Recordando a Emilio Vedova, un líder del Arte Informal

Este invierno en Milán, Italia, el Palazzo Reale acogerá una exposición que celebra lo que habría sido el centenario del nacimiento del pintor italiano abstracto Emilio Vedova, quien falleció en 2006. Nacido en Venecia en 1919, Vedova alcanzó la fama en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial gracias a sus numerosas contribuciones a la vanguardia italiana del siglo XX. En varios momentos, Vedova fue miembro de varios colectivos artísticos influyentes, incluyendo Corrente (Corriente), un movimiento dedicado a la apertura y al antifascismo durante la Guerra Civil Española, y Fronte Nuovo delle Arti, fundado tras la guerra para promover la adopción de los últimos avances del Modernismo europeo. En 1946, Vedova firmó el Manifiesto del Realismo para Escultores y Pintores, también conocido como “Más allá de Guernica.” El manifiesto celebraba la postura figurativa y antibélica que Picasso expresó en su pintura Guernica de 1937 y definía la pintura y la escultura como actos de “participación en la realidad total de la humanidad.” Además, afirmaba que la “función positiva del individualismo” estaba “agotada.” Como otros firmantes de este manifiesto, Vedova había sido miembro del Movimiento de Resistencia Italiana que se opuso a la Alemania nazi y a la República Social Italiana fascista durante la guerra. En términos prácticos, su manifiesto posterior a Guernica significaba que creían que el arte realista y figurativo era la mejor manera de enfrentar los males políticos y sociales de su sociedad. Sin embargo, con el paso de los años, Vedova, autodidacta, cambió de opinión, refugiándose cada vez más en su propia imaginación. Finalmente llegó a creer que la única manera de avanzar verdaderamente el arte italiano era a través de un arte abstracto idiosincrático e individualizado. Para 1952, Vedova había abandonado todas sus asociaciones anteriores y se unió en cambio a lo que se conoció como el Gruppo degli Otto (Grupo de los Ocho), que también incluía a Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso y Giulio Turcato. Aunque solo existió durante dos años, este grupo resultó ser verdaderamente transformador para Vedova, porque cuando expusieron juntos en la Bienal de Venecia de 1952 se consideró el inicio del movimiento de arte abstracto conocido como Arte Informale.

Un Despertar Global

El Arte Informale suele considerarse el equivalente italiano del Expresionismo Abstracto. Sin embargo, esta es una explicación algo simplista y rápida que ignora las diferencias matizadas entre ambas posturas. También evita la realidad de que ambas posiciones formaban parte de un despertar mucho más amplio a nivel mundial en las artes. Junto con el Tachismo, Art Autre, Art Brut, el trabajo del Grupo Gutai, el Nuevo Realismo y varias otras manifestaciones internacionales del fenómeno, el Expresionismo Abstracto y el Arte Informale fueron simplemente intentos de artistas de la posguerra por liberarse de las limitaciones históricas mediante la invención de métodos abstractos personales para crear arte. La razón principal por la que el Arte Informale se compara tan a menudo con el Expresionismo Abstracto es que ciertos pintores asociados con ambas posturas movilizaron un estilo visual similar definido por marcas de pincel enérgicas y gestuales sobre lienzos de gran formato. Jackson Pollock y Franz Kline podrían ser ejemplos principales de expresionistas abstractos que usaron esas técnicas, y Emilio Vedova es un ejemplo destacado de un artista de Arte Informale que hizo lo mismo.

Emilio Vedova - España de Franco, 1962. Tinta sobre papel. 12 1/2 x 17 3/4" (31.6 x 44.0 cm). Fondo Fundación L-B. Colección MoMA. © 2019 El Museo de Arte Moderno

Curiosamente, Vedova se movía en un círculo social con Jackson Pollock y Franz Kline. Vedova entabló amistad con una de sus principales mecenas, Peggy Guggenheim, cuando ella visitó Venecia en 1946; la influyente coleccionista compró varias obras de Vedova e incluso le ayudó a exponer en Estados Unidos. Pero para ser justos tanto con Vedova como con los expresionistas abstractos, su obra no es realmente la misma. Los expresionistas abstractos se consideraban esencialmente estadounidenses y se esforzaban por desprenderse del legado europeo para expresar algo único de su cultura. Por el contrario, Vedova se percibía a sí mismo como un ciudadano del mundo. Durante una visita prolongada a Brasil en 1954, quedó fascinado por las formas en que la naturaleza ejercía su poder en ese lugar. Describió haberse transformado por la “geografía completamente nueva… Ciudades que engullen a los hombres… La naturaleza como melodrama, huracanes como el Juicio Final.” Más tarde habló de sus propias obras usando este mismo tipo de lenguaje, describiéndolas no como pinturas, sino como “terremotos.”

Emilio Vedova - Tensión, N 4 V, 1959. Óleo sobre lienzo. 145.5 x 196 cm, enmarcado. Firmado, fechado y titulado al dorso. Galleria Blu, Milán (sello al dorso) / Colección Privada Europea. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Redefiniendo el Espacio

Otra cualidad que hacía a Vedova distintivo era la manera en que insinuaba su obra en los espacios de exhibición. Además de sus lienzos de gran formato, que colgaba de maneras inesperadas, a veces colgaba enjambres masivos de pequeñas pinturas juntas en una pared, compactadas como carteles pegados en una pared urbana. También hacía lienzos gigantescos y circulares, a veces uniendo los círculos perpendicularmente en el suelo. En 1961, creó sus primeros “Plurimi,” o Múltiples, un tipo de ensamblaje independiente de superficies pintadas. En 1964, exhibió lo que se considera su obra maestra de Plurimi en documenta III en Kassel, Alemania—Absurdes Berliner Tagebuch ´64 (Diario Berlín Absurdo '64). La obra parecía un pueblo de refugiados destartalado o los restos bombardeados de una ciudad. Parecía una declaración figurativa y antibélica, pero también cada uno de los Plurimi podía leerse simplemente como una réplica de las composiciones abstractas que Vedova usaba en sus pinturas.

Emilio Vedova - Sin título, 1984. Pintura sobre lienzo. 120 x 90 cm, enmarcado. Firmado y fechado al dorso y en el bastidor. Galleria Salvatore + Caroline Ala, Milán / Colección Privada Europea. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Quizás el aspecto más revelador de su estilo expositivo fue que Vedova prefería que sus pinturas se mostraran juntas en grandes grupos. Estamos acostumbrados a ver una sola pintura de un artista, o incluso si es una retrospectiva, las pinturas se cuelgan lo suficientemente separadas para que puedan considerarse por separado, como artefactos especiales. Vedova a menudo agrupaba sus pinturas, las apilaba unas sobre otras o las colgaba de maneras no tradicionales, casi como para decir que los objetos individuales no estaban destinados a ser reverenciados. Era el efecto general lo que quería que los espectadores consideraran. Esta actitud de que cada una de sus pinturas no era una mercancía preciada separó nuevamente a Vedova de sus contemporáneos en Estados Unidos. Esta actitud es también una de las razones por las que se considera que tuvo una gran influencia en los artistas del Arte Povera. Como ellos, Vedova nunca se preocupó por satisfacer los sistemas artísticos existentes; a menudo se contentaba con desmembrarlos.

Imagen destacada: Emilio Vedova - Senza Titolo. Óleo sobre papel aplicado en cartón. 24 x 34 cm. Declaración de autenticidad al dorso: Mi obra / E. Vedova: sello Galería Il Traghetto, Venecia.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio