Norman Lewis, una joya olvidada del Expresionismo Abstracto

Cuando la Academia de Bellas Artes de Pensilvania organizó “Procesión: El Arte de Norman Lewis” en 2015, la exposición fue una revelación para la mayoría de los espectadores. El tema de la muestra, el pintor estadounidense Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), es considerado el único artista negro entre la primera generación de Expresionistas Abstractos. Su obra es completamente distintiva de la de sus contemporáneos, siguiendo hilos estéticos e intelectuales que le otorgan un sentido de frescura e ingenio incluso hoy en día. Sin embargo, a diferencia de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko y otros pintores con quienes a menudo expuso, Lewis nunca alcanzó gran fama ni éxito económico en vida. Principalmente se sustentó a sí mismo y a su familia como maestro. Una de las razones clave por las que tuvo dificultades en el mercado fue que, a pesar de que el establecimiento artístico blanco estadounidense de la posguerra abrazó el arte abstracto, en gran medida desestimó la obra de artistas negros, abstracta o no. Al mismo tiempo, la mayoría de los comerciantes y coleccionistas de arte negro estadounidense de la posguerra también rechazaban el arte abstracto debido a la creencia de que la justicia social solo podía lograrse mediante un arte que abordara directamente los temas de justicia social. De hecho, cuando comenzó su carrera en los años 30, Lewis compartía esa misma creencia. Pintaba obras figurativas y realistas sociales como parte de la Administración de Progreso de Obras, un trabajo en el que conoció al también Expresionista Abstracto Pollock. Pero durante la Segunda Guerra Mundial, Lewis no pudo dejar de notar la hipocresía del ejército estadounidense luchando contra un enemigo supremacista blanco mientras simultáneamente imponía la segregación racial de sus propias tropas. Tras la guerra, Lewis abandonó la creencia de que el arte realista pudiera desempeñar un papel significativo en la transformación cultural. Dijo: “Solía pintar a negros siendo desposeídos; discriminación, y poco a poco me di cuenta de que eso no conmovía a nadie, no mejoraba las cosas.” En cambio, se dedicó a una exploración de por vida de los aspectos más universales de la estética, movilizando el poder del color, la línea, la textura y la forma para reunir a las personas en un espacio visual de contemplación y trascendencia.

La línea y el espacio en diálogo

Uno de los aspectos más distintivos del estilo de pintura abstracta que Lewis desarrolló es su uso de la línea. Sus pinceladas son etéreas y enérgicas, incluso líricas, y sin embargo poseen una estructura arquitectónica que les confiere un sentido de fuerza y peso. Empleó este elemento de tal manera que sus líneas creaban relaciones entre sí, sugiriendo la presencia de formas en lugar de describir objetos literales en el espacio. En pinturas como “Músicos callejeros” (1948), una congregación de líneas ocupa el plano central del lienzo, rodeada por una neblina atmosférica rosada. La pintura es completamente abstracta, y sin embargo, debido a la forma en que el espacio está dividido, parece como si fuera la imagen de algo reconocible. Los patrones lineales en el centro del lienzo sugieren la apariencia de músicos reales, quizás fragmentados en un multiverso cubista de perspectivas y planos. Pero esto no es una imagen de músicos. Es más bien una expresión de la energía y emoción de la música tocada en la calle; la emoción de las notas que atraviesan el espacio, y el carnaval de colores y sonidos mientras llenan el aire.

Norman Lewis - Florencia, 1947. Óleo sobre masonita. 14 x 18 pulg. Colección privada. © El patrimonio de Norman W. Lewis, Cortesía de Iandor Fine Arts, Nueva Jersey.

Además de su uso de la línea, Lewis también desarrolló un método distintivo y muy efectivo para interactuar con el espacio visual. Sus pinturas no eran “totales” como las de Jackson Pollock, que cubrían cada centímetro del lienzo con marcas de pincel de tal manera que ninguna parte merecía más atención que otra. Más bien, Lewis ofrecía a los espectadores un punto de enfoque dentro del espacio pictórico, incluso si el tema de ese enfoque era abstracto. En “Niebla verde” (1948), logró esto combinando técnicas de modo que el ojo se dirigía intuitivamente al centro del lienzo. En el borde exterior del lienzo, la pintura está difuminada y suavizada a mano para crear la sensación de una nube atmosférica verde, mientras que en el centro de la imagen, líneas nítidas y caligráficas sugieren que algo concreto está presente, o quizás evolucionando dentro del misterio del espacio visual.

Norman Lewis - Cruce, 1948. Óleo sobre lienzo. 25 x 54 pulg. Galería Michael Rosenfeld. © El patrimonio de Norman W. Lewis, Cortesía de Iandor Fine Arts, Nueva Jersey.

El Grupo Espiral

Aunque su decisión de explorar los aspectos universales de la estética en lugar de representaciones realistas de la lucha negra en Estados Unidos hizo poco para elevar su perfil entre comerciantes o coleccionistas, sí acercó a Lewis a otros artistas negros estadounidenses que compartían su creencia en la importancia del logro estético. El 5 de julio de 1963, fue invitado al estudio de Romare Bearden para unirse a Hale Woodruff, Charles Alston, James Yeargans, Felrath Hines, Richard Mayhew y William Pritchard para formar un colectivo conocido como El Grupo Espiral. El grupo se dedicaba a promover la maestría estética y las universalidades culturales. Se reunían regularmente para discutir de qué manera las representaciones realistas de la desigualdad racial ayudaban o no a la cultura negra, y para estudiar cómo la excelencia en el ámbito de los “problemas estéticos comunes” podría hacer más para elevar el estatus cultural y aumentar la influencia de los artistas negros en Estados Unidos.

Norman Lewis - Banda de jazz, 1948. Inciso sobre tablero de masonita negro. 20 x 23 7/8 pulg. Colección privada. © El patrimonio de Norman W. Lewis, Cortesía de Iandor Fine Arts, Nueva Jersey

El nombre Grupo Espiral fue sugerido por Hale Woodruff. Era una referencia al matemático griego Arquímedes, cuyo “tornillo” giraba “hacia arriba en círculos cada vez más amplios, como símbolo de progreso.” Aunque algunos de los pintores del Grupo Espiral realizaban obras figurativas, su aceptación total de las potencialidades de la abstracción fue innovadora, especialmente para el arte negro estadounidense. Sentó las bases para artistas como el escultor Richard Hunt, cuya exposición individual en 1971 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York fue solo la tercera exposición individual de un artista negro en la historia del MoMA, y la primera de un artista abstracto. También puso en evidencia la desafortunada realidad de que en Estados Unidos nunca ha existido un solo mundo artístico, sino múltiples mundos artísticos compitiendo por reconocimiento e influencia en lugar de cooperar hacia metas culturales comunes. Norman Lewis y los otros miembros del Grupo Espiral sentaron las bases para algo mejor: un enfoque del arte que no solo es universal, sino unificador.

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Imagen destacada: Norman Lewis - Sin título, 1949. Óleo sobre lienzo. 20 x 30 pulg. Colección privada. © El patrimonio de Norman W. Lewis, Cortesía de Iandor Fine Arts, Nueva Jersey.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio