Una entrevista con John Monteith

John Monteith nació en 1973 en Newmarket, Ontario, Canadá y es graduado del programa MFA de Parsons The New School for Design en 2008. Ha viajado y vivido extensamente por todo el mundo, lo que ha influido y cambiado su práctica de producción a lo largo de los años. Sus intrincadas y coloridas piezas de cera y pigmentos sobre film de dibujo en capas, así como sus meticulosamente estratificadas documentaciones fotográficas, lo han convertido en un artista abstracto muy buscado y conocido.

John Monteith ha sido representado internacionalmente y ha sido el foco de varias exposiciones individuales y colectivas, tales como: “De Noche Todos los Gatos Son Grises”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; “Aún No Titulado”, Galerie Wenger, Zúrich, Suiza; y “Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlín, Alemania. Sus obras forman parte de colecciones permanentes en The New School, Manhattan, Nueva York; BNY Melon, Nueva York; y Morris and Associates en Londres, Inglaterra. IdeelArt tuvo el placer de entrevistar al artista para discutir su proceso de trabajo y proyectos futuros.

¿Qué materiales y técnicas utilizas en tu proceso de trabajo? ¿Cómo ha cambiado tu práctica a lo largo del tiempo?

En mi práctica pictórica anterior, utilizaba óleo sobre lienzo y trabajaba de manera representativa, haciendo pinturas figurativas a gran escala. Desde 2005, he realizado un cambio significativo en términos de medio y tema. La trayectoria de mi trabajo se desarrolló de manera natural junto con mis pensamientos, no solo sobre los espacios urbanos, sino también sobre las relaciones personales y las múltiples capas de relación. Siempre me ha fascinado lo que caracteriza lo mostrado y lo oculto.

En 2006, comencé a trabajar con film de dibujo, utilizando sus cualidades translúcidas para superponer imágenes. Aunque seguía trabajando de manera representacional, usaba pintura al óleo, que se diluía para aprovechar su naturaleza transparente. Estaba pintando arquitectura y centros urbanos, lugares que había visitado que tenían un significado histórico, e incluso los restos de un viejo accidente automovilístico que vi en un bosque en Kioto, Japón, que involucró a un par de coches que se salieron de un camino empinado hace tal vez quince años. Cada una de estas escenas fue o es actualmente un lugar de ruptura. Al crear las pinturas de esta serie, pintaba cada imagen dos veces en dos hojas diferentes de film de dibujo y luego colocaba las hojas una encima de la otra, y desplazaba el registro para que la pintura superior estuviera ligeramente desfasada de la pintura inferior, que luego se superponían para crear una imagen. Combinar estas dos "partes" en una sola pintura creó una obra que permanecía en una zona enigmática de flujo, en cierto sentido, un movimiento atrapado en el tiempo. Después de exhibir estas pinturas junto a una serie de obras basadas en texto, me volví más reductivo en mi proceso artístico, adoptando un enfoque concreto para hacer mis dibujos y pinturas, que mantenía una referencia a lo temporal dentro de la esfera urbana, y un discurso de memoria/historia como lo propusieron escritores como Andreas Huyssen.

En 2011, comencé la serie (de) Construcción/(re) Construcción, que se creó a partir de la documentación fotográfica de espacios intersticiales como las puertas y pasillos de centros comerciales, terminales de aeropuertos y otros espacios públicos. Hice estas pinturas utilizando las formas de la luz y las sombras proyectadas presentes en estos "espacios basura", un término acuñado y escrito por Rem Koolhaas. Estos son lugares de "ningún lugar" donde pasamos gran parte de nuestro tiempo en tránsito, moviéndonos del Punto A al Punto B. Al igual que con mi último grupo de pinturas, utilicé la misma estrategia de pintar dos capas idénticas, pero esta vez, cuando coloqué las capas juntas, las desplacé a la posición deseada antes de terminar la pintura, sacando y empujando hacia atrás ciertos elementos.

Al completar estas pinturas, las monté en plexiglás blanco opaco, cortado a mano a las dimensiones de cada pintura. Esto me permitió colgar las piezas en la pared como lo harías con una pintura tradicional, pero alternativamente pensar en las pinturas de manera escultórica al colgar cada pieza en su propio soporte. Instalar la obra de esta manera creó nuevas relaciones físicas entre las obras mientras hacía referencia a la arquitectura de la galería y alteraba la línea de visión "uno a uno" de la visualización, cambiando así la naturaleza de la experiencia de las pinturas. Mis obras adquieren diferentes asociaciones de esta manera. Siempre he estado interesado en la superposición, pero también me interesa usar un material para hacer referencia a otro, en este caso mis pinturas instaladas como esculturas. Diferentes pinturas pueden parecer dibujos, y fotografías y dibujos pueden parecer pinturas. Cada paso en mi proceso creativo se manifiesta visualmente en la obra final; las huellas siempre son legibles. Para mí, aquí es donde reside el contenido. En nuestras ciudades, este escenario se desarrolla mientras buscamos evidencia y huellas del pasado, ocultas dentro de la apariencia del presente.

Pasé los últimos dos años en Berlín, creando dibujos que crecieron de manera orgánica en lugar de mi uso anterior de referencias fotográficas. Estuve particularmente observando la reconstrucción de la ciudad, su topografía y también los "vacíos" de la ciudad que mantienen huellas del pasado. A partir de esta investigación, creé grupos interconectados de dibujos que se informan entre sí cuando se ven en conjunto, así como obras que consideraban la reconstrucción arquitectónica que está ocurriendo en el centro de la ciudad.

¿Cuánto tiempo suele llevar un trabajo?

Realmente depende. Cuando estaba en Berlín, normalmente estaba en mi estudio seis días a la semana. Es difícil decir cuánto tiempo tomará una obra, ya que tiendo a trabajar en múltiples piezas a la vez. En mi proceso, empiezo con pintura muy delgada y luego la voy construyendo lentamente o, en el caso de mis dibujos, a menudo pasaba un par de semanas haciendo pruebas antes de finalizar mi enfoque hacia la obra. Básicamente, mi proceso es uno lento y laborioso.

¿Qué es integral para tu trabajo?

"Mi práctica me ha llevado a muchas ciudades, tanto para vivir como para investigar. Cada vez que me traslado, influye y cambia mi trabajo. Estos lugares son catalizadores de las formas en que pienso sobre la creación artística y cómo ejecuto mi proceso. Surgen nuevas formas de pensar y crear a medida que se rompen y sacuden los hábitos del pasado." 

¿Cómo sabes cuándo un trabajo está terminado? 

No trabajo realmente de una manera tan nebulosa; para mí es más claro. Nunca ha habido una pregunta sobre lo que necesito hacer a continuación para resolver un trabajo. La mayor pregunta para mí es cómo coloco cada pieza contextualizada con otras piezas en la exposición, y cómo se va a instalar el trabajo. Estas son siempre las preguntas más difíciles, ya que considero cómo se leerá mi trabajo y cómo el espacio de exhibición influirá en esta legibilidad. Al trabajar con mi material elegido, el enmarcado también es una consideración. El enmarcado puede hacer o deshacer mi trabajo. Me gusta trabajar con enmarcadores en los que confío que pueden ofrecer su perspectiva e ideas.

¿Qué significa para tu proceso tener un espacio físico para hacer arte, y cómo haces que tu espacio de estudio funcione para ti?

"Mi estudio necesita ser un espacio solitario y tranquilo. Soy flexible con la ubicación, pero el espacio del estudio dicta ciertos parámetros, particularmente en términos de escala y cuán grande es posible trabajar. Si tienes un espacio pequeño, una obra se verá mucho más grande en tu estudio de lo que se verá una vez que esté colgada en las paredes de una gran galería." 

¿Hay algo en lo que estés trabajando actualmente, o algo que estés emocionado por comenzar y que puedas contarme?

Actualmente, estoy en Halifax, Canadá, haciendo una investigación sobre prácticas artísticas basadas en fibra para un nuevo cuerpo de obras tejidas en telar. Mientras estaba en Berlín, me interesé cada vez más en aumentar mi práctica tradicional e incorporar nuevos medios; seguiré pintando, pero de una manera diferente.

¿Cómo navegas en el mundo del arte?

Creo que la mejor manera de lidiar con las presiones es pasar tanto tiempo como sea posible en tu estudio y seguir creando. Hay un cierto consuelo en el proceso de avanzar de maneras que son desafiantes para ti. Leo diferentes textos y publicaciones de arte que están orientados hacia la teoría cultural y la investigación en lugar de reseñas de exposiciones o artículos dedicados al mercado del arte. También ayuda tener a mi comunidad a mi alrededor; tengo grupos en Berlín, Nueva York y Toronto, compuestos por artistas, curadores, escritores, diseñadores, músicos y DJs que apoyan mi trabajo mientras yo apoyo el suyo. Participar en conversaciones y simplemente estar presente con ellos me ayuda enormemente a sobrellevar las presiones de ser artista.

¿Cuál es el mejor consejo que te han dado cuando te adentraste en el mundo del arte? ¿Qué consejo tienes para los jóvenes artistas emergentes?

"El mejor consejo que recibí fue de Martha Rosler, quien dijo: 'Nunca confíes en nadie con tu carrera. Siempre tienes que estar atento a cómo te están representando y cómo aquellos que te representan están enmarcando la conversación sobre tu trabajo.'"

¿Estás involucrado en algún espectáculo o evento próximo? ¿Dónde y cuándo?

Seré parte de una exposición colectiva en la Galería Wenger en Zúrich, Suiza, que se inaugura el 24 de octubre de 2015 y estará abierta hasta el 9 de enero. También tengo algunos otros proyectos que están en las primeras etapas de desarrollo.

Imagen destacada: Instalación del Día de los Caídos O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Cortesía del artista