Arte Azul y Abstracto
Durante siglos, el color azul ha sido una fuente de fascinación tanto para artistas como para amantes del arte. Difícil y costoso de obtener, el azul rara vez se veía fuera de la vestimenta de la realeza, figuras religiosas o élites adineradas en el arte medieval y renacentista, y aun así se usaba con moderación. El pigmento utilizado para crear la pintura azul se derivaba de la piedra semipreciosa lapislázuli, que se importaba a gran costo desde una región del norte de Afganistán. La escasez del color estableció rápidamente al azul como símbolo no solo de riqueza material, sino también de espiritualidad. Incluso cuando los pigmentos sintéticos hicieron el color más accesible, el azul mantuvo su estatus como un color poderoso, expresivo y elemental, desempeñando un papel central en la historia del arte. No es de extrañar, entonces, que en el ámbito del arte abstracto, donde el color es aún más poderoso por su libertad de las limitaciones de la figuración, el azul haya dado algunas de las obras maestras más grandes.
Desnudos Azules
De hecho, desde principios del siglo XX en adelante, el camino hacia la abstracción estuvo, para muchos artistas, pavimentado con azul. El artista francés Henri Matisse estuvo a la vanguardia del desarrollo del arte vanguardista, y sus Desnudos Azules son un testimonio de la importancia del color en su obra. Las imágenes, entre las obras más icónicas del arte de principios del siglo XX, consisten en una serie de desnudos femeninos, reconocibles aunque parcialmente abstraídos, realizados en papel azul pegado sobre un fondo blanco. Trabajando de una manera que el artista denominó “cortar directamente en el color”, al elegir un solo color para la pieza, Matisse redujo las obras a su forma más poderosa y elemental.
Henri Matisse - Desnudo Azul, 1952
El Jinete Azul
Poco después de que se realizaran los Desnudos Azules de Matisse, surgió el grupo artístico expresionista “Der Blaue Reiter” (que se traduce como “El Jinete Azul”), fundado por los artistas Franz Marc y Wassily Kandinsky, a los que luego se unieron Paul Klee, Alexej von Jawlensky y August Macke. El grupo nació de la fascinación compartida por el color azul y el motivo del caballo y el jinete, y vio la creación de varias obras importantes inspiradas en el azul durante el breve tiempo de su existencia. El amor de toda la vida de Kandinsky por el color azul se basaba en lo que él veía como su potencial emotivo y sus capacidades espirituales. Para Kandinsky, cuanto más profundo es el azul, “más despierta el deseo humano por lo eterno”. De hecho, tonos profundos de azul destacan en muchas de las obras más poderosas del pintor, imbuyendo las imágenes con un sentido numinoso y una emotividad que el artista buscaba transmitir.
Franz Marc - Los Grandes Caballos Azules, 1911
Yves Klein
Más adelante en el siglo XX, el color azul volvió a tomar protagonismo a través de la obra del pintor francés Yves Klein. Klein, cuya carrera estuvo definida por su preocupación por el color en sus formas más puras, llevó al límite la creación artística con la fabricación de sus primeros lienzos totalmente monocromos en 1947. Estas obras, que desafiaban la convención artística, fueron originalmente creadas en una gama completa de colores; sin embargo, con el tiempo el artista se obsesionó cada vez más con encontrar un tono particular de azul ultramarino, que creía capturaría la cualidad del espacio puro. Una vez que desarrolló el tono perfecto, conocido como IKB, o Azul Klein Internacional, patentó el color y produjo alrededor de 200 lienzos pintados con ese tono, llegando incluso a pintar modelos desnudos con el color e instruirlos para que rodaran sobre un lienzo y crearan composiciones abstractas y altamente expresivas.
Yves Klein - IKB 191, 1962
Roger Hiorns y el Arte Abstracto Azul
Más de medio siglo después de que Klein creara sus primeros lienzos IKB, el color azul sigue marcando el camino en el ámbito del arte no figurativo que rompe fronteras. Para el artista contemporáneo Roger Hiorns, un antiguo piso de protección oficial en Londres fue el lienzo para su obra maestra azul, Seizure, creada al cubrir el pequeño estudio con una solución de sulfato de cobre. Luego se permitió que se formaran sobre cada superficie del espacio unos llamativos cristales azules. La pieza, que fue nominada al Premio Turner en 2009, demuestra el poder duradero del color en el arte contemporáneo.
Ya sea símbolo de espiritualidad o riqueza material, tristeza o fortaleza, espacio o vacío, no hay duda de que el color azul ha servido de inspiración para los artistas a lo largo de los siglos. Dejando una huella duradera en la historia del arte abstracto, el tono que alguna vez fue precioso se ha democratizado pero no diluido, y su poder elemental y potencial expresivo han inspirado a artistas desde Mondrian hasta Malevich, Kandinsky hasta Klee, y Picasso hasta Pollock.
Imagen destacada: Roger Hiorns - Seizure
