La abstracción está en lo físico - Jules Olitski

La carrera del artista ucraniano-estadounidense Jules Olitski (1922 – 2007) nos recuerda que el arte no es un esfuerzo humano fijo, que debe hacerse de la misma manera por cada practicante, como, por ejemplo, volar un avión de pasajeros. Los artistas son—o deberían ser—completamente libres de reinventar el campo tan a menudo como deseen. Olitski solo se dejó guiar por un factor: su intuición. Tenía una visión de una imagen, o una sensación que quería capturar, o una presencia material que quería manifestar, y se ponía a trabajar para hacer que sucediera. Si su visión encajaba con las tendencias o gustos no importaba. La mayoría de la gente llama a su trabajo abstracto, pero él mismo no hacía esa distinción, quizás porque su visión particular para una pintura era, para él, su propio tipo de tema. Si uno sueña con pintar un chorro de color colgando en el aire, y luego pinta una obra que realiza ese sueño, esa pintura es exactamente lo que describe: una pintura de un chorro de color colgando en el aire. ¿Qué tan concreto se puede ser? Sobre el tema de consejos a otros artistas, Olitski dijo una vez: “No esperes nada. Haz tu trabajo. ¡Celebra!” Puede que haya dado un consejo similar a sus espectadores: “No esperes nada. Mira la obra. ¡Celebra!” Sin embargo, la apreciación del arte es un placer separado de la crítica de arte. Los críticos, historiadores y comerciantes de arte han tenido durante mucho tiempo dificultades para saber exactamente dónde colocar a Olitski dentro del cuento de hadas lineal conocido como historia del arte, tal vez porque Olitski nunca se molestó en preguntarse dónde encajaba. Cambió de estilos, medios y métodos tan a menudo que no solo es difícil de historicizar, sino que también es difícil de commodificar, ya que muchos coleccionistas quieren poder hablar sobre los artistas que coleccionan en términos de una abreviatura conveniente: “Este es el pintor de la cuadrícula. Esta es la dama que hizo las arañas. Este es el tipo que hizo las cajas. Etc.” No puedes hacer eso con Olitski. Hizo demasiadas cosas para ser conocido solo por una. Por lo tanto, estamos atrapados, con solo una opción—la mejor opción: “No esperes nada. Mira las pinturas. ¡Celebra!”

Pintura en el Límite

Nacido en Snovsk, en la actual Ucrania, Olitski emigró a los Estados Unidos con su madre cuando tenía un año, después de que su padre fuera asesinado por el comisario soviético local. Se establecieron en Brooklyn, Nueva York, y durante la escuela secundaria, Olitski mostró una inclinación avanzada por el arte. Ganó un premio para estudiar arte en Manhattan y, eventualmente, obtuvo una beca para asistir al Pratt Institute. Después de ser reclutado para la Segunda Guerra Mundial, Olitski utilizó sus privilegios del G.I. Bill para continuar su educación artística en París. Allí, estudió de cerca a los maestros modernistas y enfrentó sus propios demonios. Más notablemente, se dio cuenta de que estaba siendo controlado por su propia educación. Un ejercicio en el que se vendó los ojos mientras pintaba ejemplifica su deseo de superar la manipulación de sus propias ideas. Esa misma devoción a la libertad creativa lo guió por el resto de su vida.

Jules Olitski - Con amor y desdén: Rapture Blessing, 2002. Acrílico sobre lienzo. 60 x 84 in. (152.4 x 213.4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, Nueva York. © Jules Olitski

Sus primeras exposiciones de pintura, en la década de 1950, estaban dominadas por abstracciones oscuras y melancólicas, como “En memoria de Slain Demikovski” (1958), una obra nombrada en honor a su padre. Sin embargo, para 1960, Olitski adoptó un enfoque completamente diferente, utilizando nuevos tipos de pinturas acrílicas para crear composiciones planas y vívidamente coloreadas en las que formas biomórficas, similares a amebas, parecen surgir a la existencia en platos de Petri pictóricos. Cinco años después, cambió de dirección nuevamente, esta vez utilizando una pistola de pulverización industrial en un intento por lograr su sueño de pintar “una pulverización de color que cuelga como una nube, pero no pierde su forma.” Sus pinturas con pistola de pulverización poseen de hecho muchos de los mismos atributos etéreos que las nubes gaseosas en una nebulosa distante, iluminadas por las explosiones de estrellas en erupción. Este cuerpo de trabajo realmente hizo que Olitski reflexionara sobre lo que él llamaba el “borde” de una imagen. “Una pintura se hace de adentro hacia afuera,” dijo. El borde exterior de la obra, según su entendimiento, no era el borde del lienzo, sino el borde del color. Olitski percibió que el color se extiende más allá de los límites de la pintura, llevado por la luz y la percepción mental al espacio liminal entre la superficie de la pintura y nuestros ojos.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Naranja), 1970. Serigrafía. 35 x 26 in. (obra); 36 x 27 in. (enmarcada). © Jules Olitski

Estructura y flujo

A mediados de la década de 1970, Olitski cambió de métodos nuevamente, combinando su técnica anterior, apagada, de impasto con su uso de una pistola de pulverización, creando pinturas como “Fuego Secreto – 2” (1977), que proyectan una presencia material definida, a pesar de tener una paleta de colores etérea. Continuó desarrollando esta mezcla de métodos, creando un cuerpo de atrevidas abstracciones metálicas en la década de 1980, como “Dominio de la Eternidad” (1989), y un cuerpo de obras hellenamente primordiales en la década de 1990, como “Sobre un Mar” (1996). Aunque visualmente diversas, estas obras comparten un principio guía similar, que Olitski resumió de la siguiente manera: “Pienso en la pintura como poseída por una estructura, pero una estructura nacida del flujo del sentimiento del color.” Las pinturas que Olitski creó en los últimos años de su vida, como “Con Amor y Desprecio: Éxtasis” (2002), expresan este principio guía de manera dramática. La estructura de su presencia material es tan inflexible como una piedra, sin embargo, su ligereza de ser reclama inconfundiblemente su derecho cromático en el “flujo del sentimiento del color.”

Jules Olitski - Pasión Patutsky, 1963. Magna sobre lienzo. 88 x 71 1/2 in (223.5 x 181.6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Además de su práctica de pintura abstracta a lo largo de su vida, Olitski continuamente dibujó retratos figurativos y paisajes. También tuvo una prolífica carrera en escultura, que, al igual que su carrera en pintura, no estuvo restringida por nada más que su propia imaginación. De niño, Olitski recibió el apodo de Príncipe Patutsky de su padrastro. Ese nombre aparece una y otra vez en su obra: “Patutsky en el Paraíso” (1966); “Pasión Patutsky” (1963); “Comando del Príncipe Patutsky” (1966). Es precisamente esta devoción a la inocencia infantil la que veo inundando todo lo que Olitski logró como artista. La historia del arte normalmente solo otorga estatus de leyenda a los artistas que son radicales al principio de su carrera, seguidos de una “madurez” y luego repetición. Olitski no encajaba en ese perfil. Tan experimental y libre como pudo, simplemente hizo su trabajo, sin expectativas, y celebró. Eso lo convierte en una leyenda para mí.

Imagen destacada: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna sobre lienzo. 79 x 109 in (200.7 x 276.9 cm). Kasmin, Nueva York. © Jules Olitski
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio