Mark Rothko: El Maestro del Color en Busca del Drama Humano

Un protagonista clave del Expresionismo Abstracto y la pintura de campos de color, Mark Rothko (1903 – 1970) fue uno de los pintores más influyentes del siglo XX cuyas obras hablaron profundamente, y aún lo hacen, sobre la condición humana. Reconocido como un maestro del color, las pinturas de Rothko estaban lejos de ser meras exploraciones de elementos pictóricos puros. A pesar de numerosas interpretaciones basadas en las cualidades formales de su obra, el artista emprendió un viaje para cautivar al espectador, investigar la emoción e instigar una experiencia dentro del lienzo mediante pigmentos ricos, campos de color y las relaciones que establecen los tonos, evocando una conexión profundamente humana con la obra que a menudo escapa a la razón y dificulta la explicación.

Predominantemente autodidacta y en cierto sentido un inadaptado, Mark Rothko fue un hombre y un artista de mente compleja, opuesto a las etiquetas, enfrentando en particular el epíteto de “colorista”, y un pintor en constante búsqueda de retratar la precariedad del drama humano. A lo largo de su carrera, el pintor nunca adoptó una mentalidad de grupo, creando un cuerpo de obra único que siguió su propia trayectoria, informado por la tragedia de la condición humana. Desde sus primeras obras figurativas y los revolucionarios multiformes hasta la icónica Capilla Rothko y la serie Negra y Gris, la obra de Rothko suele interpretarse mediante una lógica evolutiva, manifestando una trayectoria que refleja su vida.

Siguiendo la obra del artista, la exposición innovadora en curso Mark Rothko en la Fundación Louis Vuitton en París reexamina cronológicamente el papel del color, demostrando que su purga fue un engaño. Imbuido de tonos ciruela y burdeos, los lienzos oscuros del pintor desilusionan la ilusión, como también lo muestra una serie de obras de finales de los años 60. “No me interesa el color. Lo que busco es la luz,” comentó Rothko en una ocasión, tejiendo un hilo común entre todas sus pinturas, revelando la verdadera función de los tonos.

De Rotkovich a Rothko

Sinónimo de pintura de campos de color y entre los pioneros del arte abstracto, Mark Rothko nació el 25 de septiembre de 1903 en una familia de judíos liberales como Marcus Yakovlevich Rotkovich, adoptando el nombre anglicizado mundialmente famoso mucho después. A una edad temprana, el artista se vio obligado a huir de su ciudad natal Dvinsk (actual Daugavpils, Letonia) y emigró con su familia del Imperio Ruso a los Estados Unidos en 1913. Aunque asistió a una escuela religiosa en su país antes de completar la secundaria Lincoln en Portland, Oregón, Rothko nunca fue particularmente religioso, ni la fe influyó mucho en su obra.

A principios de los años 20, el pintor se inscribió en Yale con una beca, que terminó después del primer año, lo que lo llevó a abandonar sus estudios y mudarse a Nueva York en 1923, donde se unió a la Liga de Estudiantes de Arte y comenzó a tomar clases impartidas por el artista cubista Max Weber. En ese momento, Nueva York era uno de los refugios seguros para artistas europeos y un floreciente centro creativo, reuniendo a expresionistas alemanes, modernistas franceses y surrealistas, cuyo trabajo influyó mucho en el joven Rothko, quien quedó particularmente impresionado por Paul Klee y Georges Rouault.

En los años 30, el pintor conoció a artistas como Adolph Gottlieb, Barnett Newman, y John Graham, acercándolo al pintor Milton Avery, quien fue fundamental en la decisión de Rothko de seguir una carrera artística. Aunque al principio bajo la influencia de Avery, Rothko comenzó a distanciarse lentamente del estilo de otros, lo que se hizo evidente en su primera exposición individual en la Costa Este en la Galería de Artes Contemporáneas de Nueva York en 1933. Solo dos años después, el pintor formó The Ten, un grupo independiente de artistas que incluía a Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Yankel Kufeld, Louis Schanker, Joseph Solman y Nahum Tschacbasov, transformándose de Marcus Rotkovich en Mark Rothko.

Mark Rothko - Negro sobre granate, 1958. Óleo sobre lienzo. 266.7 x 365.7 cm. Tate, Londres. Presentado por el artista a través de American Foundation of Arts, 1969. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, París, 2023

Independientemente de la época o los elementos estilísticos, Mark Rothko parece haber ido liberando gradualmente un interés en representar la tragedia de la existencia humana personificada por el color. Su primera exposición individual en Nueva York presentó principalmente retratos y escenas urbanas, anunciando una lógica pictórica guiada por campos y tonos de color. El período de transición del artista (1940-1950) aún se apoyaba en la figuración, pero durante este tiempo Rothko comenzó a incorporar referencias mitológicas y elementos surrealistas, influenciado tanto por otros artistas como por los pioneros de la psicología moderna, Sigmund Freud y Carl Jung. Las pinturas de Rothko, como El presagio del águila (1942), formaban parte de la intención de crear un “mito contemporáneo”, funcionando como precursor del Expresionismo Abstracto.

Despojado de cualquier elemento o referencia figurativa, Rothko comenzó a pintar sus famosos Multiformes en 1946. La composición de las obras abstractas se redujo completamente a campos rectangulares superpuestos de color, explorando las sensaciones emocionales, psicológicas y visuales que la mezcla de diferentes tonos y matices podía inducir. “Una pintura no es una imagen de una experiencia. Es una experiencia,” resumió Rothko, aclarando la importancia de la escala y el abandono del marco tan cruciales como los tonos, matices y la viveza del color en su misión de construir una experiencia multisensorial más que solo una pintura.

Mark Rothko - No. 14, 1960. Óleo sobre lienzo. 290.83 cm x 268.29 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco - Compra con fondos Helen Crocker Russell. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, París, 2023

Una experiencia inmersiva e íntima

La intención de Rothko de sumergir al espectador en sus obras se realizó en varios encargos y proyectos, incluyendo los famosos Murales Seagram (1956-1958), creados en armonía con la arquitectura. Aunque concebidos para el Edificio Seagram de Mies van Der Rohe, los nueve lienzos encontraron su hogar en la Tate, formando la espectacular Sala Rothko. En los Murales Seagram, la paleta de Rothko se oscureció; los campos de color marrón, burdeos, granate y rojo se fundían entre sí, y su composición se desplazó hacia planos horizontales y verticales que insinuaban formas arquitectónicas, puertas y ventanas que se desvanecían en el fondo. La primera convergencia de Rothko con la arquitectura fue un encargo para la Colección Philips en Washington D.C., seguido por los Murales de Harvard, y culminando con la Capilla Rothko en Houston, Texas. Antes de su suicidio en 1970, Mark Rothko trabajaba en la serie Negra y Gris, sugiriendo un vínculo con el Minimalismo según algunas interpretaciones recientes.

Durante un período crítico en su práctica pictórica, Rothko se dedicó a escribir un libro para aclarar su visión de la pintura. Publicado póstumamente en 2004, La realidad del artista ofrece una valiosa mirada a la mente y alma de uno de los artistas más destacados del siglo XX cuyas pinturas continúan encantando a través de sus misterios. Aunque leer a Rothko proporciona la clave para desvelar los secretos de sus pinturas, nunca puede reemplazar el reflejo íntimo, emocional e inexplicable que sentimos al encontrarnos con una de ellas si nos atrevemos a seguir la invitación de Rothko: “Para nosotros, el arte es una aventura hacia un mundo desconocido, que solo pueden explorar quienes estén dispuestos a correr riesgos.”

Por Francis Berthomier

Imagen destacada: Rothko en la Fundación Louis Vuitton, © Ideelart