Arte Azul y Abstracto

Durante siglos, el color azul ha sido una fuente de fascinación para artistas y amantes del arte por igual. Difícil y costoso de obtener, el azul rara vez se veía fuera de la vestimenta de los royales, figuras religiosas o élites adineradas en el arte medieval y renacentista, y aun así se usaba con moderación. El pigmento utilizado para crear pintura azul se derivaba de la piedra semipreciosa lapislázuli, que se importaba a un gran costo de una región en el norte de Afganistán. La escasez del color estableció rápidamente el azul como un símbolo no solo de riqueza material, sino también de espiritualidad. Incluso cuando los pigmentos sintéticos hicieron que el color fuera más accesible, el azul mantuvo su estatus como un color poderoso, expresivo y elemental, desempeñando un papel central en la historia del arte. No es de extrañar, entonces, que en el ámbito del arte abstracto, donde el color es aún más poderoso por su libertad de las limitaciones de la figuración, el azul haya dado lugar a algunas de las mayores obras maestras.

Desnudos azules

De hecho, desde principios del siglo XX, el camino hacia la abstracción estuvo, para muchos artistas, pavimentado de azul. El artista francés Henri Matisse estuvo a la vanguardia del desarrollo del arte de vanguardia, sus Desnudos Azules son un testimonio de la importancia del color en su obra. Las imágenes, entre las obras más icónicas del arte de principios del siglo XX, consisten en una serie de desnudos femeninos, reconocibles aunque parcialmente abstraídos, representados en papel azul pegado sobre un fondo blanco. Trabajando de una manera que el artista denominó "cortar directamente en el color", al elegir un solo color para la pieza, Matisse redujo las obras a su forma más poderosa y elemental.

Henri Matisse - Desnudo azul, 1952

El jinete azul

Poco después de que se realizaran los Desnudos Azules de Matisse, se formó el grupo artístico expresionista "Der Blaue Reiter" (que se traduce como "El Jinete Azul"), fundado por los artistas Franz Marc y Wassily Kandinsky, más tarde se unieron Paul Klee, Alexej von Jawlensky y August Macke. El grupo nació de la fascinación compartida de la pareja por el color azul y el motivo del caballo y el jinete, y vio la creación de una serie de importantes obras inspiradas en el azul durante el breve curso de su existencia. El amor de toda la vida de Kandinsky por el color azul se basaba en lo que él veía como su potencial emotivo y capacidades espirituales. Para Kandinsky, cuanto más profundo era el azul, "más despierta el deseo humano por lo eterno". De hecho, los tonos profundos de azul puntean muchas de las obras más poderosas del pintor, impregnando las imágenes con un sentido numinoso y una profundidad que el artista pretendía transmitir.

Franz Marc - Los grandes caballos azules, 1911

Yves Klein

Más tarde, en el siglo XX, el color azul volvió a ocupar el centro del escenario, a través del trabajo del pintor francés Yves Klein. Klein, cuya carrera estuvo definida por su preocupación por el color en sus formas más puras, llevó los límites de la creación artística con la fabricación de sus primeros lienzos completamente monocromáticos en 1947. Estas obras, desafiando la convención artística, fueron creadas originalmente en una gama completa de colores; sin embargo, con el tiempo, el artista se obsesionó cada vez más con encontrar un tono particular de azul ultramar, que creía capturaría la calidad del espacio puro. Una vez que desarrolló el tono perfecto, conocido como IKB, o Azul Internacional Klein, patentó el color y produjo alrededor de 200 lienzos pintados con ese tono, llegando incluso a pintar modelos desnudos con el color e instruirles para que rodaran sobre un lienzo para crear composiciones abstractas y altamente expresivas.

Yves Klein - IKB 191, 1962

Roger Hiorns y Arte Abstracto Azul

Más de medio siglo después de que Klein creara sus primeros lienzos IKB, el color azul sigue liderando el camino en el ámbito del arte no figurativo que desafía los límites. Para el artista contemporáneo Roger Hiorns, un antiguo piso de consejo en Londres fue el lienzo para su obra maestra azul, Seizure, creada al cubrir el pequeño estudio con una solución de sulfato de cobre. Se permitió que se formaran impresionantes cristales azules sobre cada superficie del espacio. La pieza, que fue nominada para el Premio Turner en 2009, demuestra el poder duradero del color en el arte contemporáneo.

Ya sea un símbolo de espiritualidad o riqueza material, tristeza o fortaleza, espacio o vacío, no hay duda de que el color azul ha servido de inspiración para los artistas a lo largo de las épocas. Dejó una huella duradera en la historia del arte abstracto, el una vez precioso tono se ha democratizado pero no diluido, su poder elemental y potencial expresivo proporcionando inspiración a artistas desde Mondrian hasta Malevich, Kandinsky hasta Klee, y Picasso hasta Pollock. 

Imagen destacada: Roger Hiorns - Seizure