Elementos de Abstracción - Elizabeth Gourlay en una Entrevista

Elizabeth Gourlay considera su obra una meditación sobre formas y colores, a veces comparando su práctica en el taller con el proceso de componer música. Usando una mezcla de técnicas que van desde óleos hasta grafito y collage, Gourlay crea composiciones abstractas que hacen referencia a un vocabulario estético sublime, equilibrado entre la naturaleza y la geometría. Residente de Chester, Connecticut, Gourlay tiene obras en cuatro exposiciones colectivas este mes, en Nueva York, Connecticut y Massachusetts. IdeelArt tuvo la oportunidad de conversar con ella sobre su práctica, su calendario de exposiciones y su nuevo cuerpo de trabajo.

Entrevista a Elizabeth Gourlay - Exposiciones y actividades recientes

IdeelArt: ¡Estás teniendo un mes muy ocupado! Este mes participas en cuatro exposiciones colectivas en cuatro ciudades diferentes. Cuando te encuentras en un momento así, en el que muchos espectadores tienen la oportunidad de encontrarse con tu obra, ¿aún encuentras tiempo para mantenerte activa en el taller o prefieres estar en las galerías interactuando con esos espectadores y absorbiendo su reacción a tu trabajo?

Elizabeth Gourlay: Esta es la primera vez que tengo tanta actividad al mismo tiempo. Es emocionante, pero estoy tan acostumbrada a dedicar toda mi atención a exposiciones individuales que ahora tuve que perderme una inauguración para asistir a otra. Pero una vez que la obra está entregada, el tiempo vuelve a ser mío. Aunque tengo muchas ganas de volver al taller después de incluso un corto periodo de actividad que me aleja, también disfruto la interacción que ocurre en la galería, hablando con otros artistas y amigos durante las inauguraciones y otros eventos. El arte abstracto es un lenguaje, y conversar con los espectadores, especialmente artistas y amigos durante los eventos, fortalece la resiliencia en las nuevas expresiones que estamos encontrando.

IA: Tienes exposiciones este mes en lugares idílicos y rurales, como The Tremaine Gallery en Lakeville, CT, así como en centros urbanos densamente poblados, como la galería 1285 Avenue of the Americas, en Midtown Manhattan. ¿De qué manera han respondido de forma diferente los espectadores en ambientes tan distintos a tu obra?

E.G. En ambos casos, los públicos fueron visualmente sofisticados y parecían comprometidos y positivos. En la ciudad de Nueva York, generalmente parecían ser más expresivos, haciendo preguntas y dando opiniones con mayor facilidad. Creo que los espectadores en Nueva York tendían a acercarse más a las piezas.

IA: ¿De qué manera las conversaciones u otros tipos de interacciones con los espectadores han influido en la dirección de tu práctica?

E.G. Trato de no dejarme influir por las reacciones de los espectadores, aunque, inevitablemente, si la respuesta es positiva hacia una nueva dirección que me entusiasma en la obra, eso tiende a motivarme a seguir explorando ese camino. Siempre es interesante experimentar la diferencia de opiniones y cómo y por qué las personas se sienten atraídas por diferentes obras.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotipo sobre papel. 40.6 x 38.1 cm.

Pasado y presente

IA: ¿En qué se diferencia el trabajo que haces hoy del que has hecho en el pasado?

E.G. Mi trabajo, desde aproximadamente 1994, era muy a menudo basado en cuadrículas y en formato cuadrado. Se construía en capas de lavados y líneas dibujadas. Alrededor de 2005, comencé a jugar con formas geométricas mucho más audaces y colores saturados. Desde entonces, he ido y venido entre formas y colores fuertes y audaces y trabajos más delicados y apagados, combinando ocasionalmente ambos. Las piezas a menudo comienzan de manera similar pero pueden terminar muy diferentes. Probablemente el cambio más grande es la libertad que me permito en el proceso de creación.

IA: A veces haces referencia a la meditación al hablar de tu obra. ¿Podrías explicar qué significa esa palabra en relación con tu arte? Por ejemplo, ¿consideras que el proceso de hacer la obra es meditativo? ¿Consideras que el producto terminado puede ser un intermediario meditativo para los espectadores?

E.G. Considero que el proceso es meditativo. Trato de no llevar demasiadas ideas al taller, quizás una idea de color o de forma. Al comenzar a trabajar, dejo que el ojo interior, la mente inconsciente, responda a la obra y me guíe para capturar ese elemento mental esquivo que puede estar distante y, sin embargo, tan presente. Por lo general, mi mejor trabajo ocurre cuando mi pensamiento está despejado, cuando estoy en sintonía con la obra. Ya sea dibujando directamente o superponiendo lavados, disfruto la experiencia de dejar que la pieza emerja. No puedo expresarlo mejor que Paul Klee, quien dijo: “mi mano es completamente el instrumento de una esfera más lejana.” No trabajo con la intención de crear algo para la experiencia de otro, pero estoy abierta a su reacción e interpretación. He tenido personas que conviven con la obra que a menudo dicen que mirar la obra les da paz, alegría tranquila, o que la pieza es un ancla. Así que estoy segura de que considerar las piezas terminadas como intermediarios meditativos es muy válido, pero dejaré que sean quienes conviven con las piezas y los expertos en mente y meditación quienes hagan la mejor valoración. Si un ícono, o intermediario meditativo, es un objeto que da una alegría tranquila o una paz que ancla, entonces sí, a menudo me dicen que mis piezas tienen esos efectos.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotipo sobre papel. 38.1 x 40.6 cm.

Sobre el proceso

IA: Wassily Kandinsky escribió sobre la música y su capacidad para comunicar emociones a un nivel abstracto. Tú también haces conexiones entre la música y tu obra. Una conexión que haces es que tu vocabulario visual de líneas y colores podría interpretarse como una referencia a escalas musicales. ¿Cuáles son otras maneras en que tu proceso o tus obras comparten similitudes con la composición musical?      

EG: No pienso conscientemente en la música o en la composición musical. Sin embargo, la cantidad de personas que hacen esa conexión con la música es tan grande que debe haber algo en la analogía. Escucho música, a menudo, cuando trabajo y aprendí a tocar el piano de niña, así que esto puede influir en la obra. Estoy “componiendo” de una manera que puede parecer similar a la composición musical, especialmente en el proceso de jugar con barras, líneas y bloques de color. Moverlos por el plano de la imagen es muy parecido a tener notas y acordes en diferentes lugares de una partitura. 

IA: Habla un poco sobre tu proceso, específicamente la relación que tienes con el collage. Por ejemplo, ¿de qué manera el proceso de superponer papel en tu obra te afecta de forma diferente que el proceso de pintar? 

EG: La mayoría de las veces, mi proceso de pintura, ya sea sobre papel o lino, es muy directo. Normalmente, comienzo dibujando líneas, seguido de lavados de color, seguido de elementos de forma. Trato de sorprenderme con una forma fuerte e inesperada, o un color fuera de mi paleta habitual. Los muevo, tratando de lograr un equilibrio entre color y forma. Esta etapa se siente como una danza continua, donde el formalismo se infiltra un poco y donde yo me resisto a él. Las decisiones sobre si incluir o no las intrusiones audaces resultantes es una dinámica que puede mantenerme comprometida con una pieza durante semanas. Las piezas de collage comienzan jugando con el color, manchando bordes con tinta y dibujando líneas sobre papel japonés para luego cortarlo en tiras. Pegó estas tiras cuidadosamente sobre el lienzo o lino, pero sin una composición o estructura preconcebida en mente. A medida que la pieza se desarrolla, comienzo a analizar para permitir que el editor vuelva a la sala, para ajustar color o forma hasta que la pieza se sienta correcta.   

Imagen destacada: Elizabeth Gourlay en el taller