Encontrando Perspectivas Contemporáneas en el Arte de Leon Polk Smith

En la década de 1940, el artista estadounidense Leon Polk Smith fue pionero de un lenguaje visual abstracto único que añadió propiedades curvilíneas a los planos aplanados y la geometría simplificada del Neoplasticismo. Una de las primeras inspiraciones de Smith fue el pintor holandés Piet Mondrian, cuyas magistrales exploraciones rectangulares de color y espacio fueron consideradas por muchos como el final de una línea de pensamiento, pero que hicieron que Smith se preguntara qué viene después. Inesperadamente, Smith encontró un camino a seguir en las páginas de un catálogo atlético que llegó por casualidad a su buzón. Se sintió fascinado por las imágenes de balones de fútbol, pelotas de béisbol y balones de baloncesto, admirando tanto sus formas curvas como la costura curva en sus superficies. "Ciertamente no habría ido a un catálogo atlético para encontrarlo, pero ahí es donde lo encontré", le dijo Smith al artista y crítico Addison Parks en 1982. "Por supuesto, las formas y líneas eran muy limitadas... pero eso creó un espacio que nunca había visto en la pintura antes. Era plano y al mismo tiempo era curvo. Los planos parecían moverse en todas las direcciones, como lo hace el espacio." Esa simple, pero profunda realización estuvo recientemente en plena exhibición en la exposición Leon Polk Smith: Endless Space, en Richard Gray Warehouse en Chicago. Con una docena y media de pinturas y dibujos de las décadas de 1960 y 70, la exposición se leía como un manifiesto visual de ese momento de descubrimiento. Obras como “Untitled No. 7613” (1976) hablaban más directamente de ello que otras; mientras que otras, como las formas complementarias en verde y negro de estilo yin-yang de “Untitled” (1967), expandían la percepción hacia un territorio místico. La diligencia y elegancia con la que Smith desarrolló su revelación es admirable, y considerando lo temprano que trabajó con estas ideas, es fácil ver cómo ayudó a sentar las bases para todo, desde el Op Art hasta el Minimalismo y la Abstracción de Bordes Duros. Sin embargo, no puedo evitar sentir que hay algo más en su trabajo que colores y formas.

La búsqueda de significado de un espectador

Lo que más capta mi imaginación sobre Smith es la forma en que une múltiples pinturas para crear composiciones más grandes. Smith llamó a sus arreglos de lienzos con formas "Constelaciones". Algunos, como "Constelación Straight Out" (1974), consisten en formas apiladas ordenadamente con una línea de horizonte repetida, lo que implica la continuación de los elementos en el espacio. Otros, como "Constelación - Lost Horizon" (1968), se conectan de manera desigual, pareciendo menos algo metódico y más como vistas recortadas de una imagen más grande, como piezas de un rompecabezas visual. Me encanta el término Constelaciones para estas pinturas porque evoca perfectamente mi propia tendencia humana hacia el misticismo especulativo. Como un observador de estrellas buscando mi destino en el zodiaco, no puedo evitar escanear estas Constelaciones pintadas en busca de un significado oculto.

Leon Polk Smith - Constelación Vía Láctea, 1970. Acrílico sobre lienzo. 80 x 120 in. (203 x 305 cm) en total. La Galería Nacional de Arte, Washington, D.C. © 2019 Fundación Leon Polk Smith

En “Reflections-Red-Black” (1968) percibo mitologías en competencia, desde la leyenda de Narciso—el egoísmo implícito de las formas reflejadas—hasta la sensualidad empática y conyugada del Kama Sutra. Las proliferantes formas de bordes duros y concretas de “Constellation-Red-Blue” (1970), mientras tanto, evocan nociones amplias y humanísticas como la unidad, la expansión, la conectividad y el deseo. Al mismo tiempo que deseo con tantas ganas abrirme a la posible existencia de significados más profundos en esta obra, sin embargo, también me pregunto si imbuir las elecciones formales reflejadas en este arte con un importes metafísico es inherentemente pretencioso; una forma de colonización crítica. Por lo general, los críticos de arte e historiadores animan a los espectadores contemporáneos a no asignar significados y narrativas a obras de arte históricas que podrían ser inconsistentes con la intención del artista, sino más bien a mirar el trabajo de artistas fallecidos a través del lente de las circunstancias en las que fue creado.

Leon Polk Smith - sin título, 1979. Gouache sobre papel. 41½ x 27 in. (105.4 x 68.6 cm). © 2019 Fundación Leon Polk Smith

El Derecho a Re-evaluar

Según Patterson Sims, presidente de la Fundación Leon Polk Smith, tenemos el derecho, y quizás la responsabilidad, de mirar la historia del arte desde una perspectiva contemporánea, y de dotar al arte legado con el contenido que percibimos sinceramente. “Creo que tienes todo el derecho a lo que estás haciendo”, me dijo Sims. “La historia del arte es el producto de generaciones sucesivas que pueden encontrar cosas en el trabajo que una generación anterior no pudo ver.” Aunque algunos artistas y fundaciones podrían no estar de acuerdo. Por ejemplo, Donald Judd anticipó a los críticos al hacer sus propias declaraciones declarativas describiendo lo que era su trabajo, y lo que no era, y la Fundación Judd continúa protegiendo celosamente esa narrativa. Sin embargo, Sims me aseguró que no todos creen que el control autoritario sea la mejor manera de contextualizar el despliegue de la cultura humana. “Una persona podría estar completamente comprometida con un punto de vista, pero eso termina paralizando el tipo de compromiso que las personas podrían tener con ese trabajo”, dijo Sims. “Creo que la historia del arte y el proceso de curaduría se trata de una reevaluación y re-pensamiento constante de las cosas, y a veces se vuelve muy personal.”

Leon Polk Smith - Azul, Rojo, Amarillo con Medias Lunas Negras, 1968. Acrílico sobre lienzo. 3 elementos, cada uno de 31 x 56 in (79 x 142 cm). © 2019 Fundación Leon Polk Smith

Becky Daniel, Coordinadora de Exposiciones y Comunicaciones de Richard Gray Gallery, ofrece otra razón por la que deberíamos sentirnos libres de reevaluar a Smith desde una perspectiva contemporánea. Según Daniel, Smith proporcionó instrucciones de instalación alternativas para muchas de sus Constelaciones, permitiendo a los curadores ensamblar las piezas del rompecabezas de maneras novedosas. Este dato implica que Smith esperaba que las personas no tuvieran miedo de tomar libertades con su obra, como Sol LeWitt que dejaba espacio en sus instrucciones de dibujo mural para que los artistas que las ejecutan tomaran algunas decisiones estéticas por su cuenta. Considera que cuando Smith se mudó a Nueva York en la década de 1930, su homosexualidad lo convirtió en un forajido, sin embargo, confundió a aquellos que intentaban marginarlo, logrando eventualmente un amplio reconocimiento en exposiciones emblemáticas como The Responsive Eye. Sin embargo, al mismo tiempo se humilló, evitando la promoción hiperbólica, diciendo: “Me di cuenta muy rápidamente de que siempre había sido un artista... Que siempre lo mantendría para mí, que nunca lo prostituiría, ni haría nada con él solo por dinero.” Ya sea que lo haya pretendido o no, percibo que Smith infundió su obra con algo así como un código simbólico para los descontentos contemporáneos como yo—un legado rico en optimismo y humanidad, expresado a través de relaciones lúdicas entre color y forma.

Imagen destacada: Leon Polk Smith - Correspondencia Negro - Blanco, 1968. Óleo sobre lienzo. 86 x 120 in. (218.4 x 304.8 cm). © 2019 Fundación Leon Polk Smith
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio