Uusi kirja juhlii Alice Trumbull Masonia, amerikkalaisen abstraktion pioneeria
Alice Trumbull Mason oli harvinainen taiteen alalla: periksiantamaton harjoittaja, jota ohjasi yksinomaan halu oppia. Mason kuoli vuonna 1971, 67-vuotiaana, jättäen jälkeensä satoja maalauksia ja vedoksia, jotka sijoittavat hänet aikakautensa ennakoivimpien ja lahjakkaimpien taiteilijoiden joukkoon. Hän oli immuuni trendeille ja väsymättömän omistautunut kokeilulle, ja loi teossarjan, joka ylittää ajan. Merkittävä monografia, joka dokumentoi yli 150 hänen maalaustaan ja sisältää oivaltavia esseitä Masonista nykytaiteen kirjoittajilta, kuten Elisa Wouk Alminolta Hyperallergicistä, on tulossa Rizzoli Electan kustantamana New Yorkissa (sen voi nyt ennakkotilata). Se on tähän mennessä kattavin arvio hänen urastaan, ja sitä arvostetaan kauniiden, koko sivun kokoisten jäljennösten vuoksi monista hänen teoksistaan. Kuitenkin kirjan saama vastaanotto on jo nyt hieman outo. Outoilun ilmentymä on New York Timesin Roberta Smithin äskettäin kirjoittaman arvion otsikko, joka kutsuu Masonia ”Unohdetuksi modernistiksi.” Väite, että Masonia ei arvostettu hänen aikanaan tai että häntä on jätetty huomiotta kuolemansa jälkeen, on enemmän liioittelua, joka ruokkii taidemarkkinoiden halua löytää teoksia ja taiteilijoita, joita on kuviteltu ”ohitetuiksi.” Hylkään tämän teorian tässä tapauksessa, koska tunnen liian monta todellista taiteilijaa, jotka toimivat oikeassa taidekentässä. Useimmat taiteilijat haluaisivat uran, jonka Alice Trumbull Mason saavutti. Yli neljän vuosikymmenen aikana hänellä oli kuusi yksityisnäyttelyä New Yorkissa, hän oli yksi American Abstract Artists -ryhmän perustajista, ystävystyi ja oppi aikansa arvostetuimmilta taiteilijoilta, ja myi teoksia joillekin taidemaailman vaikutusvaltaisimmista henkilöistä, kuten Hilla Rebaylle ja Peggy Guggenheimille. Todellisuudessa, jossa ylivoimainen enemmistö taiteilijoista ei koskaan saa yksityisnäyttelyä New Yorkissa eikä myy yhtään maalausta, Mason oli valtava menestys. Sen sijaan, että antaisimme taidemarkkinoiden vääristää hänen perintöään sopimaan korruptoituneeseen kertomukseensa, meidän tulisi kunnioittaa sitä, mitä Mason todella teki.
Henkilökohtainen taidehistoria
Yksi todiste siitä, millainen taiteilija Alice Trumbull Mason oli, löytyy Smithsonianin amerikkalaisen taiteen arkistosta, johon hänen henkilökohtaiset paperinsa lahjoitettiin. Kokoelmaan kuuluu muistikirja, jonka kannessa Mason käsin kirjoitti ”Taiteen historia.” Sen sivuilla (jotka ovat saatavilla selattavaksi verkossa) on henkilökohtaisia pohdintoja parinkymmenen klassisen mestarin elämästä ja taideteoksista. Mason ei lukenut ja toistanut taidehistoriaa, vaan matkusti Eurooppaan ja kävi henkilökohtaisesti katsomassa vaikutusvaltaisia teoksia, ottaen aikaa myös oppiakseen teosten tekijöistä. Hänen henkilökohtainen taidehistoriansa kirja sisältää sekä muovisia havaintoja että oivalluksia taiteilijoiden sisäisistä elämistä. Molemmat ovat yhtä paljastavia. Esimerkiksi hän huomauttaa, että Michelangelo ei halunnut maalata Sikstuksen kappelia ja että hän vihasi monia muita suojelijoitaan. Se, että hänestä tuli yksi kuuluisimmista taiteilijoista, oli Masonille merkityksetöntä — häntä kiinnosti enemmän se, että hän oli onneton, koska hänellä ei ollut vapautta maalata mitä halusi.
Alice Trumbull Mason - #1 Kohti paradoksia, 1969. Öljy kankaalle. 48,3 x 55,9 cm. Washburn Gallery, New York.
Taiteen muovautuvuuden aiheesta Mason mainitsee renessanssin kuvanveistäjän Donatellon sanonnan: ”Menetät aineen varjon vuoksi.” Donatello puhui rohkeiden valon ja varjon muutosten, eli chiaroscuron, vaikutuksista. Vaikka hahmon yksityiskohdat voivat kadota, kun valo osuu veistetyn kankaan poimuihin tai lihasten harjanteisiin, varjo luo dramaattisuutta ja realismia syvyyden aistimuksen kautta. Mason luki hänen sanoistaan vielä syvällisempää. Hän näki tässä lainauksessa viittauksen abstraktion mahdollisuuteen. Varjosta tuli metafora tuntemattomalle. Aivan kuten tuntematon sai veistoksen näyttämään Donatellolle todelliselta, tuntematon edusti Masonille kaikkein todellisinta. Hän piti abstraktia taidetta kaikkein edustavimpana taiteen lajina — se oli tuntematon, ei tunnettu, jota hän pyrki ilmaisemaan.
Alice Trumbull Mason - Nimetön, n. 1939. Öljy kankaalle. 76,2 x 101,6 cm. Washburn Gallery, New York.
Täydellinen edelläkävijä
biomorfismin välillä, jota edustivat taiteilijat kuten Wassily Kandinsky, Joan Miró ja yksi hänen henkilökohtaisista mentoreistaan, Arshile Gorky, ja geometrisen, muovisen puhtauden välillä, jota edustivat taiteilijat kuten Piet Mondrian. Hän vaihteli näiden kahden kannan välillä koko elämänsä ajan. Vuonna 1945, kun Hilla Rebay järjesti Kandinskyn muistokonsertin, jossa oli esillä 227 maalausta, Mason kirjoitti henkilökohtaisen kirjeen Rebaylle kiittäen tätä mahdollisuudesta ”tutkia niin perusteellisesti” niin paljon hänen teoksiaan henkilökohtaisesti. Kuitenkin jo vuotta myöhemmin Mason lisäsi teoksiinsa suorakulmioita ja sitä, mitä hän kutsui ”arkkitehtoniseksi” rakenteeksi, Mondrianin Neo-Plastisen hengen mukaisesti.
Alice Trumbull Mason - Piirros teokseen "Värirakenteinen abstraktio", 1947. Öljy masoniittilevylle. 67,3 x 58,4 cm. Washburn Gallery, New York.
Lopulta Mason piti kiinni kahdesta ohjaavasta periaatteesta työssään, jotka varjostivat kaikkia pinnallisia sisältöön liittyviä huolia. Ensimmäinen oli hänen uskomuksensa — olipa kyse maalauksista tai vedoksista, biomorfisista tai geometrisista sommitelmista — henkilökohtaisen vapauden tärkeydestä taiteen tekemisessä ja sen luomisessa. Toinen oli hänen tietoisuutensa siitä, että itse väline on abstraktin taiteen tärkein ja ilmaisevin elementti. Kuten kaikilla suurilla taiteilijoilla, hänen työnsä taika ei ole näyttelyluettelossa, huutokauppahinnoissa tai siinä, kuinka moni nykyajan keräilijä nyt tuntee hänen nimensä — se on maalin ekfraattinen muovautuvuus.
Kuvassa: Alice Trumbull Mason - Sauva, kehrä ja sauva, 1952. Öljy kankaalle. 87,3 x 106,7 cm. Washburn Gallery, New York.
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Phillip Barcio
