Tres Maestros del Color Verde en el Arte Contemporáneo
Hemos estado investigando el significado del color verde, y los resultados, francamente, son bastante confusos. Muchas de las asociaciones más comunes que la gente tiene con el verde se contradicen directamente. Por ejemplo, hay quienes juran que el verde es el color de la salud y la naturaleza, pero muchos otros asocian firmemente el verde con la enfermedad y la toxicidad. En el folclore irlandés, el verde supuestamente es el color de la buena suerte, pero en el folclore chino es el color de la mala suerte. Un sitio web dice que el verde significa vida y vitalidad, mientras que otro dice que simboliza la muerte y la pereza; uno dice que significa esperanza y optimismo, otro dice que significa celos y cobardía; uno dice que significa riqueza y éxito, otro dice que significa envidia e ineptitud. Y podríamos seguir. Pero el punto es que no hay consenso sobre lo que significa el color verde. Quizás, como tantas otras cosas en esta vida, el color verde requiere contexto para adquirir significado. Así que, una vez más, nos gustaría mirar hacia un libro llamado Chromaphilia: The Color of Art, escrito por la excuradora del LACMA Stella Paul y publicado a principios de este año por Phaidon Press. Examina las diferentes formas en que varios artistas han usado el color en su obra. En su examen del color verde, el libro destaca a tres artistas: Bruce Nauman, Brice Marden y Olafur Eliasson. Cada uno depende mucho del color para lograr un efecto, y cada uno también crea obras que inspiran diferentes significados en los espectadores según el contexto.
Es Fácil Ver el Verde
El estudio de la luz se llama óptica, y la óptica tiene todo que ver con el color. Nuestros ojos perciben diferentes colores basándose en variaciones de longitud de onda que ocurren en lo que se llama el espectro de luz visible. Los humanos solo pueden percibir un pequeño segmento del espectro electromagnético. Medido en nanómetros (abreviado nm), solo podemos ver la luz que se manifiesta en el rango de aproximadamente 400 a 700 nm. El azul tiene una longitud de onda entre 450 y 495 nm. El rojo tiene una longitud de onda entre 620 y 740, pero gran parte de eso está fuera del espectro visible para los humanos. De todos los colores visibles, el verde tiene el rango de longitud de onda más amplio en el espectro visible para los humanos: entre 487 y 570 nm. Y el verde también es el color que el ojo humano puede percibir con mayor facilidad. Cuando estamos adaptados a la oscuridad, nuestros ojos son más sensibles a la luz a 507 nm, y cuando estamos adaptados a la luz, son más sensibles a la luz a 555 nm, ambos firmemente en la zona verde.
Pero la óptica no es universalmente traducible para todas las personas. Aunque la ciencia no cambia, nuestra experiencia de la ciencia depende mucho de la percepción individual. Vemos el color gracias a células en nuestros ojos llamadas conos. Pero aproximadamente el ocho por ciento de los humanos nace con una deficiencia en sus células cono, lo que les causa algún nivel de daltonismo. Alguien con debilidad para el verde, la forma más común de daltonismo, tiene dificultad para percibir el color verde. La debilidad para el verde es tan común que muchos países añaden señales visuales como líneas tachadas en los semáforos verdes para ayudar a los conductores daltónicos a interpretar las señales. Aunque el verde es, científicamente, el color más abundante que podemos ver y el color más fácil de percibir porque está perfectamente dentro de nuestro rango de sensibilidad tanto en la oscuridad como en la luz, también es el color más disputado, uno que cada uno de nosotros ve un poco diferente según la predisposición genética de nuestras células cono. Por lo tanto, es natural que cada uno de nosotros tenga ideas diferentes sobre el significado del verde, ya que lo percibimos y, por ende, lo asociamos con experiencias de manera idiosincrática.
Olafur Eliasson - Green river 1998, Stocholm, 2000, © Olafur Eliasson
Olafur Eliasson y el Proyecto Green River
Una sustancia llamada fluoresceína se ha usado para volver el agua fluorescente verde durante más de un siglo. También conocida como colorante alimentario Amarillo No. 7, la fluoresceína fue utilizada por soldados de la Segunda Guerra Mundial cuando necesitaban rescate en el mar, y por naves espaciales después de amerizar para que pudieran ser localizadas y recuperadas. Los residentes de Chicago también pueden conocer la fluoresceína como la sustancia originalmente usada para volver verde el río Chicago en el Día de San Patricio. Y hace casi dos décadas, el artista danés-islandés Olafur Eliasson usó una variación salina de sodio de la fluoresceína, llamada uranina, también conocida como Amarillo No. 8, para crear los efectos vibrantes que usó en la ejecución de una obra pública que llamó el Proyecto Green River.
La primera edición del Proyecto Green River tuvo lugar en Bremen, Alemania, en 1998. Sin anunciar sus intenciones a nadie en la ciudad, Eliasson y un asistente pilotaron una canoa por el río Weser, liberando a lo largo del camino una gran cantidad de uranina en el agua. Pronto apareció una enorme franja fluorescente verde, para sorpresa de cualquiera que pasara por el río. Eliasson permitió que el espectáculo público se desarrollara por un tiempo mientras su intervención estética sacudía la esfera social de la ciudad. La primera reacción, por supuesto, fue miedo y horror, ya que la gente asumió que era alguna toxina. Solo después el artista reveló lo que había hecho, calmando las preocupaciones públicas. Eliasson repitió el proyecto en Noruega, Islandia, Suecia, Japón y Estados Unidos. El tinte verde causó reacciones variadas en cada ciudad, pero debido al contexto, casi todas las reacciones fueron universalmente negativas. Eliasson llama a este tipo de obra un “productor de fenómenos” y cree que proyectos así son importantes para sacar a las personas de sus interacciones normales con su entorno, así como para llevar el arte a personas que normalmente no lo encontrarían.
Olafur Eliasson - Green river 1998, The Northern Fjallabak Route, Iceland, 1998, © Olafur Eliasson
Brice Marden y el Monocromo
Brice Marden es uno de muchos artistas que han experimentado con la idea de la pintura monocroma. Crea sus monocromos añadiendo capas sucesivas de pintura en diferentes colores, permitiendo que los colores subyacentes contribuyan al tono final. La fisicalidad de sus monocromos los convierte en objetos para contemplar: su presencia es imponente mientras su color rico, suntuoso y profundo atrae la mirada. Pero el acto de encontrarse con una pintura monocroma verde de Marden no es en absoluto como ver de repente una franja verde fluorescente fluyendo por un río público. Si estás frente a un monocromo verde de Marden, probablemente estés en un museo, en una feria de arte o en una galería de arte de alta gama. Es un lugar seguro y, por lo tanto, una oportunidad para cuestionar qué significa el verde para ti personalmente, aparte de cualquier interferencia contextual externa.
Sobre sus pinturas monocromáticas, Marden dijo una vez: “Me gusta pensar que mi pintura va más allá de ser simplemente lo que es.” El color ciertamente juega un papel fundamental para que sus monocromos sean más que la suma de sus partes. El ejemplo de un monocromo de Brice Marden usado por Stella Paul en Chromaphilia es de 1976, y es una pintura llamada Grove IV. Marden pintó la obra como una reflexión sobre la naturaleza, haciendo referencia específicamente a la isla griega de Hydra, donde pasó tiempo. “La naturaleza es correcta,” dijo Marden una vez. Pero, ¿de qué manera se inspiró esta pintura en la naturaleza? ¿Es una imagen figurativa de hierba verde? ¿O se refiere a alguna asociación abstracta que podríamos hacer entre la naturaleza y el color verde? La pintura monocroma verde ofrece oportunidades para responder esa pregunta por ti mismo.
Brice Marden - Grove IV, 1976, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, © 2017 Brice Marden/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Bruce Nauman Da Luz Verde
El artista nacido en Indiana Bruce Nauman se involucra en sus empresas artísticas en parte para investigar la psicología y el comportamiento de las personas. A menudo usa texto en su obra, desafiando a los espectadores a discernir entre el significado de las palabras y el contexto de su interacción con el arte. Pero quizás se le asocia más comúnmente con el uso de luz coloreada. En 1970, Nauman construyó un par de paredes altas y las colocó lado a lado, creando un pasillo estrecho, de solo 30 centímetros de ancho. Luego colgó bombillas fluorescentes verdes sobre él para que el pasillo brillara en verde intenso. Se animaba a los espectadores a caminar por el pasillo. Suponiendo que cabían en el espacio, sus ojos se ajustarían al torrente de luz verde y luego, al salir del pasillo, sus ojos se reajustarían, causando que vieran una ilusión óptica del color rosa, el extremo opuesto del espectro de color.
Es difícil decir si Nauman quiso implicar algo específico sobre el color verde con esta obra. Podría haber usado cualquier otro color y lograr efectos similares. Puede que no haya habido ningún significado en su elección de este color. Pero el hecho de que eligiera el verde ha hecho que muchos espectadores de arte creen nuevas asociaciones contextuales con el color. Esta experiencia intensa, claustrofóbica y de otro mundo ha sido descrita como aterradora, psicodélica e incluso sagrada. Nuevamente plantea la pregunta: ¿tienen los colores algún significado intrínseco? ¿Depende su significado del contexto? La obra de estos tres artistas nos lleva a creer que la mayoría de nuestras asociaciones con el color se desarrollan solo a partir de nuestras experiencias personales.
Bruce Nauman - Green Light Corridor,
Copenhagen Contemporary, Copenhague
Imagen destacada: Bruce Nauman -
