Brice Marden y el Tratamiento Caligráfico de la Línea
Además de los pinceles tradicionales, esparcidos sobre una mesa en el estudio de Nueva York de Brice Marden hay docenas de palos. Simplemente palos comunes de las ramas de los árboles, excepto que cada palo está coloreado en una punta, resultado de haber sido sumergido en tinta. Marden dibuja con ellos, creando símbolos gestuales en columnas y filas sobre papel, en composiciones evocadoras de poesía escrita en un pergamino. Dibujados intuitivamente desde la imaginación de Marden, los símbolos están parcialmente inspirados en la caligrafía china. También están influenciados por objetos llamados gongshí, conocidos como piedras de eruditos chinas. Las rocas gongshí se encuentran en, o más bien se eligen de la naturaleza. Son valoradas por sus propiedades físicas abstractas y son usadas por eruditos con fines contemplativos. Se puede aprender mucho estudiando sus formas, sus arrugas, sus perforaciones, su equilibrio asimétrico, el brillo de sus superficies, sus cualidades texturales, sus colores y su semejanza con cosas naturales. Como en las pinturas que hace Marden, las potencialidades dentro del gongshí esperan ser descubiertas, ocultas a simple vista dentro de las capas y las líneas.
La Imagen del Plano
Brice Marden alcanzó la fama como pintor en la década de 1960. Obtuvo su MFA en la Universidad de Yale en 1963 y se mudó a la ciudad de Nueva York ese mismo año. Rápidamente le ofrecieron un trabajo como guardia de seguridad en el Museo Judío. Allí pudo estudiar la obra de sus contemporáneos más destacados. En ese período, muchos de sus colegas artistas sentían un malestar general hacia la pintura. Algunos ridiculizaban el lienzo rectilíneo de toda la vida y experimentaban con lienzos formados en formas inusuales. Y muchos artistas incluso declaraban abiertamente que la pintura estaba muerta.
Pero Marden no podría haber estado más en desacuerdo. Para él, la pintura aún tenía mucho por hacer. Alrededor de 1964, comenzó enfocando su atención en el plano de la pintura. Dicho de otro modo, el plano se refiere a la totalidad de la superficie de una pintura. Todo lo que un pintor añade a la pintura existe dentro del plano. Gran parte del Modernismo se centró en aplanar el plano tanto como fuera posible, eliminando la perspectiva, el empuje y tirón, o cualquier cosa que añadiera profundidad a la imagen. Para lograr la máxima expresión de ese objetivo, Marden comenzó a pintar monocromos, que consideraba la manifestación definitiva de la planitud. Llamó a su versión del monocromo la Imagen del Plano, porque, como dijo, “el plano era la imagen.”
Brice Marden - La pintura Dylan, 1966. Óleo y cera de abejas sobre lienzo. 153.35 x 306.07 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden
En Alabanza a los Rectángulos
En cuanto al desprecio que sentían los pintores en los años 60 hacia el lienzo rectilíneo, Brice Marden estaba, y sigue estando, decididamente fuera del grupo de detractores. Considera el rectángulo la forma definitiva para una pintura. En una entrevista con la Galería Nacional de Arte en 2014, dijo: “El rectángulo es una gran invención humana. En los 60 había mucho de esta cosa de pinturas con formas. Pero a mí realmente me gustaba el rectángulo. Y pensé que si podías conseguir el color exacto para esa forma, y realmente lo tenías bien, si tenías absoluta corrección de forma, Dios sabe lo que esa pintura podría hacer.”
Esa idea, que una pintura puede hacer algo, revela en Marden un respeto profundo por el arte en general y en particular por la pintura. Durante los años en que hacía sus monocromos, se desarrollaba una conversación más amplia sobre qué era y qué podía ser el arte. La idea popular era que el arte podía ser cualquier cosa, y que todo es potencialmente arte. Marden no estuvo de acuerdo. Defendió el arte como un esfuerzo humanista, insistiendo en que una obra de arte debe ser hecha por manos humanas. A lo largo de las décadas de 1960 y 70, se hizo famoso defendiendo la pintura a través de sus audaces monocromos pintados sobre rectángulos sin disculpas. Este trabajo lo hizo famoso, y para 1975 fue considerado uno de los maestros del Minimalismo, y recibió una retrospectiva individual en el Guggenheim de Nueva York.
Brice Marden - Las estaciones, 1974-75. Óleo sobre lienzo. 243.8 x 632.5 cm. The Menil Collection, Houston, TX. © Brice Marden
Occidente Encuentra Oriente
Justo cuando Marden alcanzaba la cima de su fama en los años 70, también comenzaba a buscar nuevas direcciones para su arte. A principios de los años 80, encontró la inspiración que había estado buscando, cuando una serie de encuentros con la cultura oriental lo ayudaron a inspirarse hacia una nueva relación con la imagen pintada. En particular, prestó atención a la caligrafía china, admirando tanto las líneas gestuales de los símbolos individuales como la cualidad en forma de cuadrícula de las columnas y filas de los pareados escritos.
Comenzó una serie de pinturas, basadas en la estética caligráfica, llamadas las pinturas de la Montaña Fría. Para hacerlas, pintaba una capa de símbolos caligráficos abstractos e intuitivos, luego raspaba la pintura y pintaba otra capa de símbolos, repitiendo el proceso hasta que la composición se resolvía. El nombre Montaña Fría fue inspirado por los Poemas de la Montaña Fría, una serie de cientos de poemas escritos por un monje chino ermitaño llamado Hanshan en el siglo IX. La paleta austera y el aspecto caligráfico de las pinturas hablan de la estética de los pergaminos de poemas, mientras que sus imágenes gestuales y en capas invocan el espíritu de los poemas, que abrazaban la libertad, la naturaleza y la búsqueda de la armonía.
Brice Marden - Montaña Fría 6 (Puente), 1989-1991. Óleo sobre lino. 108 × 144 in. 274.3 × 365.8 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden
Las Piedras de Erudito
Además de la caligrafía, la otra gran influencia oriental en Marden fue su encuentro con las gongshí, o piedras de eruditos chinas. Se dice que en las piedras es visible todo el mundo y toda la vida. En los últimos años, Marden ha reunido una colección de piedras de erudito en su estudio. Explora sus complejidades, sus patrones, sus capas, sus relaciones de color y las armonías complejas que observa en ellas. Esas observaciones se han manifestado en una serie llamada las pinturas de Rocas Rojas.
En las pinturas de Rocas Rojas, Marden vuelve a trabajar en capas, creando formas lineales, raspándolas, pintándolas encima y acumulando pintura gradualmente hasta que la imagen se resuelve. Las formas finales en estas pinturas parecen relacionarse más directamente con las formas naturales evidentes en las piedras. Pero aún contienen la energía gestual de sus marcas caligráficas, otorgando un sentido constante de movimiento a las composiciones.
Brice Marden - Rocas Naranjas, Suelo Rojo 3, 2000-2002. Óleo sobre lino. 75 x 107 in. © Brice Marden
Todo Está en la Pintura
Además, en sus pinturas de Rocas Rojas, Marden extiende su uso de la línea hasta los bordes más lejanos del lienzo, usando la línea como una forma de delinear el borde del marco, realzando la sensación de los límites rectangulares de la obra. Hablando sobre estas obras recientemente, señaló que su elección de usar la línea de esta manera estaba relacionada con preguntas sobre la naturaleza de las pinturas y cómo estaban siendo interpretadas. Dijo: “Esta imagen no es un detalle. Esta imagen es ella misma. Nada sucede fuera de ella. De eso se trata todo este asunto del encuadre.”
Esa afirmación, que nada sucede fuera de la pintura, y que todo lo esencial está contenido dentro de ella, es vital para los temas generales de las tradiciones orientales que han inspirado las obras lineales caligráficas que hace Marden. Es una alternativa a la percepción cultural de que los humanos de alguna manera existen fuera de la naturaleza y pueden operar independientemente de ella. La realidad es que los humanos son parte de la naturaleza, no separados de ella observándola desde afuera. Todo está en la naturaleza, incluidos nosotros. Nada sucede fuera de ella.
Brice Marden - Regreso I, 1964-65. Óleo sobre lienzo. 50 1/4 x 68 1/4" (127.6 x 173.4 cm). Colección MoMA. Donación parcial y prometida de Kathy y Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Líneas Difusas
Al revisar las últimas seis décadas de trabajo de Brice Marden, hay constantes que atraviesan toda su obra. Su paleta es consistentemente apagada, y ha abrazado consistentemente los rectángulos, ya sea directamente en sus obras monocromas con paneles rectangulares o indirectamente en sus composiciones lineales caligráficas. Pero también ha habido cambios profundos, ya que ha pasado de buscar la planitud total con la Imagen del Plano a abrazar un sentido en capas de profundidad en su trabajo lineal.
Para Marden, esos cambios representan un elemento de la pintura que aprecia. Cada pintura que ve de cada etapa de su carrera es un recordatorio de quién era en ese momento. Poder volver y encontrarse con esas obras le ofrece la sensación de estar arraigado en algo inmutable, a pesar del cambio constante. Como expresó una vez, “Una de las cosas sobre una pintura es que permanece así. Y puedes volver a ella. Y cada vez que vuelves a ella eres diferente, pero es la misma. Es algo estable.”
Imagen destacada: Brice Marden - Segunda Carta, Primavera Zen (detalle), 2006 – 2009. Óleo sobre lino. © Brice Marden
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
