Una entrevista con John Monteith

John Monteith nació en 1973 en Newmarket, Ontario, Canadá, y se graduó del programa de Maestría en Bellas Artes de Parsons The New School for Design en 2008. Ha viajado y vivido extensamente por todo el mundo, lo que ha influido y transformado su práctica artística a lo largo de los años. Sus piezas intrincadas y coloridas de cera y pigmentos sobre película de dibujo en capas, así como sus meticulosas documentaciones fotográficas en capas, lo han convertido en un artista abstracto muy solicitado y reconocido.

John Monteith ha sido representado internacionalmente y ha sido el centro de varias exposiciones individuales y colectivas, tales como: “At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; “Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zúrich, Suiza; y “Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlín, Alemania. Sus obras forman parte de colecciones permanentes en The New School, Manhattan, Nueva York; BNY Melon, Nueva York; y Morris and Associates en Londres, Inglaterra. IdeelArt tuvo el placer de entrevistar al artista para hablar sobre su proceso de trabajo y proyectos futuros.

¿Qué materiales y técnicas usas en tu proceso de trabajo? ¿Cómo ha cambiado tu práctica con el tiempo?

En mi práctica pictórica inicial, usaba óleo sobre lienzo y trabajaba de manera representativa, realizando pinturas figurativas a gran escala. Desde 2005, he hecho un cambio significativo en cuanto a medio y tema. La trayectoria de mi trabajo se desarrolló de forma natural junto con mis pensamientos, no solo sobre los espacios urbanos sino también sobre las relaciones personales y múltiples capas de relación. Siempre me ha fascinado lo que caracteriza lo mostrado y lo oculto.

En 2006, comencé a trabajar con película de dibujo, usando sus cualidades translúcidas para superponer imágenes. Aunque seguía trabajando de forma representativa, usaba pintura al óleo, que diluía para aprovechar su naturaleza transparente. Pintaba arquitectura y centros urbanos, lugares que había visitado y que tenían importancia histórica, e incluso los restos de un antiguo accidente automovilístico que vi en un bosque en Kioto, Japón, que involucró un par de coches que se salieron de una carretera empinada hace unos quince años aproximadamente. Cada una de estas escenas fue o es un lugar de ruptura. Al crear las pinturas de esta serie, pintaba cada imagen dos veces en dos hojas diferentes de película de dibujo y luego colocaba las hojas una sobre la otra, desplazando el registro para que la pintura superior estuviera ligeramente desfasada respecto a la inferior, que luego se superponían para crear una sola imagen. Combinar estas dos “partes” en una pintura creó una obra que permanecía en una zona enigmática de flujo, en cierto sentido, un movimiento atrapado en el tiempo. Después de exhibir estas pinturas junto con una serie de obras basadas en texto, me volví más reductivo en mi creación artística, adoptando un enfoque Concreto para hacer mis dibujos y pinturas, que mantenía una referencia a lo temporal dentro de la esfera urbana, y un discurso de memoria/historia promovido por escritores como Andreas Huyssen.

En 2011, comencé la serie (de) Construcción/(re) Construcción, creada a partir de documentación fotográfica de espacios intersticiales como las entradas y pasillos de centros comerciales, terminales de aeropuertos y otros espacios públicos. Realicé estas pinturas usando las formas de luz y sombra proyectadas presentes en estos “espacios basura”, un término acuñado y escrito por Rem Koolhaas. Son lugares de “ningún lugar” donde pasamos gran parte de nuestro tiempo en tránsito, moviéndonos del Punto A al Punto B. Como en mi último grupo de pinturas, usé la misma estrategia de pintar dos capas idénticas, pero esta vez, al colocar las capas juntas, las desplazaba a la posición deseada antes de terminar la pintura, resaltando y ocultando ciertos elementos.

Al terminar estas pinturas, las montaba sobre plexiglás blanco opaco, cortado a mano según las dimensiones de cada obra. Esto me permitía colgar las piezas en la pared como una pintura tradicional, pero también pensar en ellas escultóricamente colgando cada pieza en su propio soporte. Instalar las obras de esta manera creó nuevas relaciones físicas entre ellas, al tiempo que hacía referencia a la arquitectura de la galería y alteraba la línea de visión “uno a uno”, cambiando así la naturaleza de la experiencia de las pinturas. Mis obras adquieren diferentes asociaciones de esta forma. Siempre me ha interesado la superposición, pero también me interesa usar un material para referenciar otro, en este caso mis pinturas instaladas como esculturas. Diferentes pinturas pueden parecer dibujos, y fotografías y dibujos pueden parecer pinturas. Cada paso en mi proceso creativo se manifiesta visualmente en la obra final; las huellas siempre son legibles. Para mí, ahí reside el contenido. En nuestras ciudades, este escenario se desarrolla mientras buscamos evidencias y rastros del pasado, ocultos bajo el barniz del presente.

Pasé los últimos dos años en Berlín, creando dibujos que crecían de forma orgánica, a diferencia de mi uso anterior de referencias fotográficas. Me interesaba particularmente la reconstrucción de la ciudad, su topografía y también los “vacíos” de la ciudad que mantienen rastros del pasado. A partir de esta investigación, creé grupos interconectados de dibujos que se informan mutuamente cuando se ven en conjunto, así como obras que consideraban la reconstrucción arquitectónica que ocurre en el centro de la ciudad.

¿Cuánto tiempo suele tomar una obra?

Realmente depende. Cuando estaba en Berlín, solía estar en mi estudio seis días a la semana. Es difícil decir cuánto tiempo tomará una obra, ya que tiendo a trabajar en varias piezas a la vez. En mi proceso, comienzo con pintura muy diluida y luego la voy construyendo lentamente o, en el caso de mis dibujos, a menudo pasaba un par de semanas haciendo pruebas antes de finalizar mi enfoque para la obra. Básicamente, mi proceso es lento y laborioso.

¿Qué es fundamental en tu trabajo?

Mi práctica me ha llevado a muchas ciudades, tanto para vivir como para investigar. Cada vez que me traslado, influye y cambia mi trabajo. Estos lugares son catalizadores de las formas en que pienso sobre hacer arte y cómo ejecuto mi proceso. Surgen nuevas formas de pensar y crear a medida que los hábitos pasados se rompen y sacuden.

¿Cómo sabes cuándo una obra está terminada?

Realmente no trabajo de manera tan nebulosa; para mí es más claro. Nunca ha habido duda sobre qué necesito hacer a continuación para resolver una obra. La mayor pregunta para mí es cómo ubico cada pieza contextualmente con otras piezas en la muestra, y cómo se instalará la obra. Estas son siempre las preguntas más difíciles al considerar cómo se leerá mi trabajo y cómo el espacio expositivo influirá en esta legibilidad. Mientras trabajo con el material elegido, el enmarcado también es una consideración. El enmarcado puede hacer o deshacer mi obra. Me gusta trabajar con enmarcadores en quienes confío y que pueden ofrecer su perspectiva e ideas.

¿Qué significa para tu proceso tener un espacio físico para crear arte, y cómo haces que tu estudio funcione para ti?

Mi estudio necesita ser un espacio solitario y tranquilo. Soy flexible con la ubicación, pero el espacio del estudio dicta ciertos parámetros, particularmente en cuanto a la escala y el tamaño posible para trabajar. Si tienes un espacio pequeño, una obra parecerá mucho más grande en tu estudio que cuando esté colgada en las paredes de una galería grande.

¿Hay algo en lo que estés trabajando actualmente o que te entusiasme comenzar y que puedas contarme?

Actualmente estoy en Halifax, Canadá, investigando prácticas artísticas basadas en fibras para un nuevo conjunto de obras tejidas en telar. Mientras estuve en Berlín, me interesé cada vez más en complementar mi práctica tradicional e incorporar nuevos medios—seguiré pintando, pero de una manera diferente.

¿Cómo navegas por el mundo del arte?

Creo que la mejor manera de lidiar con las presiones es pasar tanto tiempo como sea posible en tu estudio y seguir creando obras. Hay cierto consuelo en el proceso de avanzar de maneras que te desafían. Leo diferentes textos y publicaciones de arte orientadas a la teoría cultural y la investigación, más que reseñas de exposiciones o artículos dedicados al mercado del arte. También ayuda tener a mi comunidad cerca—tengo grupos en Berlín, Nueva York y Toronto—compuestos por artistas, curadores, escritores, diseñadores, músicos y djs que apoyan mi trabajo como yo apoyo el de ellos. Participar en conversaciones y simplemente estar presente con ellos me ayuda enormemente a sobrellevar las presiones de ser artista.

¿Cuál es el mejor consejo que te dieron cuando comenzaste en el mundo del arte? ¿Qué consejo tienes para los jóvenes artistas emergentes?

El mejor consejo que recibí fue de Martha Rosler, quien dijo: “Nunca confíes en nadie con tu carrera. Siempre debes estar atento a cómo te representan y cómo quienes te representan enmarcan la conversación alrededor de tu obra.”

¿Participarás en alguna exposición o evento próximamente? ¿Dónde y cuándo?

Formaré parte de una exposición colectiva en la Galerie Wenger en Zúrich, Suiza, que se inaugura el 24 de octubre de 2015 y estará hasta el 9 de enero. También tengo otros proyectos que están en las primeras etapas de desarrollo.

Imagen destacada: Instalación Memorial Day O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Cortesía del artista