Elementos de Abstracción - Elizabeth Gourlay en una Entrevista

Elizabeth Gourlay considera su trabajo una meditación sobre formas y colores, a veces comparando su práctica en el estudio con el proceso de componer música. Usando una mezcla de medios que van desde óleos hasta grafito y collage, Gourlay crea composiciones abstractas que hacen referencia a un vocabulario estético sublimemente equilibrado entre la naturaleza y la geometría. Residente de Chester, Connecticut, Gourlay tiene obras en cuatro exposiciones colectivas este mes, en Nueva York, Connecticut y Massachusetts. IdeelArt tuvo la oportunidad de charlar con ella sobre su práctica, su calendario de exposiciones y su nuevo cuerpo de trabajo.

Elizabeth Gourlay Entrevista - Exposiciones y Actividades Recientes

IdeelArt: ¡Estás teniendo un mes muy ocupado! Este mes estás en cuatro exposiciones colectivas en cuatro ciudades diferentes. Cuando te encuentras en un momento así, cuando muchos espectadores diferentes tienen la oportunidad de encontrarse con tu trabajo, ¿todavía te tomas el tiempo para seguir activo en el estudio o prefieres estar en las galerías interactuando con esos espectadores y absorbiendo su reacción a tu trabajo?

Elizabeth Gourlay: Esta es la primera vez que tengo tanta actividad de una sola vez. Es emocionante, pero estoy tan acostumbrado a dar a cada espectáculo mi atención incondicional, que ahora tuve que perder una inauguración para asistir a otra. Pero una vez que se entrega la obra de arte, el tiempo se convierte en mío. Aunque estoy extremadamente ansioso por entrar al estudio después de incluso un corto período de actividad que me aleja, también disfruto de la interacción que ocurre en la galería, hablando con otros artistas y amigos durante las inauguraciones y otros eventos de la galería. El arte abstracto es un lenguaje, y hablar con los espectadores, particularmente artistas y amigos durante los eventos, construye un sentido de resiliencia en las nuevas expresiones que estamos encontrando.

IA: Este mes tienes exposiciones en lugares idílicos y rurales, como The Tremaine Gallery en Lakeville, CT, así como en centros urbanos densamente poblados, como 1285 Avenue of the Americas Gallery, en Midtown Manhattan. ¿De qué maneras han respondido de manera diferente los espectadores en entornos tan dramáticamente distintos a tu trabajo?

P.EJ. En ambos casos, las audiencias eran visualmente sofisticadas y parecían comprometidas y positivas. En la ciudad de Nueva York, generalmente parecían ser más vocales, haciendo preguntas y expresando opiniones más fácilmente. ¡Creo que los espectadores en Nueva York tendían a acercarse más a las obras!

IA: ¿De qué maneras han afectado las conversaciones u otros tipos de interacciones con los espectadores la dirección de tu práctica?

P.EJ. Trato de no dejarme influir por las reacciones de los espectadores, aunque, inevitablemente, si la respuesta es positiva hacia una nueva dirección que me emociona en el trabajo, eso tiende a influirme para seguir explorando ese camino. Siempre es interesante experimentar la diferencia de opiniones y cómo y por qué las personas se sienten atraídas por diferentes obras.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotipo sobre papel. 40.6 x 38.1 cm.

Pasado y presente

IA: ¿Cómo es el trabajo que estás haciendo hoy diferente al trabajo que has hecho en el pasado? 

P.EJ. "Mi trabajo, desde aproximadamente 1994, era muy a menudo basado en una cuadrícula y en un formato cuadrado. Se construyó en capas de lavados y líneas dibujadas. Alrededor de 2005, comencé a jugar con formas geométricas mucho más audaces y colores saturados. Desde entonces, he ido y venido entre formas y colores audaces y fuertes y trabajos que son más delicados y apagados, combinando ocasionalmente los dos. Las piezas a menudo comienzan de una manera similar pero pueden terminar de manera muy diferente. Probablemente el cambio más grande es la libertad que me permito en el proceso de creación."

IA: A veces haces referencia a la meditación al hablar de tu trabajo. ¿Podrías elaborar sobre lo que esa palabra significa en relación con tu arte? Por ejemplo, ¿consideras que el proceso de crear la obra es meditativo? ¿Consideras que el producto terminado es un posible intermediario meditativo para los espectadores? 

P.EJ. Considero que el proceso es meditativo. Intento no llevar demasiadas ideas al estudio, quizás una idea de color o una idea de forma. A medida que empiezo a trabajar, dejo que el ojo interno, la mente inconsciente, responda a la obra y me guíe para capturar el elemento mental elusivo que puede ser distante y, sin embargo, tan presente. Generalmente, mi mejor trabajo ocurre cuando mi pensamiento está despejado, cuando estoy en sintonía con la obra. Ya sea dibujando directamente o al superponer lavados, disfruto de la experiencia de dejar que la pieza emerja. No puedo expresarlo mejor que Paul Klee, quien dijo: “mi mano es enteramente el instrumento de una esfera más distante.” No trabajo con la intención de crear algo para la experiencia de otro, sin embargo, estoy abierto a su reacción e interpretación. He tenido personas que viven con la obra que a menudo dicen que mirar la obra les da paz, alegría tranquila, o que la pieza es aterradora. Así que estoy seguro de que considerar las piezas terminadas como intermediarias meditativas es muy válido, pero dejaré que sean aquellos que viven con las piezas y aquellos que son expertos en mente y meditación quienes hagan la mejor evaluación. Si un ícono, o intermediario meditativo, es un objeto que da una alegría tranquila, o una paz que es aterradora, entonces sí, a menudo me dicen que mis piezas tienen esos efectos.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotipo sobre papel. 38.1 x 40.6 cm.

Acerca del proceso

IA: Wassily Kandinsky escribió sobre la música y su capacidad para comunicar emociones a un nivel abstracto. También estableces conexiones entre la música y tu trabajo. Una conexión que haces es que tu vocabulario visual de líneas y colores podría interpretarse como una referencia a las escalas musicales. ¿Cuáles son algunas otras formas en que tu proceso o tus obras comparten similitudes con la composición musical?

P.EJ: No estoy pensando conscientemente en la música o en la composición musical. Sin embargo, el número de personas que hace esa conexión con la música es tan grande que debe haber algo en la analogía. Escucho música a menudo cuando estoy trabajando y aprendí a tocar el piano de niño, así que esto puede influir en el trabajo. Estoy "componiendo" de una manera que puede parecer similar a la composición musical, particularmente en el proceso de jugar con barras, líneas y bloques de color. Moverlos por el plano de la imagen es tan similar a tener notas y acordes en diferentes lugares de una partitura. 

IA: Habla un poco sobre tu proceso, específicamente la relación que tienes con el collage. Por ejemplo, ¿de qué manera el proceso de superponer papel en tu trabajo te afecta de manera diferente que el proceso de pintar? 

P.EJ: La mayoría de las veces, mi proceso de pintura, ya sea en papel o lienzo, es muy directo. Típicamente, empiezo dibujando líneas, seguido de lavados de color, seguido de elementos de forma. Trato de sorprenderme con una forma fuerte e inesperada, o un color alejado de mi paleta habitual. Muevo estos elementos, tratando de lograr un equilibrio entre color y forma. Esta etapa se siente como una danza que está en curso, donde el formalismo se infiltra por un momento y donde me resisto a ello. Las decisiones sobre si incluir o no las intrusiones audaces resultantes son una especie de dinámica que puede mantenerme involucrado con una pieza durante semanas. Las piezas de collage comienzan jugando con el color, manchando bordes con tinta y dibujando líneas sobre papel japonés y luego cortando estos en tiras. Collageo estos sobre el lienzo o el lienzo cuidadosamente, pero sin una composición o estructura preconcebida en mente. A medida que la pieza se desarrolla, empiezo a analizar para permitir que el editor regrese a la sala, para ajustar el color o la forma hasta que la pieza se sienta bien.   

Imagen destacada: Elizabeth Gourlay en el estudio