Elementos de Abstracción - Elizabeth Gourlay en una Entrevista

Elizabeth Gourlay considera su obra una meditación sobre las formas y los colores, y a veces compara su práctica de estudio con el proceso de componer música. Mediante una combinación de técnicas que van del óleo al grafito y el collage, Gourlay crea composiciones abstractas que hacen referencia a un vocabulario estético sublimemente equilibrado entre la naturaleza y la geometría. Residente de Chester, Connecticut, Gourlay participa este mes en cuatro exposiciones colectivas, en Nueva York, Connecticut y Massachusetts. IdeelArt tuvo la oportunidad de conversar con ella sobre su práctica, su calendario de exposiciones y su nueva producción artística.

Entrevista con Elizabeth Gourlay - Exposiciones y actividades recientes

IdeelArt: ¡Tienes un mes muy ocupado! Este mes participas en cuatro exposiciones colectivas en cuatro ciudades diferentes. Cuando te encuentras en un momento así, en el que muchos espectadores distintos tienen la oportunidad de encontrarse con tu obra, ¿sigues teniendo tiempo para mantenerte activa en el estudio o prefieres estar en las galerías interactuando con esos espectadores y asimilando sus reacciones ante tu obra?

Elizabeth Gourlay: Es la primera vez que tengo tanta actividad de una sola vez. Es emocionante, pero estoy tan acostumbrada a dedicar toda mi atención a las exposiciones individuales que ahora tuve que perderme una inauguración para asistir a otra. Pero una vez que se entrega la obra, el tiempo vuelve a ser mío. Aunque estoy deseando enormemente volver al estudio después incluso de un breve periodo de actividad que me aleje de él, también disfruto de la interacción que tiene lugar en la galería, conversando con otros artistas y amigos durante las inauguraciones y otros eventos de la galería. El arte abstracto es un lenguaje, y conversar con los espectadores, especialmente con artistas y amigos durante los eventos, fortalece la sensación de resiliencia en las nuevas expresiones que estamos descubriendo.

IA: Este mes tienes exposiciones en lugares rurales idílicos, como The Tremaine Gallery en Lakeville, Connecticut, y también en centros urbanos densamente poblados, como 1285 Avenue of the Americas Gallery, en Midtown Manhattan. ¿De qué manera han respondido de forma diferente a tu obra los espectadores de entornos tan distintos?

E.G. En ambos casos, el público era visualmente sofisticado y parecía involucrado y positivo. En Nueva York, por lo general parecían ser más comunicativos, hacían preguntas y expresaban sus opiniones con mayor facilidad. ¡Creo que los espectadores de Nueva York tendían a acercarse más a las obras!

IA: ¿De qué manera han afectado a la dirección de tu práctica las conversaciones u otros tipos de interacción con los espectadores?

E.G. Intento no dejarme influir por las reacciones de los espectadores, aunque, inevitablemente, si la respuesta es positiva hacia una nueva dirección que me entusiasma en mi trabajo, eso tiende a influirme para seguir explorando ese camino. Siempre es interesante experimentar las diferencias de opinión y cómo y por qué las personas se sienten atraídas por obras distintas.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotipia sobre papel. 40.6 x 38.1 cm.

Pasado y presente

IA: ¿En qué se diferencia la obra que haces hoy de la que has hecho en el pasado? 

E.G. Mi obra, desde aproximadamente 1994, se basaba con mucha frecuencia en retículas y tenía un formato cuadrado. Se construía en capas de aguadas y líneas dibujadas. Alrededor de 2005, comencé a experimentar con formas geométricas mucho más atrevidas y colores saturados. Desde entonces, he ido alternando entre formas y colores intensos y contundentes, y obras más delicadas y apagadas, combinándolos ocasionalmente. Las piezas suelen comenzar de manera similar, pero pueden terminar siendo muy diferentes. Probablemente, el cambio más importante sea la libertad que me permito durante el proceso de creación.

IA: A veces haces referencia a la meditación cuando hablas de tu obra. ¿Podrías explicar con más detalle qué significa esa palabra en relación con tu arte? Por ejemplo, ¿consideras que el proceso de realizar la obra es meditativo? ¿Consideras que la obra terminada puede ser un intermediario meditativo para los espectadores? 

E.G. Sí considero que el proceso es meditativo. Intento no llevar demasiadas ideas al estudio, quizá una idea de color o de forma. Cuando comienzo a trabajar, dejo que el ojo interior, la mente inconsciente, responda a la obra y me conduzca a captar ese elemento mental elusivo que puede estar distante y, sin embargo, tan presente. Por lo general, mi mejor trabajo surge cuando mis pensamientos están despejados, cuando estoy en sintonía con la obra. Ya sea dibujando directamente o superponiendo aguadas, disfruto de la experiencia de dejar que la pieza emerja. No podría expresarlo mejor que Paul Klee, quien dijo: “mi mano es enteramente el instrumento de una esfera más distante”. No trabajo con la intención de crear algo para la experiencia de otra persona, pero estoy abierta a su reacción e interpretación. Las personas que conviven con la obra a menudo me dicen que contemplarla les proporciona paz, una alegría serena, o que la pieza les aporta arraigo. Así que estoy segura de que considerar las piezas terminadas como intermediarios meditativos es muy válido, pero dejaré que sean quienes conviven con las piezas y los expertos en la mente y la meditación quienes hagan la mejor evaluación. Si un icono, o intermediario meditativo, es un objeto que proporciona una alegría serena o una paz que aporta arraigo, entonces sí, a menudo me dicen que mis piezas producen esos efectos.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotipia sobre papel. 38.1 x 40.6 cm.

Sobre el proceso

IA: Wassily Kandinsky escribió sobre la música y su capacidad para comunicar emociones a un nivel abstracto. Tú también estableces conexiones entre la música y tu obra. Una de las conexiones que haces es que tu vocabulario visual de líneas y colores podría interpretarse como una referencia a las escalas musicales. ¿De qué otras maneras comparten tu proceso o tus obras similitudes con la composición musical?      

EG: No pienso conscientemente en la música ni en la composición musical. Sin embargo, el número de personas que establecen esa conexión con la música es tan grande que debe haber algo de cierto en la analogía. Escucho música a menudo mientras trabajo y aprendí a tocar el piano de niña, así que esto puede influir en la obra. Estoy “componiendo” de una manera que puede parecer similar a la composición musical, especialmente en el proceso de jugar con barras, líneas y bloques de color. Desplazarlos por el plano pictórico es muy parecido a colocar notas y acordes en distintos lugares de una partitura. 

IA: Habla un poco sobre tu proceso, específicamente sobre la relación que tienes con el collage. Por ejemplo, ¿de qué maneras te afecta de forma diferente el proceso de superponer papel en tu obra que el proceso de pintar? 

EG: La mayoría de las veces, mi proceso de pintura, ya sea sobre papel o lino, es muy directo. Por lo general, comienzo dibujando líneas, seguidas de aguadas de color y después elementos de forma. Intento sorprenderme con una forma fuerte e inesperada o con un color alejado de mi paleta habitual. Los desplazo intentando lograr un equilibrio entre el color y la forma. Esta etapa parece una danza continua, en la que el formalismo se infiltra por un momento y yo me resisto a él. Decidir si incluir o no las intrusiones atrevidas resultantes genera una dinámica que puede mantenerme involucrada con una pieza durante semanas. Las piezas de collage comienzan jugando con el color, tiñendo los bordes con tinta y dibujando líneas sobre papel japonés, para después cortarlo en tiras. Pego estas tiras sobre el lienzo o el lino con cuidado, pero sin tener en mente una composición o estructura preconcebida. A medida que la pieza se desarrolla, empiezo a analizar para permitir que el editor vuelva a entrar en la habitación y ajustar el color o la forma hasta que la pieza se sienta bien.   

Imagen destacada: Elizabeth Gourlay en el estudio 

Por el equipo editorial de IdeelArt

Fuentes

• Elizabeth Gourlay: colorista de Connecticut, Two Coats of Paint: Perfil independiente que respalda su vinculación con Connecticut, su práctica centrada en el color y el uso de collage, gouache y monotipia.
• El pintor musical: Paul Klee, The Sublime Blog: Información sobre la formación musical de Klee y su frase citada acerca de que su mano es el instrumento de una esfera distante.
• Kandinsky, Sobre lo espiritual en el arte (texto de Wabash College): Texto alojado del libro de Kandinsky, donde el color se compara con un teclado y el alma con un instrumento que toca el artista.