Las hipnotizantes animaciones de Oskar Fischinger

Este año se conmemora el 50 aniversario de la muerte de Oskar Fischinger, un genio premonitorio que se acercó más que ningún otro artista a expresar las misteriosas y abstractas similitudes que existen entre la música y las imágenes. A través de sus películas animadas, Fischinger correlacionó los lenguajes visuales de formas, líneas y colores con el lenguaje musical de notas, ritmos, armonías y disonancias. A través de su invención del Lumigraph, un dispositivo emisor de luz manipulado a mano de manera similar a un instrumento musical, demostró el potencial de crear vínculos estético-emocionales mediante composiciones de color dinámicas e improvisadas tocadas en una máquina. Y a través de sus pinturas, transmitió los planos conceptuales elevados ocultos en sus películas en movimiento al congelarlos en superficies simplificadas y bidimensionales. Mientras tanto, a lo largo de su carrera, en escritos y discursos, expuso a fondo sus intenciones artísticas. “Quiero que esta obra satisfaga las necesidades espirituales y emocionales de nuestra era”, escribió en 1950. “Porque hay algo que todos buscamos—algo por lo que intentamos durante toda una vida...esperando...un día, quizás, algo será revelado, surgiendo de lo desconocido, algo que revelará la Verdadera Creación: ¡la Verdad Creativa!”

Oskar Fischinger: Un Artista Nacido

Algunos artistas se hacen; otros nacen. Oskar Fischinger nunca estudió arte en la escuela. Nacido en 1900 en Hesse, Alemania, fue, como la mayoría de los miembros de su generación, reclutado para el servicio militar cuando era adolescente. Pero debido a su mala condición física, no se vio obligado a luchar por Alemania en la guerra. En su lugar, consiguió un trabajo en una fábrica de órganos. Esa exposición temprana a los mecanismos de la creación musical resultaría fatídica para Fischinger más adelante, especialmente cuando se sumó a la educación en ingeniería que pudo recibir después de la guerra, cuando su familia se mudó a Frankfurt. Quizás estas experiencias no eran típicas de alguien destinado a convertirse en un gran artista, pero eran creativas en su esencia, y como resulta, eran perfectas para el destino que esperaba a este artista en particular.

En 1921, Fischinger conoció al director de cine alemán de vanguardia Walter Ruttman. Ruttman era uno de un puñado de artistas que experimentaban con el cine como un medio abstracto, explorando las formas en que podría interactuar con otras formas de arte. Fischinger se sintió inspirado por el trabajo que Ruttman estaba realizando, y gracias a sus antecedentes mecánicos e ingenieriles logró encontrar una manera de impresionar a Ruttman a cambio. Lo hizo a través de la invención de un dispositivo de animación mecánica: una "máquina de cortar cera". Después de escuchar sobre el dispositivo, Ruttman quedó tan impresionado que le pidió a Fischinger los derechos para usarlo. Fischinger otorgó los derechos de su máquina a Ruttman, y también se mudó posteriormente a Múnich, donde tuvo acceso a más equipo, lo que le permitió experimentar más por su cuenta.

Oskar Fischinger - fotograma de Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Las películas

Mientras estaba en Múnich, Fischinger realizó algunas de sus primeras películas. En lugar de imitar el mundo real, estudiaron otras formas en que la luz y el sonido podían interactuar en una película. En 1926, escribió uno de sus ensayos seminales, titulado Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, o A New Art: Spatial Light Music. Aunque parece que nunca se publicó en su vida, ahora está archivado en The Center for Visual Music en Los Ángeles, que posee y gestiona la obra de Fischinger, incluidos sus filmes y documentos. Los pensamientos que Fischinger expresó en este ensayo, junto con los logros evidentes en sus primeras películas, colocaron a Fischinger en la compañía filosófica de artistas como Wassily Kandinsky, quien creía firmemente en la capacidad de las imágenes no objetivas para comunicarse espiritualmente en el mismo nivel abstracto que la música. Pero al centrarse en películas en lugar de pintura, Fischinger pudo entender una diferencia esencial entre la música y las imágenes: que la música, a diferencia de la imagen estática, ocurre en el tiempo.

Una sola nota que dura solo un momento no tiene el mismo efecto emocional en un oyente que una sinfonía interpretada a lo largo de una hora. Y lo mismo es cierto para las imágenes. Una sola composición visual en una pintura no tiene el mismo efecto emocional en un espectador que una composición visual que se desarrolla a lo largo del tiempo en una imagen en movimiento. Al aplicar ese proceso de pensamiento básico, Fischinger pasó las siguientes dos décadas creando algunas de las películas animadas abstractas más innovadoras jamás realizadas. Algunas estaban acompañadas de música, y se les ha llamado los primeros videos musicales. Pero no eran nada como los videos musicales que conocemos hoy. Estaban acompañados de música solo en un intento de examinar las similitudes en las formas en que las composiciones visuales y las composiciones musicales se comunican abstractamente a nuestros cerebros.

Oskar Fischinger - fotograma de Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composición en azul

En 1935, mientras vivía en Berlín, Oskar Fischinger logró lo que muchas personas consideran su obra maestra: un cortometraje titulado Composición en azul. Filmado en película de color de 35 mm, el cortometraje animado está acompañado por una melodía de Las alegres comadres de Windsor, una ópera del compositor alemán Otto Nicolai, basada en la obra del mismo nombre de William Shakespeare. A lo largo de la película, formas abstractas de colores vívidos bailan en perfecta sincronía con la música. El fondo parece cambiar de dos a tres dimensiones, y frecuentemente colapsa sobre sí mismo, transformándose en un deleite visual interminable y caprichoso.

Un aspecto notable de Composition in Blue es cómo fue hecho. Fischinger construyó a mano cada una de esas pequeñas formas que bailan en la película. Esos son modelos pintados, meticulosamente movidos mientras se filmaba, un fotograma a la vez. Cada fotograma congelado podría, bajo diferentes circunstancias, constituir una pintura abstracta. O, si lo hubiera deseado, cada composición antes de ser filmada podría haber sido considerada como una instalación escultórica. Pero fue solo en movimiento, desarrollándose a lo largo del tiempo, que Fischinger creía que estas imágenes abstractas podían alcanzar el mismo impacto que las composiciones musicales, por lo que fue hacia ese fin que dirigió la obra.

Oskar Fischinger - fotograma de Composición en Azul, 1935, © Centro para la Música Visual

Las pinturas

Composición en Azul logró reconocimiento internacional. Debido en parte a su éxito, Fischinger pudo venir a América en 1936, donde ocupó varios puestos en Hollywood trabajando para Paramount, Walt Disney y otros estudios. Pero rápidamente aprendió sobre el abismo que existe entre los objetivos idealistas de los artistas y los de las compañías de producción cinematográfica comercial. Incapaz de encontrar el apoyo financiero para continuar haciendo su trabajo de animación puramente artístico, eventualmente Fischinger se vio obligado a abandonar el cine. En su lugar, centró gran parte de su atención a finales de la década de 1940 en su invención, el Lumigraph. Y luego, irónicamente, pasó los últimos 15 años de su vida como pintor.

Las pinturas que creó Fischinger son notables en su variedad. Al igual que sus animaciones anteriores, parecen contener el lenguaje visual abstracto de todos los demás artistas abstractos del siglo XX. Pero estas no son obras derivadas. Por el contrario, la mayoría de estas imágenes fueron iniciadas por Fischinger mucho antes de que artistas como Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis y Kenneth Noland llegaran a ellas por su cuenta. Y, contrariamente a las expectativas, en lugar de restar algo a sus películas, sus pinturas añaden poder a sus ideas sobre la música y las imágenes y los efectos de experimentarlas en el tiempo. Cada pintura es un momento capturado—un fragmento aislado de una experiencia más grande. Verlas en sus películas nos lleva a un viaje. Verlas en sus pinturas nos permite apreciarlas como conocedores.

Oskar Fischinger - fotograma de Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

El peor homenaje de la historia

Oskar Fischinger fue, sin duda, un pionero, por lo que no es sorprendente que la gente a menudo quiera rendir homenaje a él y a sus logros. Pero el pasado junio, en lo que habría sido su 117 cumpleaños, Google "rindió homenaje" a Fischinger con un Doodle de Google, una de esas distracciones interactivas que Google ofrece a los usuarios en su página de búsqueda. El doodle dio a los visitantes la oportunidad de alterar una composición musical-visual al hacer clic en la pantalla. Aunque era divertido, fue un homenaje absurdo a Fischinger. Fischinger dijo una vez en referencia a sus experiencias en Hollywood: “Ningún artista creativo sensato podría crear una obra de arte sensata si un equipo de colaboradores de todo tipo tiene algo que decir en la creación final... Cambian las ideas, matan las ideas antes de que nazcan, impiden que las ideas nazcan y sustituyen los motivos creativos absolutos solo por ideas baratas que se ajustan al denominador común más bajo."

Cómo Google pensó que un programador muy bien pagado que trabaja para una fábrica comercial podría rendir homenaje a este artista ofreciendo literalmente a todos con una conexión a Internet un “papel en la creación final” es desconocido. En algún lugar, algo se está perdiendo en la traducción. Pero, ¿alguna vez alcanzará el resto de la humanidad a Oskar Fischinger? Quizás. No es difícil entender lo que Fischinger pretendía que hiciéramos con su obra. Pretendía que la usáramos para el sustento espiritual y emocional. Tal vez las mejores maneras de rendir homenaje a su legado no sean creando juegos tontos de salón, o reduciendo sus logros a afirmaciones como, “¿Wow, hizo todo eso sin una computadora?!” En cambio, tal vez deberíamos darle su lugar como artista, filósofo y poeta e intentar entender el propósito más profundo de su obra, que nos llama a reconectar con los misterios ocultos que unen nuestros variados, y aún bastante mal entendidos, poderes sensoriales.

Google celebra el 117º cumpleaños de Oskar Fischinger, © Google

Imagen destacada: Oskar Fischinger - fotograma de Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.

Por Phillip Barcio