Recordando a Emilio Vedova, un líder del Arte Informal

Este invierno en Milán, Italia, el Palazzo Reale albergará una exposición que celebra lo que habría sido el 100 cumpleaños del pintor abstracto italiano Emilio Vedova, quien falleció en 2006. Nacido en Venecia en 1919, Vedova alcanzó la fama en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial gracias a sus numerosas contribuciones a la vanguardia italiana del siglo XX. En varios momentos, Vedova fue miembro de varios colectivos de artistas influyentes, incluyendo Corrente (Corriente), un movimiento dedicado a la apertura y al antifascismo durante la Guerra Civil Española, y Fronte Nuovo delle Arti, que se fundó después de la guerra para abogar por la adopción de los últimos desarrollos en el Modernismo europeo. En 1946, Vedova firmó el Manifiesto del Realismo para Escultores y Pintores, también conocido como “Más allá de Guernica”. El manifiesto celebraba la postura figurativa y antinuclear que Picasso afirmó en su pintura Guernica de 1937 y llamaba a la pintura y la escultura actos de “participación en la realidad total de la humanidad”. Además, afirmaba que la “función positiva del individualismo” estaba “agotada”. Al igual que otros firmantes de este manifiesto, Vedova había sido miembro del Movimiento de Resistencia Italiano que se opuso a la Alemania nazi y a la República Social Italiana fascista durante la guerra. En términos prácticos, su manifiesto post-Guernica significaba que creían que el arte realista y figurativo era la mejor manera de confrontar los males políticos y sociales de su sociedad. Sin embargo, a lo largo de los años, el autodidacta Vedova cambió de opinión, refugiándose cada vez más en su propia imaginación. Finalmente llegó a creer que la única manera de avanzar verdaderamente el arte italiano era a través del arte abstracto idiosincrático e individualizado. Para 1952, Vedova había abandonado todas sus asociaciones anteriores y en su lugar se unió a lo que llegó a conocerse como el Gruppo degli Otto (Grupo de Ocho), que también incluía a Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso y Giulio Turcato. Aunque solo existió durante dos años, este grupo resultó ser verdaderamente transformador para Vedova, porque cuando se presentó junto en la Bienal de Venecia de 1952, llegó a ser considerado el comienzo del movimiento de arte abstracto conocido como Arte Informale.

Un despertar global

El Arte Informal a menudo se refiere como el equivalente italiano del Expresionismo Abstracto. Sin embargo, esta es una explicación algo perezosa y simplificada que ignora las diferencias matizadas entre las dos posiciones. También elude la realidad de que ambas posiciones formaron parte de un despertar global mucho más amplio en las artes. Junto con el Tachismo, el Art Autre, el Art Brut, el trabajo del Grupo Gutai, el Nouveau Réalisme y varias otras manifestaciones internacionales del fenómeno, el Expresionismo Abstracto y el Arte Informal fueron simplemente intentos de artistas de la posguerra por liberarse de las limitaciones históricas mediante la creación de métodos abstractos personales para crear arte. La principal razón por la que el Arte Informal se compara tan a menudo con el Expresionismo Abstracto es que ciertos pintores asociados con ambas posiciones movilizaron un estilo visual similar definido por marcas de pincel energéticas y gestuales en lienzos de gran escala. Jackson Pollock y Franz Kline podrían ser ejemplos primordiales de Expresionistas Abstractos que utilizaron esas técnicas, y Emilio Vedova es un ejemplo primordial de un artista de Arte Informal que hizo lo mismo.

Emilio Vedova - España de Franco, 1962. Tinta sobre papel. 12 1/2 x 17 3/4" (31.6 x 44.0 cm). Fondo de la Fundación L-B. Colección del MoMA. © 2019 El Museo de Arte Moderno

Curiosamente, Vedova se movía en un círculo social con Jackson Pollock y Franz Kline. Vedova se hizo amigo de uno de sus principales patrocinadores, Peggy Guggenheim, cuando ella visitó Venecia en 1946; la influyente coleccionista compró varias obras de Vedova e incluso le ayudó a exhibir en los Estados Unidos. Pero para ser justos tanto con Vedova como con los Expresionistas Abstractos, su trabajo no es realmente el mismo en absoluto. Los Expresionistas Abstractos se consideraban esencialmente americanos y se esforzaban por deshacerse del legado de Europa para expresar algo único de su cultura. Por el contrario, Vedova se percibía a sí mismo como un ciudadano del mundo. Durante una visita prolongada a Brasil en 1954, quedó fascinado por las formas en que la naturaleza ejercía su poder en ese lugar. Describió ser transformado por la “nueva geografía completa… Ciudades que engullen a los hombres… La naturaleza como melodrama, huracanes como el Juicio Final.” Más tarde habló sobre sus propias obras utilizando este mismo tipo de lenguaje, describiéndolas no como pinturas, sino como “terremotos.”

Emilio Vedova - Tensione, N 4 V, 1959. Óleo sobre lienzo. 145.5 x 196 cm, enmarcado. Firmado, fechado y titulado en el reverso. Galleria Blu, Milán (sello en el reverso) / Colección Privada Europea. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Redefiniendo el espacio

Otra cualidad que hizo distintivo a Vedova fue la forma en que insinuaba su trabajo en los espacios de exhibición. Además de sus grandes lienzos, que colgaban de maneras inesperadas, a veces colgaba enormes enjambres de pequeñas pinturas en una pared juntas, compactadas como carteles pegados en una pared urbana. También hizo lienzos gigantes y circulares, a veces uniendo los círculos perpendicularmente en el suelo. En 1961, creó su primer “Plurimi”, o Múltiple, un tipo de ensamblaje independiente de superficies pintadas. En 1964, exhibió lo que se considera su obra maestra de Plurimi en documenta III en Kassel, Alemania—Absurdes Berliner Tagebuch ´64 (Diario Absurdo de Berlín '64). La obra se asemejaba a una aldea de refugiados en ruinas, o a los restos bombardeados de una ciudad. Parecía una declaración figurativa y antibelicista, pero también cada uno de los Plurimi podría leerse simplemente como una replicación de las composiciones abstractas que Vedova estaba utilizando en sus pinturas.

Emilio Vedova - Sin título, 1984. Pintura sobre lienzo. 120 x 90 cm, enmarcado. Firmado y fechado en el reverso y en el bastidor. Galleria Salvatore + Caroline Ala, Milán / Colección Privada Europea. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Quizás el aspecto más revelador de su estilo de exhibición era que Vedova prefería que sus pinturas se mostraran juntas en grandes grupos. Estamos acostumbrados a ver una sola pintura de un artista, o incluso si se trata de una retrospectiva, las pinturas están colgadas lo suficientemente separadas entre sí como para que puedan considerarse por separado, como artefactos especiales. Vedova a menudo agrupaba sus pinturas, las apilaba unas sobre otras o las colgaba de maneras no tradicionales, casi como si dijera que los objetos individuales no estaban destinados a ser reverenciados. Era el efecto general lo que quería que los espectadores consideraran. Esta actitud de que cada una de sus pinturas no era una mercancía preciada nuevamente separó a Vedova de sus contemporáneos en los Estados Unidos. Esta actitud también es una de las razones por las que se le considera una gran influencia en los artistas del Arte Povera. Al igual que ellos, Vedova nunca se preocupó por satisfacer los sistemas de arte existentes; a menudo estaba contento de desmantelarlos en su lugar.

Imagen destacada: Emilio Vedova - Sin Título. Óleo sobre papel aplicado en cartón. 24 x 34 cm. Declaración de autenticidad en el reverso: Mi obra / E. Vedova: sello Galería Il Traghetto, Venecia.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio