La abstracción está en lo físico - Jules Olitski

La carrera del artista ucraniano-estadounidense Jules Olitski (1922 – 2007) nos recuerda que el arte no es una actividad humana fija, que deba realizarse siempre de la misma manera por cada practicante, como, por ejemplo, pilotar un avión de pasajeros. Los artistas son—o deberían ser—completamente libres para reinventar el campo tantas veces como quieran. Olitski solo se guiaba por un factor: su intuición. Tenía una visión de una imagen, o una sensación que quería capturar, o una presencia material que deseaba manifestar, y se ponía a intentar hacerla realidad. No importaba si su visión encajaba con las tendencias o gustos. La mayoría de la gente llama a su obra abstracta, pero él mismo no hacía esa distinción, quizás porque su visión particular para una pintura era, para él, su propio tipo de tema. Si uno sueña con pintar un chorro de color suspendido en el aire, y luego pinta una obra que realiza ese sueño, esa pintura es exactamente lo que describe: una pintura de un chorro de color suspendido en el aire. ¿Qué tan más concreto se puede ser? Sobre el consejo a otros artistas, Olitski dijo una vez: “No esperes nada. Haz tu trabajo. ¡Celebra!” Quizás dio un consejo similar a sus espectadores: “No esperes nada. Mira la obra. ¡Celebra!” Sin embargo, la apreciación del arte es un placer distinto de la crítica de arte. Críticos, historiadores y comerciantes de arte han tenido durante mucho tiempo dificultad para saber exactamente dónde ubicar a Olitski dentro del cuento lineal conocido como historia del arte, tal vez porque Olitski nunca se preocupó por preguntarse dónde encajaba. Cambiaba de estilos, medios y métodos tan a menudo que no solo es difícil de historicizar, sino también difícil de comercializar, ya que muchos coleccionistas quieren poder hablar de los artistas que coleccionan en términos de una etiqueta conveniente: “Este es el pintor de la cuadrícula. Esta es la dama que hizo las arañas. Este es el tipo que hizo las cajas. Etc.” Eso no se puede hacer con Olitski. Hizo demasiadas cosas para ser conocido por solo una. Por lo tanto, nos quedamos con una sola opción—la mejor opción: “No esperes nada. Mira las pinturas. Celebra.”

Pintando en el Límite

Nacido en Snovsk, en la actual Ucrania, Olitski emigró a Estados Unidos con su madre cuando tenía un año, después de que su padre fuera asesinado por el comisario soviético local. Se establecieron en Brooklyn, Nueva York, y para la secundaria, Olitski mostró una inclinación avanzada por el arte. Ganó un premio para estudiar arte en Manhattan y eventualmente obtuvo una beca para asistir al Instituto Pratt. Tras ser reclutado para la Segunda Guerra Mundial, Olitski usó sus privilegios de la Ley G.I. para continuar su educación artística en París. Allí estudió de cerca a los maestros modernistas y enfrentó sus propios demonios. Lo más notable fue que se dio cuenta de que estaba siendo controlado por su propia educación. Un ejercicio en el que se vendó los ojos mientras pintaba ejemplifica su deseo de superar la manipulación de sus propias ideas. Esa misma devoción por la libertad creativa lo guió por el resto de su vida.

Jules Olitski - Con Amor y Desdén: Éxtasis Bendición, 2002. Acrílico sobre lienzo. 60 x 84 pulg. (152.4 x 213.4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, Nueva York. © Jules Olitski

Sus primeras exposiciones de pintura, en los años 50, estuvieron dominadas por abstracciones sombrías, oscuras y empastadas, como “En Memoria de Demikovski Asesinado” (1958), una obra dedicada a su padre. Sin embargo, para 1960, Olitski adoptó un enfoque completamente diferente, usando nuevos tipos de pinturas acrílicas para crear composiciones planas y vívidamente coloreadas en las que formas biomórficas, parecidas a amebas, parecían surgir en platos de Petri pictóricos. Cinco años después, cambió de dirección otra vez, esta vez usando una pistola de pulverización industrial en un intento de lograr su sueño de pintar “un chorro de color que cuelga como una nube, pero que no pierde su forma.” Sus pinturas con pistola de pulverización poseen muchas de las mismas cualidades etéreas que las nubes gaseosas en una nebulosa distante, iluminadas por las explosiones de estrellas. Este conjunto de obras realmente hizo que Olitski reflexionara sobre lo que él llamaba el “límite” de una imagen. “Una pintura se hace de adentro hacia afuera,” dijo. Sin embargo, según su entendimiento, el borde exterior de la obra no era el borde del lienzo, sino el borde del color. Olitski percibía que el color se extiende más allá de los límites de la pintura, llevado por la luz y la percepción mental hacia el espacio liminal entre la superficie de la pintura y nuestros ojos.

Jules Olitski - Suite Gráfica #2 (Naranja), 1970. Serigrafía. 35 x 26 pulg. (obra); 36 x 27 pulg. (enmarcada). © Jules Olitski

Estructura y Flujo

A mediados de los años 70, Olitski cambió de método otra vez, mezclando su técnica anterior, apagada y empastada, con el uso de la pistola de pulverización, creando pinturas como “Fuego Secreto – 2” (1977), que proyectan una presencia material definida, a pesar de tener una paleta de colores etérea. Continuó desarrollando esta mezcla de métodos, creando un conjunto de audaces abstracciones metálicas en los años 80, como “Dominio de la Eternidad” (1989), y un conjunto de obras infernalmente primordiales en los 90, como “Sobre un Mar” (1996). Aunque visualmente diversas, estas obras comparten un principio guía similar, que Olitski resumió así: “Pienso en la pintura como poseída por una estructura, pero una estructura nacida del flujo del sentimiento del color.” Las pinturas que Olitski creó en los últimos años de su vida, como “Con Amor y Desdén: Éxtasis” (2002), expresan este principio guía de manera dramática. La estructura de su presencia material es tan firme como una piedra, pero su ligereza de ser reclama inconfundiblemente su derecho cromático de nacimiento en el “flujo del sentimiento del color.”

Jules Olitski - Pasión Patutsky, 1963. Magna sobre lienzo. 88 x 71 1/2 pulg. (223.5 x 181.6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Además de su práctica de pintura abstracta de toda la vida, Olitski dibujó continuamente retratos figurativos y paisajes. También tuvo una prolífica carrera en escultura que, al igual que su carrera pictórica, no estuvo limitada por nada más que su propia imaginación. De niño, Olitski recibió el apodo de Príncipe Patutsky por parte de su padrastro. Ese nombre aparece una y otra vez en su obra: “Patutsky en el Paraíso” (1966); “Pasión Patutsky” (1963); “Mando del Príncipe Patutsky” (1966). Es precisamente esta devoción a la inocencia infantil lo que veo inundando todo lo que Olitski logró como artista. La historia del arte normalmente solo otorga estatus de leyenda a artistas que son radicales al principio de su carrera, seguidos por la “madurez” y luego la repetición. Olitski no encajaba en ese perfil. Tan experimental y libre como pudo, simplemente hizo su trabajo, sin expectativas, y celebró. Eso lo convierte en una leyenda para mí.

Imagen destacada: Jules Olitski - Rubor Basium, 1960. Magna sobre lienzo. 79 x 109 pulg. (200.7 x 276.9 cm). Kasmin, Nueva York. © Jules Olitski
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio