Charlotte Park, una artista abstracta que debes conocer

Encuentro cosas familiares en el trabajo de Charlotte Park. Veo en sus pinturas una ansiedad y búsqueda casi ilimitadas, reemplazadas en ciertos momentos por una quietud o calma, pero siempre con confianza. Park no es una artista particularmente conocida hoy en día, aunque sus asociados más cercanos están entre los artistas más famosos del siglo pasado. Estuvo casada con James Brooks, cuyo trabajo se encuentra en el Tate, MoMA y el Smithsonian, entre otras colecciones institucionales. Park y Brooks vivían al lado de Jackson Pollock y Lee Krasner en la ciudad de Nueva York. Cuando Pollock y Krasner se mudaron a los Hamptons, Park y Brooks tomaron su apartamento, y luego los siguieron a Long Island. A pesar de estar socialmente rodeada de docenas de otros pintores talentosos, Park desarrolló una voz visual singular que para mí es instantáneamente relatable. Quizás hoy es relativamente desconocida en comparación con sus contemporáneos porque todos ellos estaban alegremente asociados con el Expresionismo Abstracto. Aunque muchos escritores y comerciantes de arte contemporáneo han hecho intentos evidentes de "redescubrir" a Park, y de forzar su trabajo en ese mismo contexto histórico, no siento ninguna inclinación a escribir sobre Park como parte de ese movimiento, o tendencia, o fenómeno, o lo que fuera o es. Park me parece haber estado en un viaje artístico personal, uno que siguió una evolución única. A diferencia de muchos de sus compañeros, que lograron éxito crítico y luego se fosilizaron, Park alcanzó su pico tarde en su carrera, como un sabio que finalmente llega a la cima de una montaña, viendo todo, finalmente, en la cosa más pequeña. Mientras que el Expresionismo Abstracto siempre me parece tratar de una especie de "yo-ismo", Park creó un cuerpo de trabajo que se siente más sobre "todo-ismo". Sus pinturas no solo mapean su individualidad, sino su humanidad—su evolución de buscadora a paz interior.

Una figura en aislamiento

Nacida en Concord, Massachusetts en 1918, Park obtuvo su título en arte de Yale en 1939. Trabajó para la Oficina de Servicios Estratégicos (OSS), que más tarde se convirtió en la CIA, durante la Segunda Guerra Mundial, y luego se mudó a Nueva York con Brooks después de la guerra. En el Manhattan de la posguerra, ella y Brooks se encontraron en medio de una de las vanguardias artísticas más vibrantes del mundo. Sin embargo, el único aspecto de esa escena que parece haber permeado el trabajo que Park realizó en ese momento es el enfoque en la abstracción. Sus pinturas traicionan poco interés en las principales preocupaciones de sus contemporáneos, como el subconsciente, el dibujo automático, el trascendentalismo o la creación de mitos. Park no parece haberse visto a sí misma, como lo hizo Pollock, como la encarnación de la naturaleza. En cambio, pintó como una artista interesada en plantear preguntas fundamentales sobre qué es la pintura y si realmente es adecuada para expresar la totalidad de la experiencia humana.

Charlotte Park - El Sol, 1950. Óleo sobre papel montado en lienzo. 18 x 24 in. (45.7 x 61 cm). © Berry Campbell Gallery

Las primeras pinturas como “Masque” (1950), “El Sol” (1950) y “Salida” (1955), sugieren a alguien que aparentemente intenta pintar multitudes—formas biomórficas atrapadas en un juego de empujar y tirar. Las formas en sí mismas en estas pinturas no son realmente el tema. Más bien, son las relaciones entre ellas y su entorno las que parecen importantes. En una serie extendida de pinturas mayormente negras que comenzó a hacer en la década de 1950, Park parecía intentar desgarrar realidades plásticas para descubrir algo detrás de la superficie. La ira y la frustración parecen estar incrustadas en estas explosiones visuales ásperas. La emoción, la alegoría y la metáfora están tratando de expresarse, pero las pinturas parecen casi inadecuadas para llevar sus mensajes. La única declaración que estas pinturas logran hacer una y otra vez es que quien las pintó se siente solo.

Charlotte Park - Sin título, 1985. Acrílico sobre papel. 28.6 x 28.6 cm. © James Brooks y la Fundación Charlotte Park. Cortesía de la Galería Berry Campbell.

Encontrar la cuadrícula

Algunos escritores resisten la llamada a contar historias, por extraño que eso pueda sonar. Simplemente quieren escribir, sin estructura, sin expectativas. La historia puede ser una jaula que roba al escritor muchas libertades creativas. Algunos pintores sienten lo mismo acerca de la cuadrícula. Tener que crear composiciones llamadas que se adhieren a formatos visuales existentes es una fuente de verdadera frustración para un artista que solo quiere pintar. La ansiedad presente en su trabajo a lo largo de la mayor parte de su carrera sugiere que Park estaba íntimamente familiarizada con esta lucha. A lo largo de las décadas de 1950 y 60, y hasta principios de los 70, su trabajo se rebela contra los límites del marco, socavando la influencia de la cuadrícula, rechazando nociones tradicionales de armonía y equilibrio, e ignorando nociones de la estrategia compositiva "all over" adoptada por muchos de sus contemporáneos. Muchas de las pinturas que hizo en esta primera mitad de su carrera no me parecen en absoluto pinturas: parecen peleas: peleas con el espacio; peleas con la luz; peleas con la materialidad; peleas con lo que los polinesios llaman mana: la energía que se acumula en todas las cosas.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acrílico sobre lienzo. 18 x 18 in. (45.7 x 45.7 cm). © Berry Campbell Gallery

Park puso energía en sus pinturas. Ella transfirió algo animado de sí misma, o de sí misma, a una cosa inanimada, una imagen. Esa lucha llegó a un abrupto final, sin embargo, alrededor de mediados de la década de 1970, cuando Park se aventuró en un desvío estético inesperado: el de Piet Mondrian y la herencia del Neo-Plasticismo. Pinturas como “Gerardia” (1975), “Hellebore” (1975-77) y “Pereshia” (1976-78) retoman justo donde la paleta de colores simplificada y la estructura de cuadrícula Neo-Plástica de Mondrian lo dejaron. Excepto que Park lo hace todo a mano alzada, y con una mente libre. Su fase de pintura en cuadrícula Neo-Plástica fue de corta duración, pero la idea de la cuadrícula permaneció presente en su trabajo durante el resto de su carrera. Es como si, en lugar de luchar con las limitaciones del marco y el anti-liberalismo de la estructura compositiva, Park inesperadamente encontrara alguna libertad secreta en su abrazo a tales parámetros. Sus pinturas siempre fueron seguras, pero la aparición tardía de la cuadrícula en ellas las hizo silenciosas y tranquilas. Personalmente, me relaciono con estas pinturas pacíficas menos que con el resto de su obra, pero apuesto a que mi opinión no significaría nada para Park, ya que ella era una artista rara que pintaba principalmente para sí misma.

Imagen destacada: Charlotte Park - Sin título, 1960. Óleo sobre lienzo. 34 x 34 in. (86.4 x 86.4 cm). © Berry Campbell Gallery
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio