Brice Marden y el Tratamiento Caligráfico de la Línea

Además de los pinceles de pintura tradicionales, sobre una mesa en el estudio de Nueva York de Brice Marden hay docenas de palos. Solo son palos ordinarios de las ramas de los árboles, excepto que cada palo está coloreado en un extremo, resultado de haber sido sumergido en tinta. Marden dibuja con ellos, creando símbolos gestuales en columnas y filas sobre papel, en composiciones evocadoras de poesía escrita en un pergamino. Dibujados intuitivamente desde la imaginación de Marden, los símbolos están parcialmente inspirados en la caligrafía china. También están influenciados por objetos llamados gongshí, también conocidos como piedras de erudito chinas. Las rocas gongshí se encuentran en, o más bien se eligen de la naturaleza. Son valoradas por sus propiedades físicas abstractas y son utilizadas por eruditos con fines contemplativos. Se puede aprender mucho al estudiar sus formas, sus arrugas, sus perforaciones, su equilibrio asimétrico, el brillo de sus superficies, sus cualidades texturales, sus colores y su semejanza con cosas naturales. Al igual que en las pinturas que hace Marden, las potencialidades dentro del gongshí esperan ser descubiertas, ocultas a simple vista dentro de las capas y las líneas.

La imagen del avión

Brice Marden ganó prominencia como pintor en la década de 1960. Recibió su MFA de la Universidad de Yale en 1963 y se mudó a la ciudad de Nueva York ese mismo año. Rápidamente le ofrecieron un trabajo como guardia de seguridad en el Museo Judío. Allí pudo estudiar el trabajo de sus contemporáneos más destacados. Alrededor de ese período, muchos de sus compañeros artistas sentían un malestar general hacia la pintura. Algunos se burlaban del antiguo lienzo rectilíneo y experimentaban con lienzos formados en formas inusuales. Y muchos artistas incluso proclamaban abiertamente que la pintura estaba muerta.

Pero Marden no podría haber estado más en desacuerdo. En su opinión, todavía había mucho que hacer en la pintura. Alrededor de 1964, comenzó a centrar su atención en el plano de la pintura. Expresado de otra manera, el plano se refiere a la totalidad de la superficie de una pintura. Cualquier cosa que un pintor añada a la pintura existe dentro del plano. Gran parte del Modernismo se centró en aplanar el plano tanto como fuera posible, eliminando la perspectiva, el empuje y el tirón, o cualquier cosa que añadiera profundidad a la imagen. Para lograr el epítome de ese objetivo, Marden comenzó a pintar monocromos, que él consideraba la manifestación definitiva de la planitud. Llamó a su versión del monocromo la Imagen del Plano, porque, como él dijo, “el plano era la imagen”.

Brice Marden - La pintura de Dylan, 1966. Óleo y cera de abejas sobre lienzo. 153.35 x 306.07 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

En Alabanza de los Rectángulos

En cuanto al desprecio que los pintores de la década de 1960 sentían por el lienzo rectilíneo, Brice Marden no estaba, y sigue sin estar, en el grupo de los que odian. Considera que el rectángulo es la forma definitiva para una pintura. En una entrevista con la Galería Nacional de Arte en 2014, dijo: “El rectángulo es una gran invención humana. En los años 60 había mucho de esto de las pinturas con formas. Pero realmente me gustaba el rectángulo. Y pensé que si podías conseguir el color exacto para esa forma, y realmente lo tenías bien, si tenías una corrección absoluta de la forma, Dios sabe lo que esa pintura era capaz de hacer.”

Esa idea, que una pintura puede hacer algo, revela en Marden un profundo respeto por el arte en general, y en particular por la pintura. Durante los años en que estaba creando sus monocromos, se estaba llevando a cabo una conversación más amplia sobre qué era y qué podría ser el arte. La idea popular era que el arte podía ser cualquier cosa, y que todo es potencialmente arte. Marden no estaba de acuerdo. Defendió el arte como un esfuerzo humanista, insistiendo en que una obra de arte debe ser hecha por manos humanas. A lo largo de las décadas de 1960 y 1970, hizo su reputación defendiendo la pintura a través de sus audaces monocromos pintados en rectángulos sin disculpas. Este trabajo lo hizo famoso, y para 1975 fue considerado uno de los maestros del Minimalismo, y recibió una retrospectiva individual en el Guggenheim de Nueva York.

Brice Marden - Las estaciones, 1974-75. Óleo sobre lienzo. 243.8 x 632.5 cm. La Colección Menil, Houston, TX. © Brice Marden

El Oeste se encuentra con el Este

Justo cuando Marden estaba alcanzando la cima de su fama en la década de 1970, también comenzaba a buscar nuevas direcciones para llevar su arte. A principios de la década de 1980, encontró la inspiración que había estado buscando, cuando una serie de encuentros con la cultura oriental lo ayudaron a inspirarse hacia una nueva relación con la imagen pintada. En particular, prestó atención a la caligrafía china, admirando tanto las líneas gestuales de los símbolos individuales como la calidad en forma de cuadrícula de las columnas y filas de los pareados escritos.

Comenzó una serie de pinturas, basadas en la estética caligráfica, llamadas las pinturas de Cold Mountain. Para hacerlas, pintó una capa de símbolos caligráficos abstractos e intuitivos, luego raspó la pintura y pintó otra capa de símbolos, repitiendo el proceso hasta que la composición se resolviera. El nombre Cold Mountain fue inspirado por los Poemas de Cold Mountain, una serie de cientos de poemas escritos por un monje chino ermitaño llamado Hanshan en el siglo IX. La paleta austera y el aspecto caligráfico de las pinturas hablan de la estética de los rollos de poemas, mientras que sus imágenes gestuales y en capas invocan el espíritu de los poemas, que abrazaban la libertad, la naturaleza y la búsqueda de la armonía.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Puente), 1989-1991. Óleo sobre lienzo. 108 × 144 in. 274.3 × 365.8 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

El erudito es genial

Además de la caligrafía, la otra gran influencia oriental en Marden fue su encuentro con gongshí, o piedras de erudito chinas. Se dice que en las piedras, el mundo entero y toda la vida son visibles. En los últimos años, Marden ha acumulado una colección de rocas de erudito en su estudio. Explora sus complejidades, sus patrones, sus capas, sus relaciones de color y las complejas armonías que observa en ellas. Esas observaciones se han manifestado en una serie llamada las pinturas de Rocas Rojas.

En las pinturas de Red Rocks, Marden nuevamente trabaja en capas, creando formas lineales, raspándolas, pintándolas de nuevo y construyendo gradualmente la pintura hasta que la imagen se resuelve. Las formas finales en estas pinturas parecen relacionarse más directamente con las formas naturales evidentes en las piedras. Pero aún contienen la energía gestual de sus marcas caligráficas, otorgando un sentido constante de movimiento a las composiciones.

Brice Marden - Rocas Naranjas, Suelo Rojo 3, 2000-2002. Óleo sobre lienzo. 75 x 107 in. © Brice Marden

Todo está en la pintura

Además, en sus pinturas de Red Rock, Marden extiende su uso de la línea hasta los bordes más lejanos del lienzo, utilizando la línea como una forma de delinear el borde del marco, realzando la sensación de los límites rectangulares de la pieza. Hablando sobre estas obras recientemente, señaló que su elección de usar la línea de esta manera estaba relacionada con preguntas sobre la naturaleza de las pinturas y cómo estaban siendo interpretadas. Dijo: “Esta imagen no es un detalle. Esta imagen es en sí misma. No sucede nada fuera de ella. De eso se trata todo este asunto del marco.”

Esa afirmación, que nada sucede fuera de la pintura, y que todo lo esencial está contenido dentro de ella, es vital para los temas generales de las tradiciones orientales que han inspirado las obras lineales caligráficas que Marden crea. Es una alternativa a la percepción cultural de que los humanos de alguna manera existen fuera de la naturaleza y pueden operar independientemente de ella. La realidad es que los humanos son parte de la naturaleza, no están separados de ella observándola desde afuera. Todo está en la naturaleza, incluidos nosotros. No sucede nada fuera de ella.

Brice Marden - Return I, 1964-65. Óleo sobre lienzo. 50 1/4 x 68 1/4" (127.6 x 173.4 cm). Colección del MoMA. Donación fraccionada y prometida de Kathy y Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Líneas borrosas

Al revisar las últimas seis décadas de trabajo de Brice Marden, hay consistencias que se mantienen a lo largo de toda su obra. Su paleta es consistentemente apagada, y ha abrazado consistentemente los rectángulos, ya sea directamente en sus obras monocromas de paneles rectangulares o indirectamente en sus composiciones lineales caligráficas. Pero también ha habido cambios profundos, ya que ha pasado de buscar una total planitud con la Imagen Plana a abrazar un sentido de profundidad en capas en su trabajo lineal.

Para Marden, esos cambios representan un elemento de la pintura que él aprecia. Cada pintura que observa de cada etapa de su carrera es un recordatorio de quién era en ese momento. Poder regresar y encontrar esas obras le ofrece una sensación de que está arraigado en algo inmutable, a pesar del cambio constante. Como él mismo lo expresó una vez: “Una de las cosas sobre una pintura es que se queda así. Y puedes volver a ella. Y cada vez que vuelves a ella, eres diferente, pero sigue siendo la misma. Es una cosa estable.”

Imagen destacada: Brice Marden - Segunda letra, Primavera Zen (detalle), 2006 – 2009. Óleo sobre lino. © Brice Marden
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio