El Contenido y la Emoción en el Arte de Grace Hartigan

Grace Hartigan (1922 – 2008) no ha sido bien tratada por los escritores autoproclamados de la historia del arte. A lo largo de su carrera fue malinterpretada y etiquetada erróneamente, excluida del movimiento que amaba y agrupada con uno que detestaba. A pesar de todo eso, o quizás por ello, Hartigan es un modelo a seguir maravilloso: una artista que se mantuvo fiel a su visión personal en lugar de conformarse con las modas y expectativas de la cultura en general. Considerada una “Expresionista Abstracta de Segunda Generación,” Hartigan fue recientemente inmortalizada en el libro 9th Street Women, de Mary Gabriel, que narra la historia de cinco mujeres—Hartigan, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Joan Mitchell y Helen Frankenthaler—quienes estuvieron en el centro de la Escuela de Nueva York en los años 50. Cada una de estas cinco mujeres desarrolló un lenguaje visual distintivo que contribuyó significativamente al desarrollo y definición del Expresionismo Abstracto. Sin embargo, incluso entre estas pioneras, Hartigan era única. Al principio de su carrera, sus pinturas puramente abstractas fueron reconocidas como extraordinarias por curadores de museos como Alfred Barr y Dorothy Miller, quienes incluyeron a Hartigan en varias exposiciones importantes. No obstante, Hartigan comenzó a sentir que algo faltaba en sus composiciones abstractas. Justo cuando su carrera despegaba y el famoso crítico de arte Clement Greenberg empezaba a promoverla como una de las abstraccionistas más talentosas de América, Hartigan se alejó ligeramente de la abstracción pura. Comenzó a pintar estudios de obras de los Viejos Maestros e insertar elementos figurativos de la vida contemporánea en sus composiciones abstractas. Para Hartigan, la mezcla de figuración y abstracción representaba una combinación más perfecta de contenido y emoción. “He encontrado mi tema,” proclamó, “se trata de aquello que es vulgar y vital en la vida moderna americana, y las posibilidades de su trascendencia hacia lo bello.” Lo que fue un avance para Hartigan, sin embargo, fue una decepción para Greenberg y otros que antes alababan su obra abstracta, y de inmediato retiraron su apoyo. Hartigan, sin embargo, insistió en la primacía de su propia visión. En el proceso, pudo haber roto su relación con la fama, la celebridad y la historia del arte patriarcal; pero demostró que la verdad y la belleza pueden encontrarse en la resistencia.

La forastera desde dentro

Nacida en una familia pobre de clase trabajadora en Newark, Nueva Jersey, en 1922, Hartigan no comenzó con la intención de convertirse en artista. De hecho, a los 19 años intentó huir con su primer esposo a Alaska para convertirse en colonos. Incluso después de convertirse en una artista exitosa, afirmó nunca haber tenido talento natural. “Solo tenía genio,” bromeó. Su primera experiencia profesional artística fue durante la Segunda Guerra Mundial, cuando se mantenía como ilustradora mecánica mientras su primer esposo luchaba en la guerra. En 1945, tras ser presentada a la obra de Henri Matisse, se inspiró para seguir una carrera como artista plástica y se trasladó al Lower East Side de la ciudad de Nueva York. Allí, Hartigan formó parte de un círculo profesional y social que incluía a pioneros del Expresionismo Abstracto como Mark Rothko, Lee Krasner y Adolph Gottlieb.

Grace Hartigan - Prueba para Sin título de Folder, Vol. I, No. I, 1953. Serigrafía. Composición (irregular): 7 1/2 × 10 9/16" (19.1 × 26.8 cm); hoja: 8 11/16 × 11 5/16" (22 × 28.7 cm). Prueba fuera de la edición de 500. Colección MoMA. Donación de Daisy Aldan. © 2019 Grace Hartigan

Las intensas y crudas pinceladas y las formas biomórficas en sus primeras pinturas reflejan el interés que compartía con esos pintores tanto en la abstracción como en la técnica surrealista del dibujo automático. Sin embargo, Hartigan nunca encajó completamente con sus contemporáneos. Estéticamente, le preocupaba que estaba tomando demasiado prestado de las ideas de otros. Económicamente, tenía que buscar lienzos desechados por otros artistas y construir bastidores con madera de desecho. Socialmente, Hartigan se sentía una forastera trabajando entre artistas mayormente hombres. Firmó muchas de sus primeras pinturas con el nombre George Hartigan—un guiño a las escritoras del siglo XIX Mary Ann Evans, que usaba el seudónimo George Eliot, y Amantine Lucile Aurore Dupin, que usaba el seudónimo George Sand, reflejando el hecho de que no se sentía completamente aceptada por la Escuela de Nueva York dominada por hombres.

Grace Hartigan - Dibujo preparatorio para En memoria de mis sentimientos, 1967. Tinta sobre acetato. 13 15/16 x 11" (35.4 x 28 cm). Colección MoMA. Donación de la artista. © 2019 Grace Hartigan

Una luz aislada

Quizás su sentido de sí misma como forastera ayudó a Hartigan a ignorar a los críticos cuando la rechazaron por introducir contenido narrativo personal en sus pinturas. Pero no hay duda de que su incomprensión de su evolución hizo que Hartigan sufriera. Una vez describió su obra madura como “dolor emocional recordado en tranquilidad.” Finalmente, rechazó a Nueva York en respuesta, mudándose a Baltimore donde pasó cuatro décadas dirigiendo la Escuela Hoffberger de Pintura, el departamento de posgrado del Maryland Institute College of Art—un programa fundado para ella y construido alrededor de sus enseñanzas. Mirando atrás, parece absurdo que los críticos pensaran que la adición de referencias figurativas en su obra excluía a Hartigan del legado del Expresionismo Abstracto. La energía, intuición y materialidad visceral tan esenciales para ese movimiento nunca dejaron de ser evidentes en su obra. Tampoco es que abandonara totalmente la abstracción; simplemente se convenció de que sus pinturas puramente abstractas carecían de algo si no contenían alguna referencia reconocible a su vida real.

Grace Hartigan - La chaqueta persa, 1952. Óleo sobre lienzo. 57 1/2 x 48" (146 x 121.9 cm). Colección MoMA. Donación de George Poindexter. © 2019 Grace Hartigan

El insulto definitivo para Hartigan llegó al final de su vida, cuando toda una nueva generación de escritores autoproclamados de la historia del arte reencuadró dudosamente su abrazo a la figuración como un hito en el camino hacia el Arte Pop, como si de alguna manera ella hubiera inspirado el surgimiento de ese movimiento. Hartigan deploraba esta asociación; para ella, el Arte Pop representaba solo la fetichización de las apariencias, mientras que su obra trataba de comunicar la verdad y la emoción subyacentes a la vida. Sería mucho más exacto llamar a Hartigan una pionera del Neoexpresionismo, con su actitud cruda y pictórica; o del Arte Feminista, considerando la confianza autoritaria con la que enfrentó la misoginia patriarcal del campo artístico. Sin embargo, creo que la mejor manera de recordar su legado es no cargarla con ninguna etiqueta. Hartigan fue única. Su ejemplo demuestra que la mejor manera de fomentar un campo artístico inclusivo, progresista y creativo no es obsesionarse con los movimientos, sino abrazar la experimentación y acoger la desviación estética.

Imagen destacada: Grace Hartigan - Sin título de Folder vol. I, no. I, 1953. Serigrafía de una revista con tres serigrafías. Composición (irregular): 7 1/16 x 10 1/16" (17.9 x 25.5 cm); hoja: 7 7/16 x 10 7/16" (18.9 x 26.5 cm). Edición 500. Colección MoMA. © 2019 Grace Hartigan
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio