Recordando al Gran Robert Ryman

El pintor estadounidense Robert Ryman ha fallecido a los 88 años. Su muerte fue anunciada en un comunicado de su galería. Artista autodidacta, Ryman creó una vasta obra que ha intrigado, deleitado y desconcertado a los espectadores durante más de 50 años. La gran mayoría de sus pinturas eran principalmente blancas. Sin embargo, Ryman siempre se apresuraba a señalar que no estaban destinadas a ser "pinturas blancas". Más bien, las describía como pinturas en las que el color blanco se utilizaba como una forma de hacer que otras cosas se volvieran visibles. No estaba tratando de revelar cosas por sí mismo. No tenía una agenda social, política o intelectual. Más bien, estaba creando situaciones en las que las pinturas podrían ser capaces de revelarse a sí mismas. El blanco, creía, era más revelador que otros colores. Comparaba el efecto con derramar café sobre una camisa blanca. "Puedes ver el café muy claramente", decía. "Si lo derramas sobre una camisa oscura, no lo ves tan bien." En cuanto a la cuestión de qué cosas eran reveladas por la blancura en sus pinturas, Ryman generosamente dejaba eso a los espectadores. Decía: "Lo que es la pintura, es exactamente lo que la gente ve." A lo largo de las décadas, las personas han informado haber visto todo tipo de cosas, y no cosas, en sus pinturas. Algunos dicen que ven bolas de algodón o formaciones de nubes. Otros informan ver expresiones conceptuales de los procesos técnicos de la pintura. Muchos describen lo que ven como abstracto. Sin embargo, Ryman no se consideraba un pintor abstracto. Consideraba sus pinturas como objetos autorreferenciales. "No hay simbolismo ni historia que necesite contar", decía. Su insistencia suave en este punto lo convirtió en el embajador perfecto de la relevancia eterna de la pintura. Al hacer cientos de hermosas pinturas, mientras apenas se desviaba de su uso de un solo color, Ryman demostró de manera innegable que una variedad interminable de pinturas aún espera ser creada.

Pinturas, No Imágenes

Robert Ryman nació en Nashville, Tennessee en 1930. Después de graduarse de la universidad, sirvió en el Ejército de los EE. UU. como músico, tocando en una banda de la Reserva del Ejército durante la Guerra de Corea. Cuando se mudó a la ciudad de Nueva York en 1953, lo hizo con la intención de convertirse en músico de jazz, no en pintor. Nunca había tomado una clase de arte antes. Su principal ambición era simplemente encontrar un trabajo en la ciudad con la menor responsabilidad posible para poder concentrarse por completo en su vida creativa. Ryman aceptó un puesto como guardia en el Museo de Arte Moderno. Fue allí donde vio sus primeras pinturas. Al principio, no se dio cuenta de que lo que estaba mirando eran pinturas, como tal. Vio las cosas colgadas en las paredes del museo como imágenes. Vio sus superficies y materiales como secundarios al tema que las imágenes estaban destinadas a transmitir.

Robert Ryman - Attendant, 1984. Óleo sobre fibra de vidrio con aluminio, tornillos y pernos. 51 7/8 x 47 x 2 1/8" (131.8 x 119.4 x 5.4 cm). Anne y Sid Bass Fund. Colección MoMA. © 2019 Robert Ryman

Su mente cambió la primera vez que vio una pintura de Mark Rothko. Dijo Ryman: “Nunca había visto una pintura de esa manera antes. Había estado mirando imágenes todo el tiempo, y aquí había algo que tenía una sensación totalmente diferente.” Rothko no percibía sus pinturas como imágenes. Las consideraba puertas trascendentales. Tenía la intención de que la superficie, la pintura, los colores, las texturas, la luz y el entorno físico de la pintura fueran parte de la misma experiencia. Quería que los espectadores no miraran "a" las pinturas, sino que se sumergieran en la experiencia de ellas. A través de la contemplación de sus pinturas, Rothko esperaba que los espectadores entraran en un estado contemplativo; ese era el verdadero objetivo de su trabajo. “No sabía lo que estaba haciendo”, dijo Ryman. Pero Ryman al menos era consciente a partir de ese momento de la diferencia esencial entre pinturas e imágenes. Inspirado por esta revelación, salió a la ferretería y por primera vez en su vida compró pinturas y una superficie para pintar.

Robert Ryman - Puente, 1980. Pintura al óleo y pintura preventiva contra el óxido sobre lienzo con cuatro sujetadores metálicos pintados y pernos cuadrados. 75 1/2 x 72 in. (191.7 x 182.8 cm). Konrad Fischer, Düsseldorf, Thomas Ammann, Zúrich, Adquirido de lo anterior por el propietario actual. © 2019 Robert Ryman

Nunca Dejes de Experimentar

Nunca habiendo participado en el mundo del arte académico, Ryman no estaba cargado de ningún sesgo que pudiera haber desafiado su comprensión de cómo hacer una pintura. Se abrió a todas las posibilidades y se permitió el placer de simplemente disfrutar del proceso de aplicar pintura a las superficies. Se fascinó con la sensación de sus diversas herramientas, las formas en que interactuaban con varios medios y las maneras en que esos medios transformaban diversas superficies. Sus primeras pinturas eran casi monocromáticas—principalmente verdes o naranjas. Pero el color dominante no era el único color. "Sin título (Pintura Naranja)" (1959) está salpicada de amarillos, rojos, verdes y azules. El naranja puede ser lo primero que ve un espectador, pero poco después, el ojo, y luego la mente, se ven atraídos por las contradicciones en la obra.

Robert Ryman - Sin título (Pintura Naranja), 1955 y 1959. Óleo sobre lienzo. 28 1/8 x 28 1/8" (71.4 x 71.4 cm). Donación fraccionada y prometida de Jo Carole y Ronald S. Lauder en honor a David Rockefeller en su 100 cumpleaños. Colección del MoMA. © 2019 Robert Ryman

Esas contradicciones son lo que finalmente atrajo a Ryman al color blanco, porque proporcionaba contrastes tan marcados. Sin embargo, a pesar de depender tanto del color blanco, Ryman nunca perdió el sentido de experimentación que informaba sus primeras obras. Era la prueba viviente de la idea de que la limitación genera creatividad. Se mantuvo en el blanco, pero utilizó docenas de medios. Se adhirió a un formato cuadrado, pero varió el tamaño, desde pinturas tan pequeñas como unos pocos centímetros cuadrados hasta una que es esencialmente una pared cuadrada. Encontró variedad en los tipos de superficies sobre las que pintaba y experimentó con cómo se adjuntaban sus pinturas a las paredes. Lo único que no varió fueron las circunstancias en las que se mostraban sus pinturas. Para que sus pinturas funcionaran correctamente, creía que necesitaban ser exhibidas en las paredes de galerías limpias, con paredes blancas y con iluminación estándar. Su tradicionalismo expositivo se basaba en su creencia de que cada pintura tiene algo propio que quiere expresar. "La pintura necesita una cierta atmósfera reverente para estar completa", le dijo Ryman una vez a Art21. "Tiene que estar en una situación para que pueda revelarse."

Imagen destacada: Robert Ryman - Sin título, 1965. Esmalte sobre cartón bristol. 7 3/4 x 8 1/8" (19.7 x 20.6 cm). Colección del MoMA. © 2019 Robert Ryman
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio