Encontrando Perspectivas Contemporáneas en el Arte de Leon Polk Smith

En la década de 1940, el artista estadounidense Leon Polk Smith fue pionero en un lenguaje visual abstracto único que añadió propiedades curvilíneas a los planos aplanados y la geometría simplificada del Neoplasticismo. Una inspiración temprana para Smith fue el pintor neerlandés Piet Mondrian, cuyas magistrales exploraciones rectangulares del color y el espacio fueron consideradas por muchos como el fin de una línea de pensamiento, pero que hicieron que Smith se preguntara qué venía después. Inesperadamente, Smith encontró un camino a seguir en las páginas de un catálogo deportivo que llegó por casualidad a su buzón. Se encontró fascinado por las imágenes de balones de fútbol, béisbol y baloncesto, admirando tanto sus formas curvas como las costuras curvas en sus superficies. “Ciertamente no habría ido a un catálogo deportivo para encontrarlo, pero fue allí donde lo encontré,” dijo Smith al artista y crítico Addison Parks en 1982. “Por supuesto, las formas y líneas eran muy limitadas... pero eso creó un espacio que nunca antes había visto en la pintura. Era plano y al mismo tiempo curvo. Los planos parecían moverse en todas direcciones, como lo hace el espacio.” Esa simple, pero profunda realización estuvo recientemente a la vista en la exposición Leon Polk Smith: Endless Space, en Richard Gray Warehouse en Chicago. Con una docena y media de pinturas y dibujos de las décadas de 1960 y 70, la exposición se leía como un manifiesto visual de ese momento de descubrimiento. Obras como “Sin título No. 7613” (1976) hablaban más directamente de ello que otras; mientras que otras, como las formas complementarias verde y negro, semejantes al yin-yang, de “Sin título” (1967), ampliaban la percepción hacia un territorio místico. La diligencia y elegancia con que Smith desarrolló su revelación es admirable, y considerando lo temprano que trabajó con estas ideas, es fácil ver cómo ayudó a sentar las bases para todo, desde el Arte Óptico hasta el Minimalismo y la Abstracción de Bordes Duros. Sin embargo, no puedo evitar sentir que hay algo más en su obra que colores y formas.

La búsqueda de significado de un espectador

Lo que más captura mi imaginación sobre Smith es la manera en que une múltiples pinturas para crear composiciones mayores. Smith llamó a sus conjuntos de lienzos con formas “Constelaciones.” Algunas, como “Constelación Directa” (1974), consisten en formas ordenadamente apiladas con una línea de horizonte repetida, implicando la continuación de los elementos en el espacio. Otras, como “Constelación - Horizonte Perdido” (1968), se conectan de manera desigual, pareciendo menos algo metódico y más como vistas recortadas de una imagen mayor, como piezas de un rompecabezas visual. Me encanta el término Constelaciones para estas pinturas porque evoca perfectamente mi propia tendencia humana hacia el misticismo especulativo. Como un observador de estrellas buscando mi destino en el zodíaco, no puedo evitar escanear estas Constelaciones pintadas en busca de un significado oculto.

Leon Polk Smith - Constelación Vía Láctea, 1970. Acrílico sobre lienzo. 80 x 120 pulg. (203 x 305 cm) en total. La Galería Nacional de Arte, Washington, D.C. © 2019 Fundación Leon Polk Smith

En “Reflejos-Rojo-Negro” (1968) percibo mitologías en competencia, desde la leyenda de Narciso—el egoísmo implícito de las formas reflejadas—hasta la sensualidad empática y unida del Kama Sutra. Las formas proliferantes de bordes duros y concretas de “Constelación-Rojo-Azul” (1970), por su parte, evocan nociones amplias y humanistas como la unión, la expansión, la conexión y el deseo. Al mismo tiempo que deseo con fuerza abrirme a la posible existencia de significados más profundos en esta obra, también me pregunto si dotar a las elecciones formales reflejadas en este arte de un significado metafísico es inherentemente pretencioso; una forma de colonización crítica. Usualmente, los críticos e historiadores de arte animan a los espectadores contemporáneos a no asignar significados y narrativas a obras históricas que puedan ser inconsistentes con la intención del artista, sino a mirar la obra de artistas fallecidos a través del lente de las circunstancias en que fue creada.

Leon Polk Smith - sin título, 1979. Gouache sobre papel. 41½ x 27 pulg. (105.4 x 68.6 cm). © 2019 Fundación Leon Polk Smith

El derecho a revaluar

Según Patterson Sims, presidente de la Fundación Leon Polk Smith, tenemos el derecho, y quizás la responsabilidad, de mirar la historia del arte desde una perspectiva contemporánea, y de dotar al arte legado con cualquier contenido que sinceramente percibamos. “Creo que tienes todo el derecho a hacer lo que estás haciendo,” me dijo Sims. “La historia del arte es el producto de que generaciones sucesivas puedan encontrar cosas en obras que una generación anterior no pudo ver.” Aunque algunos artistas y fundaciones podrían no estar de acuerdo. Por ejemplo, Donald Judd anticipó a los críticos haciendo sus propias declaraciones categóricas describiendo qué era y qué no era su obra, y la Fundación Judd continúa protegiendo celosamente esa narrativa. Sin embargo, Sims me aseguró que no todos creen que el control autoritario sea la mejor manera de contextualizar el desarrollo de la cultura humana. “Una persona puede estar completamente comprometida con un punto de vista, pero eso termina limitando el tipo de compromiso que la gente podría tener con esa obra,” dijo Sims. “Creo que la historia del arte y el proceso de curaduría se trata de una constante revaluación y replanteamiento de las cosas, y a veces se vuelve muy personal.”

Leon Polk Smith - Azul, Rojo, Amarillo con Crescentes Negros, 1968. Acrílico sobre lienzo. 3 elementos, cada uno 31 x 56 pulg. (79 x 142 cm). © 2019 Fundación Leon Polk Smith

Becky Daniel, coordinadora de exposiciones y comunicaciones de Richard Gray Gallery, ofrece otra razón por la que deberíamos sentirnos libres de revaluar a Smith desde una perspectiva contemporánea. Según Daniel, Smith proporcionó instrucciones alternativas de instalación para muchas de sus Constelaciones, permitiendo a los curadores ensamblar las piezas del rompecabezas de maneras novedosas. Este dato implica que Smith esperaba que la gente no tuviera miedo de tomar libertades con su obra—como Sol LeWitt dejando espacio en sus instrucciones para dibujos murales para que los artistas que las ejecutan tomen algunas decisiones estéticas por sí mismos. Considera que cuando Smith se mudó a Nueva York en los años 30, su homosexualidad lo convirtió en un proscrito, pero desconcertó a quienes querían marginarlo, logrando finalmente un amplio reconocimiento en exposiciones emblemáticas como The Responsive Eye. Sin embargo, simultáneamente se mostró humilde, evitando la promoción exagerada, diciendo: “Me di cuenta muy rápido de que siempre había sido un artista... Que siempre lo guardaría para mí, que nunca lo prostituiría, ni haría nada con ello solo por dinero.” Quiera o no, percibo que Smith impregnó su obra con algo parecido a un código clave simbólico para descontentos contemporáneos como yo—un legado rico en optimismo y humanidad, expresado a través de relaciones juguetonas entre color y forma.

Imagen destacada: Leon Polk Smith - Correspondencia Negro - Blanco, 1968. Óleo sobre lienzo. 86 x 120 pulg. (218.4 x 304.8 cm). © 2019 Fundación Leon Polk Smith
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio