Charlotte Park, una artista abstracta que debes conocer

Encuentro cosas familiares en la obra de Charlotte Park. Veo en sus pinturas una ansiedad y búsqueda casi ilimitadas, reemplazadas en ciertos momentos por una quietud o calma, pero siempre con confianza. Park no es una artista particularmente conocida hoy en día, aunque sus asociados más cercanos están entre los artistas más famosos del siglo pasado. Estuvo casada con James Brooks, cuyo trabajo forma parte de colecciones institucionales como la Tate, el MoMA y el Smithsonian, entre otras. Park y Brooks vivían al lado de Jackson Pollock y Lee Krasner en la ciudad de Nueva York. Cuando Pollock y Krasner se mudaron a los Hamptons, Park y Brooks ocuparon su apartamento, y luego los siguieron hasta Long Island. A pesar de estar socialmente rodeada por decenas de otros pintores talentosos, Park desarrolló una voz visual singular que para mí es instantáneamente reconocible. Quizás sea relativamente desconocida hoy en comparación con sus contemporáneos porque todos ellos se asociaron alegremente con el Expresionismo Abstracto. Aunque muchos escritores y comerciantes de arte contemporáneo han intentado abiertamente “redescubrir” a Park y forzar su obra dentro de ese mismo contexto histórico, no siento inclinación a escribir sobre Park como parte de ese movimiento, tendencia, fenómeno o lo que sea que haya sido o sea. Para mí, Park parece haber estado en un viaje artístico personal, uno que siguió una evolución única. A diferencia de muchos de sus compañeros, que alcanzaron el éxito crítico y luego se estancaron, Park alcanzó su cima tarde en su carrera, como un sabio que finalmente llega a la cima de una montaña, viendo todo, finalmente, en la cosa más pequeña. Mientras que el Expresionismo Abstracto siempre me parece una especie de “yo-ismo”, Park creó un cuerpo de obra que se siente más sobre el “todo”. Sus pinturas no solo reflejan su individualidad, sino su humanidad: su evolución de buscadora a la paz interior.

Una figura en aislamiento

Nacida en Concord, Massachusetts en 1918, Park obtuvo su título en arte en Yale en 1939. Trabajó para la Oficina de Servicios Estratégicos (OSS), que luego se convirtió en la CIA, durante la Segunda Guerra Mundial, y luego se mudó a Nueva York con Brooks después de la guerra. En el Manhattan de la posguerra, ella y Brooks se encontraron en medio de una de las vanguardias artísticas más vibrantes del mundo. Sin embargo, el único aspecto de esa escena que parece haber permeado el trabajo que Park hizo en ese momento es el enfoque en la abstracción. Sus pinturas muestran poco interés en las principales preocupaciones de sus contemporáneos, como el subconsciente, el dibujo automático, el trascendentalismo o la creación de mitos. Park no parece haberse visto a sí misma, como Pollock, como la naturaleza encarnada. En cambio, pintaba como una artista interesada en plantear preguntas fundamentales sobre qué es la pintura y si realmente es adecuada para expresar la totalidad de la experiencia humana.

Charlotte Park - El Sol, 1950. Óleo sobre papel montado en lienzo. 18 x 24 pulg. (45.7 x 61 cm). © Berry Campbell Gallery

Las primeras pinturas como “Masque” (1950), “El Sol” (1950) y “Partida” (1955), sugieren a alguien que aparentemente intenta pintar multitudes: formas biomórficas agrupadas, atrapadas en un juego de empujar y jalar. Las formas mismas en estas pinturas no son realmente el tema principal. Más bien, son las relaciones entre ellas y su entorno lo que parece importante. En una serie extensa de pinturas mayormente negras que comenzó a hacer en los años 50, Park parecía intentar atravesar realidades plásticas para descubrir algo detrás de la superficie. La ira y la frustración parecen estar incrustadas en estos estallidos visuales ásperos. La emoción, la alegoría y la metáfora intentan expresarse, pero las pinturas parecen casi insuficientes para llevar sus mensajes. La única declaración que estas pinturas logran hacer una y otra vez es que quien las pintó se siente solo.

Charlotte Park - Sin título, 1985. Acrílico sobre papel. 28.6 x 28.6 cm. © James Brooks and Charlotte Park Foundation. Cortesía Berry Campbell Gallery

Encontrando la cuadrícula

Algunos escritores resisten la llamada a contar historias, por extraño que parezca. Simplemente quieren escribir, sin estructura, sin expectativas. La historia puede ser una jaula que roba al escritor muchas libertades creativas. Algunos pintores sienten lo mismo respecto a la cuadrícula. Tener que crear las llamadas composiciones que se ajustan a formatos visuales existentes es una fuente de verdadera frustración para un artista que solo quiere pintar. La ansiedad presente en su obra a lo largo de la mayor parte de su carrera sugiere que Park estaba íntimamente familiarizada con esta lucha. Durante las décadas de 1950 y 60, y hasta principios de los 70, su obra se rebela contra los límites del marco, esquivando la influencia de la cuadrícula, rechazando las nociones tradicionales de armonía y equilibrio, e ignorando las ideas de la estrategia compositiva “total” adoptada por muchos de sus contemporáneos. Muchas de las pinturas que hizo en esta primera mitad de su carrera no me parecen realmente pinturas en absoluto: parecen peleas: peleas con el espacio; peleas con la luz; peleas con la materialidad; peleas con lo que los polinesios llaman mana: la energía que se acumula en todas las cosas.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acrílico sobre lienzo. 18 x 18 pulg. (45.7 x 45.7 cm). © Berry Campbell Gallery

Park puso energía en sus pinturas. Transfirió algo animado de sí misma, o de ella, a una cosa inanimada, una imagen. Sin embargo, esa lucha terminó abruptamente alrededor de mediados de los años 70, cuando Park se adentró en un inesperado desvío estético: el de Piet Mondrian y la herencia del Neoplasticismo. Pinturas como “Gerardia” (1975), “Hellebore” (1975-77) y “Pereshia” (1976-78) retoman justo donde la paleta de colores simplificada y la estructura de cuadrícula neoplástica de Mondrian quedaron. Excepto que Park lo hace todo a mano alzada y con una mente libre. Su fase de pintura con cuadrícula neoplástica fue breve, pero la idea de la cuadrícula permaneció presente en su obra durante el resto de su carrera. Es como si, en lugar de luchar con las limitaciones del marco y el antiberalismo de la estructura compositiva, Park inesperadamente encontrara cierta libertad secreta en su abrazo de tales parámetros. Sus pinturas siempre fueron confiadas, pero la aparición tardía de la cuadrícula en ellas las hizo tranquilas y serenas. Personalmente, me relaciono menos con estas pinturas pacíficas dentro de su obra, pero apuesto a que mi opinión no significaría nada para Park, ya que fue una artista rara que pintó principalmente para sí misma.

Imagen destacada: Charlotte Park - Sin título, 1960. Óleo sobre lienzo. 34 x 34 pulg. (86.4 x 86.4 cm). © Berry Campbell Gallery
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio