Giorgio de Chirico y las Pinturas que No Pueden Ser Vistas

¿Son las experiencias concretas? ¿Pueden manifestarse los sentimientos? ¿Qué existe más allá del universo observable? En 1911, cuando Giorgio de Chirico pintó los primeros ejemplos de Pittura Metafisica, o Pintura Metafísica, esas eran algunas de las preguntas que intentaba confrontar. Al igual que muchos de sus contemporáneos, De Chirico era íntimamente consciente de que la sociedad occidental se estaba transformando de maneras monumentales e implacables. En lugar de pintar representaciones objetivas de ese mundo cambiante, eligió intentar expresar los sentimientos de quienes lo habitaban. Estaba fascinado con cómo, al enfrentarse a lo desconocido, las personas encuentran consuelo en lo místico, lo misterioso y lo extremo. A medida que la historia era rápidamente devorada por un futuro voraz, De Chirico quería retratar aquello que no podía ser visto: las vidas internas de los solitarios y desconcertados testigos del tiempo. Para hacerlo, enfrentó un gran desafío: cómo visualizar lo que no es visible. Inspirado por el trabajo de los simbolistas del siglo XIX, De Chirico se liberó de la carga de lo real y encontró consuelo en lo simbólico, lo inquietante y lo abstracto. Como inscribió en la parte posterior de su autorretrato pintado en 1911, “¿Qué amaré si no es el enigma?”

El Auge de los Simbolistas

Pocos saben lo que se siente vivir en lo que los franceses llaman el fin de siècle, o el final de una era. Hoy en día somos tantos y las cosas cambian tan rápido que en algún lugar del mundo el final de una era ocurre cada día. Se podría argumentar que la última vez que la civilización humana experimentó un fin de siècle comunal fue a finales del siglo XIX. Fue una época en la que avances sin precedentes ocurrieron simultáneamente en la industria, la tecnología, la guerra, la producción de alimentos, la medicina, el transporte, la comunicación, la ciencia, la educación y la cultura. Cambios tan radicales estaban ocurriendo todos a la vez que arrancaron a la humanidad de su sentido de sí misma. El futuro hizo que el pasado pareciera obsoleto, lo que transformó fundamentalmente la forma en que los humanos se veían a sí mismos, entre sí y el mundo físico.

Durante décadas previas a este fin de siècle global, el estado de ánimo general de la mayoría de las personas no era bueno. La gente era pesimista y tenía miedo. Esos extremos de emoción se manifestaron en forma de un movimiento cultural conocido como Arte Simbolista. En palabras del poeta simbolista francés Stéphane Mallarmé, el objetivo de los simbolistas era, “representar no la cosa, sino el efecto que produce.” Las pinturas simbolistas son melancólicas y representan puntos de vista extremos. Los espectadores a menudo se ven abrumados por las emociones que transmiten. Su temática es irrelevante. Lo que importa es cómo hacen sentir a las personas.

Giorgio de Chirico - El Enigma de la Hora, 1911. Colección Privada

Giorgio De Chirico en Múnich

En 1988, cuando nació Giorgio De Chirico, el fin de siècle estaba en pleno apogeo. De Chirico nació en Grecia de padres italianos. Cuando Giorgio tenía 17 años, su padre murió. Al año siguiente, Giorgio se mudó a Múnich y se inscribió en clases de arte. Estudió técnicas de pintura clásica y leyó filosofía, en particular la obra de Arthur Schopenhauer, quien creía que el comportamiento humano está determinado por un intento de satisfacer deseos desconocidos basados en la angustia metafísica. También mientras estaba en Múnich, De Chirico se familiarizó con las inquietantes pinturas del pintor simbolista Arnold Böcklin, que abordaban los miedos y ansiedades modernos con imágenes e iconografía clásicas.

De Chirico se mudó a Italia después de la escuela. Mientras vivía en Milán, Florencia y Turín, se enfrentó a las marcadas formas en que la antigua arquitectura de Italia contrastaba con su cultura en modernización. Describió cómo la calidad metafísica del entorno lo llenaba de una abrumadora sensación de melancolía. En 1910, mientras estaba en Florencia, expresó ese sentimiento a través de una serie de pinturas innovadoras y altamente estilizadas, incluyendo El Enigma de una Tarde de Otoño y El Enigma del Oráculo. La iluminación stark, las figuras aisladas y la mezcla de iconografía contemporánea y clásica se convirtieron en parte integral del estilo característico de De Chirico, que más tarde se conocería como Pintura Metafísica.

Giorgio de Chirico - El Enigma del Oráculo, 1911. Óleo sobre lienzo.

Haciendo lo Invisible Visible

¿Qué intentaba transmitir De Chirico con sus pinturas de "enigma"? Las estatuas aisladas, las cortinas oscuras que ocultan parte de la imagen, las figuras de espaldas, las duras diferencias entre sombra y luz. Estas son imágenes de un mundo lleno de reliquias y misterio, de secretos místicos del pasado. Son imágenes de momentos privados llenos de preocupaciones desconocidas. Aunque figurativas, estas imágenes son ricamente simbólicas. En lugar de intentar aclarar, están felizmente abstraiendo los hechos, difuminando el mensaje, haciendo que el contenido sea no interpretable excepto por el estado de ánimo.

A lo largo de los años, añadió símbolos abstractos adicionales que confunden aún más el significado de sus imágenes, al tiempo que aumentan su sentido de melancolía y tristeza. Agregó una imagen recurrente de un tren, siempre a lo lejos, siempre expulsando pequeñas bocanadas de humo mientras pasa. Añadió relojes, un símbolo de anhelo, ya que los momentos, como trenes solitarios y barcos a vela, pasan. Y luego están las torres, solas, que dominan el paisaje, sus solitarios puntos de vista objetivados y marginados a medida que se desvanecen en la distancia. Las imágenes son inquietantes—familiares y, sin embargo, no familiares—como los sueños.

Giorgio de Chirico - La Canción del Amor, 1914. Óleo sobre lienzo. 28 3/4 x 23 3/8" (73 x 59.1 cm). Colección del Museo de Arte Moderno (MoMA). © 2018 Sociedad de Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York / SIAE, Roma

Simbolismo ampliado

En 1911, De Chirico se mudó a París, donde experimentó un gran interés por su nuevo estilo único. Su obra fue incluida en varias exposiciones importantes y llamó la atención del influyente crítico de arte Guillaume Apollinaire, quien le ayudó a conseguir un marchante de arte. Pero en 1915, cuando estalló la Primera Guerra Mundial, De Chirico regresó a Italia, como tantos otros artistas europeos que se vieron obligados a volver a su tierra natal para luchar. Aunque esto podría haber destruido su impulso, experimentó un giro místico del destino. Considerado físicamente no apto para el combate, De Chirico fue destinado a trabajar en un hospital. Allí, conoció al pintor Carlo Carrà, un pintor que compartía la visión abstracta y simbólica de De Chirico.

La compañía de Carrà resultó en un aumento de la dependencia de De Chirico en el simbolismo abstracto. Sus pinturas comenzaron a incluir imágenes aún más oníricas, contribuyendo a un lenguaje visual cada vez más extraño. La naturaleza de esta nueva imaginería era completamente relevante para las circunstancias que habían causado la Gran Guerra. Muchos estaban siendo dejados atrás, vagando melancólicamente a través del desolado y solitario arco del pasado, sin propósito y sin dirección. De Chirico abordó temas de amor, inspiración y fantasmas, colocando extrañas disposiciones de objetos materiales en lugares iluminados de manera intensa, creando una menagerie estética informada por la confusión y una pérdida de identidad.

Giorgio de Chirico - Las Musas Inquietantes, 1916 - 1918. Colección Privada

Influencia en los surrealistas

En los años posteriores a la guerra, la visión de De Chirico fue ampliamente aceptada y su fama estaba aumentando rápidamente. Sin embargo, él consideraba que su estilo era inmaduro. Así que en 1919, De Chirico decidió abandonar la Pintura Metafísica. En su ensayo El regreso de la artesanía, anunció su intención de objetivar la iconografía y el tema clásico.

La ironía del momento de De Chirico fue que solo un año después, el escritor surrealista André Breton vería una de sus pinturas, El cerebro del niño, colgando en la ventana de una galería. Ese encuentro aleatorio llevaría a toda una generación de jóvenes pintores, incluidos Salvador Dalí y René Magritte, a interesarse por la obra de De Chirico. Estos pintores, que llegarían a ser conocidos como los surrealistas, se sintieron inspirados por la calidad onírica de estas pinturas y la forma en que tocaban la estética abstracta del subconsciente.

Giorgio de Chirico - El cerebro del niño, 1917. Óleo sobre lienzo. Nationalmuseum, Estocolmo, Suecia

El Legado Metafísico Contemporáneo

Además de crear un estilo singularmente hipnotizante, los intentos de De Chirico por pintar "lo que no se puede ver" dejaron un rastro de migajas estéticas. Podemos seguirlo siempre que deseemos regresar a nuestras raíces simbólicas primordiales para confrontar nuestras propias preguntas sobre la esencia del ser, la naturaleza del tiempo o los misterios del espacio, o cuando nos inquieta nuestra propia sensación diaria del interminable fin de siècle. Porque aunque poseemos muchos más datos sobre nuestro mundo que nuestros antepasados de principios del siglo XX, aún queda mucho que permanece invisible.

A pesar de nuestros avances científicos, no estamos más cerca que De Chirico de responder las preguntas esenciales de la Metafísica, como, "¿Qué significa existir?" No hemos respondido a la pregunta de si somos solo cuerpos o si existe el alma, y si existe, si todas las cosas tienen alma o solo los seres vivos. Pero gracias a artistas como De Chirico, tenemos modelos para la integración del simbolismo, el arte y el misterio en nuestras vidas. Puede que aún seamos los solitarios y desconcertados testigos del tiempo, pero al menos quizás estemos más cerca de aceptar nuestra inherente ambigüedad metafísica, para que podamos aprender a amar, en lugar de temer, los misterios perdurables de nuestra existencia.

Imagen destacada: Giorgio de Chirico - El enigma de una tarde de otoño, 1910
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio