Cómo el dibujo revitalizó la América de posguerra - en el MoMA

Con las restricciones de COVID en Nueva York levantándose, varias exposiciones de museos cuyas duraciones se extendieron durante el cierre pandémico están llamando. Entre las mejores para los aficionados a la abstracción se encuentra Degree Zero: Drawing at Midcentury en el MoMA, una exposición de 79 dibujos, en su mayoría abstractos, creados entre 1950 y 1961. Lo que hace que esta exposición sea extraordinaria son dos preguntas que plantea la curaduría, sobre la naturaleza y el valor del dibujo como medio artístico, y sobre el poder de las instituciones para construir y reconstruir versiones oficiales de la historia del arte. En términos del valor del dibujo como medio, las apuestas generalmente se sienten más bajas que con sus gemelos dizigóticos, la pintura y la escultura. El papel, los bolígrafos y los lápices son baratos y fáciles de conseguir en comparación con buenas pinturas, lienzos, metal, arcilla o piedra. Los propios artistas a menudo consideran que los dibujos son práctica para otras obras. Irónicamente, tales expectativas bajas a veces resultan en obras maestras al otorgar al dibujo un sentido de libertad que los medios más planificados y deliberados resisten. Degree Zero examina este fenómeno de dos maneras. Primero, la curaduría se centra en docenas de dibujos que claramente estaban destinados a ser obras terminadas—no preparatorias—, como un impresionante dibujo amarillo, sin título, de la artista suiza Sonja Sekula, o la perfecta “Composición con una bandera” del artista italo-brasileño Alfredo Volpi. En segundo lugar, incluye varias obras supuestamente preparatorias—más notablemente los dibujos de Ellsworth Kelly “Estudio para La Combe II” (1950) y “Estudio para Ventana, Museo de Arte Moderno, París” (1949)—que son en muchos aspectos superiores a las versiones finales que precedieron. En cuanto a lo que Degree Zero hace para abordar el poder de instituciones como el MoMA para escribir y reescribir la historia del arte, toda la exposición es básicamente un intento de corregir la narrativa estrecha a la que el MoMA contribuyó en primer lugar, que el arte de la posguerra era en gran medida un asunto americano, blanco y masculino, dominado por el Expresionismo Abstracto. Completamente extraído de la colección permanente del MoMA, Degree Zero incluye artistas de dos géneros de cinco continentes, representa múltiples antecedentes raciales e incluye algunos artistas no entrenados. Eso no hace nada para borrar viejos pecados, pero al menos testifica el deseo que tiene hoy el MoMA de comenzar a reparar un pasado roto.

Cajones de dibujos

Quizás lo más notable de Degree Zero es el hecho de que la exposición exista en absoluto. Cualquier dibujante profesional te dirá que la razón por la que los dibujos tienden a tener precios más bajos que las pinturas tanto en el mercado primario como en el secundario es que los coleccionistas tienden a no ver los dibujos como archivos. De hecho, muchos dibujantes ni siquiera invierten el tiempo en elegir papel de calidad, preparar la superficie, seleccionar medios de calidad, ni proteger la obra cuando está terminada. Cuando compras un dibujo, terminas teniendo que gastar mucho dinero en enmarcar la obra, cuidando de elegir el tipo correcto de vidrio, y colgándola en un lugar donde no se dañe por las condiciones atmosféricas. Incluso cuando están bien hechos y protegidos, los dibujos tienden a degradarse más rápidamente que las pinturas. Por eso, muchos dibujos en colecciones de museos terminan en cajones planos durante décadas, ignorados y eventualmente olvidados. Cuando son redescubiertos, a veces están más allá de ser salvados.

Norman Lewis - El Mensajero, 1952. Carbón y tinta sobre papel. 26 x 30 3/8′′ (66.1 x 77.3 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York. Donación de Blanchette Hooker Rockefeller © Patrimonio de Norman Lewis; Cortesía de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nueva York, NY

De alguna manera, el MoMA no solo logró reunir 79 dibujos de una sola década, sino que ahora, más de 60 años después, un gran número de estos dibujos sigue en extraordinarias buenas condiciones. Un ejemplo fantástico es “Untitled (Smoke Drawing)” (1959), de Otto Piene. El artista creó esta obra suspendiendo una hoja de papel en una pantalla de metal sobre una llama ardiente, permitiendo que el humo quemara un patrón circular en el papel. De alguna manera, esta hoja de papel carbonizada permanece completamente intacta y sublimemente expresiva, 62 años después. Otro ejemplo notable es “The Messenger” (1952), un dibujo de carbón e tinta sobre papel de Norman Lewis. Esta obra retiene tal detalle, delicadeza y matiz que casi 70 años después de su creación parece seguir conteniendo el eco del corazón gentil, reflexivo y vivo de este extraordinario artista. La maravillosa preservación de estas obras descontextualiza el medio no como algo condenado a deteriorarse, sino como algo expresivamente único de la mente y el cuerpo del dibujante que la creó, que vale la pena proteger y coleccionar.

Vista de instalación de Degree Zero: Drawing at Midcentury, 1 de noviembre de 2020–6 de febrero de 2021 en el Museo de Arte Moderno, Nueva York. Imagen digital © 2020 Museo de Arte Moderno, Nueva York. Foto de Robert Gerhardt.

Enderezando la historia

Samantha Friedman, curadora asociada de dibujos y grabados del MoMA, merece un reconocimiento adicional por lo bien que seleccionó obras que transmiten una perspectiva global, multi-género, multi-racial y multi-didáctica. Sin embargo, también estoy igualmente impresionado por el efecto que Degree Zero ha tenido en mi comprensión de las obras individuales de algunos de los artistas en la exposición. Un par de dibujos de Louise Bourgeois me cautivaron absolutamente, reiterando al niño que vive dentro de los adultos y ofreciendo un encantador vistazo del alma juvenil de esta artista cuyas esculturas encuentro aterradoramente y profundamente adultas. "Sin título (Florencia)" (1952) de Jay DeFeo es la única obra de pequeño formato de este artista que he visto. Su impactante claridad y pasión imprimieron la imagen en mi mente, probablemente de forma permanente. Un dibujo en blanco y negro sin título de Georges Mathieu de 1958 elevó aún más el respeto por este pintor. Siempre había sido fan de sus abstracciones cósmicas singulares, pero ver lo que hizo aquí sin la ayuda del color y la textura me demostró su maestría.

Joan Mitchell - Sin título, 1957. Óleo sobre papel. 19 1/2 x 17 1/2′′ (49.5 x 44.5 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York. Comité de Fondos para Dibujos © Patrimonio de Joan Mitchell

La última forma en que siento que Degree Zero "corrige" la historia es en su disposición a ir más allá de lo que normalmente se consideraría un dibujo. New City (1953), una acuarela y tinta sobre papel de Dorothy Dehner, normalmente se consideraría simplemente una pintura en acuarela, pero su apariencia lineal sugiere sin duda que pertenece a esta exposición. De manera similar, una obra colorida y sin título en pasteles de Beauford Delaney normalmente se mostraría como una pintura, o simplemente como una obra sobre papel. Lo mismo podría decirse de la impresionante obra sin título en óleo sobre papel de Joan Mitchel de 1957; una obra de acrílico sobre papel de Saburo Murakami; y un frotado de tinta de Sari Dienes; y el collage "2Letters Ms" (1961) de Vera Molnar. Categorizar estas obras como dibujos difumina las definiciones de una manera sutil y subversiva, y añade al efecto general que esta exposición logra de expandir la experiencia del dibujo y la historia del arte, para ser más abierta de lo que ha sido en el pasado.

Imagen destacada: Otto Piene - Sin título (Dibujo de humo), 1959. Hollín sobre papel. 20 x 29′′ (51 x 73 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York. Comprado con fondos proporcionados por Sheldon H. Solow © 2019 Otto Piene / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / VG. Bild-Kunst, Alemania
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio