Cómo el dibujo revitalizó la América de posguerra - en el MoMA
Con el levantamiento de las restricciones por COVID en Nueva York, varias exposiciones en museos, cuyos períodos se extendieron durante el cierre pandémico, están llamando la atención. Entre las mejores para los aficionados a la abstracción está Grado Cero: Dibujo a Mediados del Siglo en el MoMA, una exhibición de 79 dibujos mayormente abstractos creados entre 1950 y 1961. Lo que hace extraordinaria esta exposición son dos preguntas que plantea la curaduría, sobre la naturaleza y el valor del dibujo como medio artístico, y sobre el poder de las instituciones para construir, y reconstruir, versiones oficiales de la historia del arte. En cuanto al valor del dibujo como medio, generalmente las apuestas parecen menores que con sus gemelos dizigóticos, la pintura y la escultura. El papel, los bolígrafos y lápices son baratos y fáciles de conseguir en comparación con buenas pinturas, lienzos, metal, arcilla o piedra. Los propios artistas a menudo consideran los dibujos como práctica para otras obras. Irónicamente, tales bajas expectativas a veces resultan en obras maestras al otorgar al dibujo una sensación de libertad que medios más planificados y deliberados resisten. Grado Cero examina este fenómeno de dos maneras. Primero, la curaduría centra docenas de dibujos que claramente fueron concebidos como obras terminadas—no preparatorias—como un impresionante dibujo amarillo sin título de la artista suiza Sonja Sekula, o la perfecta “Composición con Una Bandera” de la artista ítalo-brasileña Alfredo Volpi. Segundo, incluye varias obras supuestamente preparatorias—más notablemente los dibujos de Ellsworth Kelly “Estudio para La Combe II” (1950) y “Estudio para Ventana, Museo de Arte Moderno, París” (1949)—que en muchos aspectos son superiores a las versiones finales que precedieron. En cuanto a lo que Grado Cero hace para abordar el poder de instituciones como el MoMA para escribir y reescribir la historia del arte, toda la exhibición es básicamente un intento de corregir la narrativa estrecha a la que el MoMA contribuyó en primer lugar, que el arte de la posguerra fue en gran medida un asunto estadounidense, blanco, masculino, dominado por el Expresionismo Abstracto. Extraído completamente de la colección permanente del MoMA, Grado Cero incluye artistas de dos géneros de cinco continentes, representa múltiples orígenes raciales e incluye algunos artistas sin formación. Eso no borra los pecados antiguos, pero al menos da testimonio del deseo que tiene hoy el MoMA de comenzar a reparar un pasado roto.
Dibujantes de Dibujos
Quizás lo más notable de Grado Cero es el hecho de que la exposición exista en absoluto. Cualquier dibujante profesional te dirá que la razón por la que los dibujos tienden a tener precios más bajos que las pinturas tanto en el mercado primario como en el secundario es que los coleccionistas tienden a no ver los dibujos como archivables. Muchos dibujantes, de hecho, ni invierten tiempo en elegir papel de calidad, preparar la superficie, seleccionar medios de calidad, ni proteger la obra cuando está terminada. Cuando compras un dibujo, terminas teniendo que gastar mucho dinero en enmarcar la obra, cuidando elegir el tipo correcto de vidrio, y colgarla en un lugar donde no se dañe por las condiciones atmosféricas. Incluso cuando están bien hechos y protegidos, los dibujos tienden a degradarse más rápido que las pinturas. Por eso muchos dibujos en colecciones de museos terminan en cajones planos durante décadas, ignorados y eventualmente olvidados. Cuando se redescubren, a veces están más allá de salvar.
Norman Lewis - El Mensajero, 1952. Carbón y tinta sobre papel. 26 x 30 3/8′′ (66.1 x 77.3 cm). Museo de Arte Moderno, Nueva York. Donación de Blanchette Hooker Rockefeller © Patrimonio de Norman Lewis; Cortesía de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nueva York, NY
De alguna manera, el MoMA no solo logró reunir 79 dibujos de una sola década, sino que ahora que tienen más de 60 años, un gran número de estos dibujos aún están en condiciones extraordinariamente buenas. Un ejemplo fantástico es “Sin título (Dibujo de Humo)” (1959), de Otto Piene. El artista hizo esta obra suspendiendo una hoja de papel sobre una malla metálica sobre una llama encendida, permitiendo que el humo quemara un patrón circular en el papel. De alguna manera, esta hoja de papel chamuscada permanece completamente intacta y sublimemente expresiva, 62 años después. Otro ejemplo notable es “El Mensajero” (1952), un dibujo en carbón y tinta sobre papel de Norman Lewis. Esta obra conserva tal detalle, delicadeza y matiz que casi 70 años después de su creación parece aún contener el eco del corazón gentil, reflexivo y vivo de este extraordinario artista. La maravillosa conservación de estas obras descontextualiza el medio no como algo condenado a deteriorarse, sino como algo expresivo de manera única de la mente y el cuerpo del dibujante que la hizo y que vale la pena proteger y coleccionar.
Vista de la instalación de Grado Cero: Dibujo a Mediados del Siglo, 1 de noviembre de 2020–6 de febrero de 2021 en el Museo de Arte Moderno, Nueva York. Imagen digital © 2020 Museo de Arte Moderno, Nueva York. Foto por Robert Gerhardt
Rectificando la Historia
Samantha Friedman, curadora asociada de dibujos y grabados del MoMA, merece crédito adicional por lo bien que seleccionó obras que transmiten una perspectiva global, multigénero, multirracial y multididáctica. Sin embargo, también estoy igualmente impresionado por el efecto que Grado Cero ha tenido en mi comprensión de las obras individuales de algunos de los artistas en la muestra. Un par de dibujos de Louise Bourgeois me cautivaron absolutamente, reiterando al niño que vive dentro de los adultos y ofreciendo una encantadora mirada al alma juvenil de esta artista cuyas esculturas encuentro aterradoramente y profundamente adultas. “Sin título (Florencia)” (1952) de Jay DeFeo es la única obra de pequeño formato de esta artista que he visto. Su claridad y pasión impactantes imprimieron la imagen en mi mente, probablemente para siempre. Un dibujo sin título en blanco y negro de Georges Mathieu de 1958 elevó aún más el respeto por este pintor. Siempre había sido admirador de sus abstracciones singularmente cósmicas, pero ver lo que hizo aquí sin la ayuda del color y la textura me demostró su maestría.
Joan Mitchell - Sin título, 1957. Óleo sobre papel. 19 1/2 x 17 1/2′′ (49.5 x 44.5 cm). Museo de Arte Moderno, Nueva York. Fondos del Comité de Dibujos © Patrimonio de Joan Mitchell
La última forma en que siento que Grado Cero “corrige” la historia es en su disposición a ir más allá de lo que normalmente se consideraría un dibujo. New City (1953), una acuarela y tinta sobre papel de Dorothy Dehner, normalmente se consideraría simplemente una pintura en acuarela, pero su aspecto lineal seguramente sugiere que pertenece a esta muestra. De manera similar, una obra colorida sin título en pasteles de Beauford Delaney normalmente se mostraría como una pintura, o simplemente una obra sobre papel. Lo mismo podría decirse del impresionante óleo sin título sobre papel de Joan Mitchell de 1957; una obra en acrílico sobre papel lanzada con la mano de Saburo Murakami; una estampación en tinta de Sari Dienes; y el collage “2Letters Ms” (1961) de Vera Molnar. Categorizar estas obras como dibujos difumina las definiciones de manera sutil y subversiva, y contribuye al efecto general que esta exposición logra de ampliar la experiencia del dibujo y la historia del arte para que sean más abiertas que en el pasado.
Imagen destacada: Otto Piene - Sin título (Dibujo de Humo), 1959. Hollín sobre papel. 20 x 29′′ (51 x 73 cm). Museo de Arte Moderno, Nueva York. Comprado con fondos proporcionados por Sheldon H. Solow © 2019 Otto Piene / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / VG. Bild-Kunst, Alemania
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
