Norman Lewis, una joya olvidada del Expresionismo Abstracto

Cuando la Academia de Bellas Artes de Pensilvania presentó "Procession: The Art of Norman Lewis" en 2015, la exposición fue una revelación para la mayoría de los espectadores. El tema de la muestra, el pintor estadounidense Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), es considerado como el único artista negro entre la primera generación de expresionistas abstractos. Su obra es completamente distintiva de la de sus contemporáneos, siguiendo hilos estéticos e intelectuales que le otorgan un sentido de frescura e ingenio incluso hoy en día. Sin embargo, a diferencia de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko y los otros pintores con los que a menudo exhibía, Lewis nunca alcanzó gran fama ni éxito financiero en su vida. Principalmente se mantuvo a sí mismo y a su familia como profesor. Una de las razones clave por las que luchó en el mercado fue que, a pesar de la forma en que el establecimiento artístico blanco, de la posguerra, estadounidense abrazó el arte abstracto, en su mayoría desestimó el trabajo de los artistas negros, abstractos o no. Al mismo tiempo, la mayoría de los comerciantes y coleccionistas de arte negro estadounidense de la posguerra también desestimaron el arte abstracto debido a la creencia de que la justicia social solo podría lograrse a través de un arte que abordara directamente los problemas de justicia social. De hecho, cuando comenzó su carrera en la década de 1930, el mismo Lewis tenía esa misma creencia. Pintó obras figurativas y realistas sociales como parte de la Administración de Progreso de Obras, un trabajo en el que conoció al fellow expresionista abstracto Pollock. Pero durante la Segunda Guerra Mundial, Lewis no pudo evitar notar la hipocresía del ejército estadounidense luchando contra un enemigo supremacista blanco mientras simultáneamente forzaba la segregación racial de sus propias tropas. Después de la guerra, Lewis abandonó su creencia de que el arte realista podría desempeñar un papel significativo en la reconfiguración de la cultura. Dijo: “Solía pintar negros siendo despojados; discriminación, y poco a poco me di cuenta de que esto no movía a nadie, no mejoraba las cosas.” En su lugar, se dedicó a una exploración de por vida de los aspectos más universales de la estética, movilizando el poder del color, la línea, la textura y la forma para unir a las personas en un espacio visual de contemplación y trascendencia.

Línea y Espacio Atractivos

Uno de los aspectos más distintivos del estilo de pintura abstracta que desarrolló Lewis es su uso de la línea. Sus pinceladas son etéreas y enérgicas, incluso líricas, y sin embargo poseen una estructura arquitectónica que les otorga un sentido de fuerza y peso. Empleó este elemento de tal manera que sus líneas creaban relaciones entre sí, implicando la presencia de formas en lugar de describir objetos literales en el espacio. En pinturas como “Músicos de la calle” (1948), una congregación de líneas ocupa el centro del lienzo, rodeada por una neblina atmosférica de tono rosado. La pintura es completamente abstracta, y sin embargo, debido a la forma en que se divide el espacio, parece como si fuera una imagen de algo reconocible. Los patrones lineales en el medio del lienzo sugieren la aparición de músicos reales, quizás descompuestos en un multiverso cubista de perspectivas y planos. Pero esta no es una imagen de músicos. Es más bien una expresión de la energía y emoción de la música tocada en la calle; la emoción de las notas atravesando el espacio, y el carnaval de colores y sonidos mientras llenan el aire.

Norman Lewis - Florencia, 1947. Óleo sobre Masonite. 14 x 18 in. Colección privada. © La herencia de Norman W. Lewis, cortesía de Iandor Fine Arts, Nueva Jersey.

Además de su uso de la línea, Lewis también desarrolló un método distintivo y altamente efectivo de interactuar con el espacio visual. No eran pinturas "totalmente" como las pinturas de Jackson Pollock, que cubrían cada centímetro del lienzo con marcas de pincel de tal manera que ninguna parte del lienzo merecía más atención que otra. Más bien, Lewis ofreció a los espectadores algo en lo que concentrarse dentro del espacio pictórico, incluso si el objeto de su enfoque era abstracto. En "Green Mist" (1948), logró esto combinando técnicas de tal manera que el ojo se sentía intuitivamente atraído hacia el centro del lienzo. En el borde exterior del lienzo, la pintura está difuminada y suavizada a mano para crear la sensación de una nube verde atmosférica, mientras que en el centro de la imagen, líneas nítidas y caligráficas sugieren que algo concreto está presente, o quizás evolucionando dentro del misterio del espacio visual.

Norman Lewis - Cruce, 1948. Óleo sobre lienzo. 25 x 54 in. Michael Rosenfeld Gallery. © La herencia de Norman W. Lewis, cortesía de Iandor Fine Arts, Nueva Jersey.

El grupo espiral

Aunque su decisión de explorar los aspectos universales de la estética en lugar de las representaciones realistas de la lucha negra en América hizo poco para elevar su perfil entre los comerciantes o coleccionistas, sí llevó a Lewis a la compañía de otros artistas afroamericanos que compartían su creencia en la importancia del logro estético. El 5 de julio de 1963, fue invitado al estudio de Romare Bearden para unirse a Hale Woodruff, Charles Alston, James Yeargans, Felrath Hines, Richard Mayhew y William Pritchard para formar un colectivo conocido como The Spiral Group. El grupo se dedicó a promover la maestría estética y las universalidades culturales. Se reunían regularmente para discutir las formas en que las representaciones realistas de la desigualdad racial ayudaban o no a la cultura negra, y para estudiar cómo la excelencia en el ámbito de los "problemas estéticos comunes" podría hacer más para elevar el estatus cultural y aumentar la influencia de los artistas negros en América.

Norman Lewis - Banda de Jazz, 1948. Grabado en tablero de masonita recubierto de negro. 20 x 23 7/8 in. Colección privada. © La herencia de Norman W. Lewis, cortesía de Iandor Fine Arts, Nueva Jersey.

El nombre Spiral Group fue sugerido por Hale Woodruff. Era una referencia al matemático griego Arquímedes, cuyo "tornillo" se enrollaba "hacia arriba en círculos cada vez más amplios, como su símbolo de progreso." Aunque algunos de los pintores de The Spiral Group hicieron obras figurativas, su aceptación total de las potencialidades de la abstracción fue innovadora, especialmente para el arte afroamericano. Sentó las bases para artistas como el escultor Richard Hunt, cuya exposición individual en 1971 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York fue solo la tercera exposición individual de un artista negro en la historia de MoMA, y la primera de un artista abstracto. También puso de relieve la desafortunada realidad de que en América nunca ha habido un solo mundo del arte, sino múltiples mundos del arte compitiendo por reconocimiento e influencia en lugar de cooperar hacia objetivos culturales comunes. Norman Lewis y los otros miembros de The Spiral Group sentaron las bases para algo mejor: un enfoque del arte que no solo es universal, sino unificador.

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Imagen destacada: Norman Lewis - Sin título, 1949. Óleo sobre lienzo. 20 x 30 in. Colección privada. © La herencia de Norman W. Lewis, cortesía de Iandor Fine Arts, Nueva Jersey.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio