londres este verano promete a los espectadores una oportunidad única de examinar la intersección de la figuración y la abstracción en la escultura contemporánea, a través de una variedad de esculturas inspiradas en la naturaleza. Titulada Renaturando la Naturaleza, y organizada por la Hignell Gallery, la exposición se desarrollará en dos espacios claramente diferentes: el interior de la Hignell Gallery en Shepherd Street en Mayfair, y los exuberantes alrededores del jardín de Saint James’s Square, a un kilómetro y medio de distancia. Las seis esculturas han sido seleccionadas precisamente por su capacidad para explotar un entorno interior o exterior, aunque algunas ciertamente podrían haber sido colocadas en cualquiera de los dos ambientes, evocando reacciones muy diferentes. Por ejemplo, un par de enormes moscas de grúa de la artista germano-canadiense Vanessa Paschakarnis habitarán el interior de la galería, haciendo que los espectadores se sientan atrapados horriblemente en el interior con algo que claramente pertenece a la naturaleza salvaje. Sin embargo, si estas moscas de grúa estuvieran afuera, reaccionaríamos a ellas de manera muy diferente. Su presencia en el interior las objetiviza y acentúa los aspectos antinaturales de su presencia. Afuera, serían concreciones; monumentos a la naturaleza. Dentro, se convierten en abstracciones; monumentos a la fetichización de la naturaleza. De hecho, cada una de las otras obras que se exhibirán en esta exposición opera con ese mismo tipo de dicotomía conceptual. Cada una despliega imágenes o contenido narrativo que nos adormece en una reacción inmediata de que solo estamos mirando alguna representación concreta y directa de algo que reconocemos—una especie de monumento a esto o aquello. Sin embargo, cuanto más contemplamos estas obras, y cuanto más cerca las miramos, más nos damos cuenta de un mundo de información oculta y significado no visto que acecha justo ante nuestros ojos.

En Exhibición en la Plaza

Quizás la obra más engañosamente figurativa que se exhibirá en la Plaza de Saint James sea “Te Danzante” (2018), de la artista portuguesa Joana Vasconcelos. La escultura de gran tamaño, forjada en hierro escultura parece ser poco más que una réplica ornamental de una tetera. Sin embargo, cubriendo las obras, habrá plantas de jazmín, que se utilizan con frecuencia para añadir aroma al té verde. Dentro de ese detalle, así como dentro del nombre, acechan secretos. La traducción española del título es té danzante. La traducción portuguesa es algo más como tú bailando. La obra es una referencia a la historia del comercio del té, que está entrelazada con la historia colonial de Portugal y Europa. Esta jaula de metal no contiene tanto a la naturaleza como la manipula y la embellece, lucrando con ella con o sin su consentimiento.

Joana Vasconcelos - Te Danzante, 2018. Foto © Unidade Infinita Projectos

Cerca se encontrará otra escultura narrativamente engañosa de la artista británica Sophie Ryder, titulada “Aussie Earl” (1996). A primera vista, esta obra parece un monumento a un conejo. De pie cómicamente sobre sus robustas patas traseras, la bestia mira al frente con sus ojos brillantes y su cabeza diminuta, observando en blanco su dominio de hierba. Sin embargo, al examinarlo más de cerca, vemos que la propia carne de la liebre está compuesta por un collage de objetos más pequeños: piezas de máquinas, juguetes y innumerables otros fragmentos de memorabilia que reflejan la cultura contemporánea. A medida que la verdadera naturaleza de este objeto se revela, no podemos evitar contemplar la relación entre los animales, la naturaleza y el mundo moderno de una manera mucho más oscura y abstracta. Para aquellos familiarizados con los hábitos de los conejos, se presenta otra lectura, relacionada con el deseo y la reproducción—una alusión simbólica a la conexión que tales emociones tienen con la expansión de los humanos y su mundo manufacturado.

Sophie Ryder - Aussie Earl, 1996.

También se podrá ver afuera en la Plaza “Capricorno 1 & 2” (2017), otra obra de Vanessa Paschakarnis. Consistiendo en dos cráneos de cabra cornuda desmembrados, esta obra emplea la escala y el material para cuestionar nuestra comprensión de la conexión entre la naturaleza humana y animal. Nuestra aceptación de esta bestia—el Capricornio—como una entidad mística y celestial es cuestionada por su aparente mortalidad. ¿Qué es lo que realmente monumentaliza la forma? ¿Evoca la muerte, o evoca la magnificencia de la naturaleza para fines humanos? En un sentido formal y abstracto, hay mucho que admirar aquí en términos de línea, forma, color y figura. Pero, ¿estamos solo objetivando más la naturaleza al pensar en esos términos?

Vanessa Paschakarnis - Capricorno 1 y 2, 2017. Foto © James Brittain

En exhibición en la galería

Como ya se mencionó, dos enormes cranflies de Paschakarnis estarán a la vista dentro de las paredes de la Hignell Gallery. Junto a ellos, otras dos esculturas contribuirán, cada una a su manera, a la atmósfera inquietante del entorno interior. Lo más inquietante, quizás, será una masa biomórfica y fluida titulada “Slick” (2010), de la escultora británica Kate MccGwire. Hecha de las plumas iridiscentes de alas de urraca, la forma que rezuma parece fluir de la propia arquitectura. Partes del cuerpo de criaturas muertas se han unido para formar una nueva fuerza, aparentemente viva, atrapada en algún lugar entre el mundo de los vivos y el mundo de los muertos. Esta obra lleva el mundo natural al interior, pero lo hace de una manera muy inquietante. Estéticamente, es una maravilla abstracta para contemplar. Sin embargo, cuando el contenido emerge, también surgen niveles de incomodidad de una manera cambiante y perturbadora.

Peter Randall-Page RA - Pantalla de Nube de Lluvia I y II, 2015. Foto © Aislinn McNamara

También estará en exhibición dentro de la galería una instalación titulada “Rain Cloud Screen I & II” (2015), del escultor británico Peter Randall-Page RA, un artista cuya obra está inspirada en la geometría de la naturaleza. Evocadora de un biombo de vestidor, la obra consiste en cuatro dibujos de gran escala unidos. Cuando se admira de cerca, cada dibujo es una abstracción—una variedad de líneas oscuras sobre un fondo claro. Cuando se unen y se ven desde lejos, los espacios positivos y negativos colaboran en la formación de una forma de nube. El efecto es sutil y caprichoso, ofreciendo un comentario reflexivo sobre la abstracción inherente que acecha en nuestra interacción con el mundo natural, y las historias inherentes que se esconden en nuestras reacciones subjetivas incluso ante las creaciones humanas más abstractas. Renaturing Nature estará en exhibición del 21 de junio al 21 de julio de 2019 en Hignell Gallery y en el jardín de St James’s Square en Londres.

Imagen destacada: Kate MccGwire-Slick, 2010. Foto © Tessa Angus
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio