Abstraktio on fyysisessä - Jules Olitski

Ukrainalais-amerikkalaisen taiteilijan Jules Olitskinin (1922–2007) ura muistuttaa meitä siitä, että taide ei ole kiinteä ihmisen toiminta, joka pitäisi tehdä samalla tavalla jokaisen tekijän, kuten vaikkapa matkustajakoneen lentämisen, tavoin. Taiteilijat ovat – tai heidän pitäisi olla – täysin vapaita uudistamaan alaa niin usein kuin haluavat. Olitskia ohjasi vain yksi tekijä: hänen vaistonsa. Hän sai näkemyksen kuvasta, tai tunteen, jonka halusi vangita, tai materiaalisen läsnäolon, jonka halusi tuoda esiin, ja ryhtyi toteuttamaan sitä. Sillä ei ollut merkitystä, sopiiko hänen näkemyksensä trendeihin tai makuihin. Useimmat ihmiset kutsuvat hänen teoksiaan abstrakteiksi, mutta hän itse ei tehnyt tätä erottelua, ehkä siksi, että hänen erityinen näkemyksensä maalauksesta oli hänelle oma lajinsa aihetta. Jos unelmoi maalaavansa ilmassa leijuvan värisuihkun ja maalaa teoksen, joka toteuttaa tämän unelman, kyseinen maalaus on juuri sitä, mitä se kuvaa: maalaus ilmassa leijuvasta värisuihkusta. Kuinka konkreettiseksi voi tulla? Neuvoista muille taiteilijoille Olitski on sanonut: ”Älä odota mitään. Tee työsi. Juhli!” Hän saattoi antaa saman neuvon myös katsojilleen: ”Älä odota mitään. Katso teoksia. Juhli!” Taiteen arvostaminen on kuitenkin eri nautinto kuin taidekritiikki. Kriitikoilla, historioitsijoilla ja taidekauppiailla on pitkään ollut vaikeuksia sijoittaa Olitskia tarkasti lineaariseen satuun, jota kutsutaan taidehistoriaksi, ehkä siksi, että Olitski ei koskaan vaivautunut kysymään itseään, mihin hän kuuluu. Hän vaihtoi tyylejä, tekniikoita ja menetelmiä niin usein, että häntä on vaikea historiallisesti määritellä, ja hän on myös vaikea kaupallistaa, koska monet keräilijät haluavat pystyä puhumaan keräämistään taiteilijoista kätevillä tunnisteilla: ”Tämä on ruudukon maalaaja. Tämä on se nainen, joka teki hämähäkit. Tämä on se mies, joka teki laatikot. jne.” Sellaista ei voi tehdä Olitskin kanssa. Hän teki liian monia asioita tullakseen tunnetuksi vain yhdestä. Meillä on siis vain yksi vaihtoehto – paras vaihtoehto: ”Älä odota mitään. Katso maalauksia. Juhli.”

Maalausta reunalla

Snovskissa, nykyisessä Ukrainassa syntynyt Olitski muutti äitinsä kanssa Yhdysvaltoihin yksivuotiaana, sen jälkeen kun hänen isänsä murhattiin paikallisen neuvostokomissaarin toimesta. He asettuivat asumaan Brooklynin kaupunginosaan New Yorkissa, ja jo lukiossa Olitski osoitti edistynyttä taipumusta taiteeseen. Hän voitti palkinnon opiskellakseen taidetta Manhattanilla ja sai lopulta apurahan Pratt-instituuttiin. Toisen maailmansodan kutsuntojen jälkeen Olitski käytti G.I. Bill -etuutensa jatkaakseen taideopintojaan Pariisissa. Siellä hän tutustui läheltä modernismin mestareihin ja kohtasi omat demoninsa. Erityisesti hän tajusi, että hänen oma koulutuksensa hallitsi häntä. Harjoitus, jossa hän maalasi silmät sidottuina, kuvastaa hänen haluaan voittaa omien ajatustensa hallinta. Sama omistautuminen luovalle vapaudelle ohjasi häntä koko loppuelämän ajan.

Jules Olitski - With Love and Disregard: Rapture Blessing, 2002. Akryyli kankaalle. 152,4 x 213,4 cm. Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Hänen ensimmäiset maalausnäyttelynsä 1950-luvulla olivat täynnä synkkiä, paksusti maalattuja abstraktioita, kuten ”In Memory of Slain Demikovski” (1958), teos, joka on nimetty hänen isänsä mukaan. Vuoteen 1960 mennessä Olitski kuitenkin omaksui täysin toisenlaisen lähestymistavan, käyttäen uusia akryylivärejä luodakseen tasaisia, voimakkaasti värillisiä sommitelmia, joissa biomorfiset, amebamaiset muodot näyttävät pulpahtavan esiin kuvallisissa petrimaljoissa. Viisi vuotta myöhemmin hän vaihtoi suuntaa jälleen, tällä kertaa käyttäen teollista suihkupistoolia yrittäen toteuttaa unelmansa maalata ”värisuihku, joka leijuu kuin pilvi, mutta ei menetä muotoaan.” Hänen suihkupistoolimaalauksensa todella omaavat monia samoja eteerisiä ominaisuuksia kuin kaasumaiset pilvet kaukaisessa sumussa, jota valaisevat räjähtävien tähtien purkaukset. Tämä teossarja sai Olitskin todella pohtimaan sitä, mitä hän kutsui kuvan ”reunaksi”. ”Maalaus tehdään sisältä ulospäin”, hän sanoi. Hänen käsityksensä mukaan teoksen ulkoreuna ei kuitenkaan ollut kankaan reuna, vaan värin reuna. Olitski havaitsi, että väri ulottuu maalin rajoja pidemmälle, kulkeutuen valon ja mielen havaintojen mukana maalauksen pinnan ja meidän silmiemme väliseen rajatilaan.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Oranssi), 1970. Silkkipaino. 89 x 66 cm (teos); 91 x 69 cm (kehystetty). © Jules Olitski

Rakenne ja virtaus

1970-luvun puolivälissä Olitski muutti menetelmiään jälleen, yhdistäen aiemman hillityn, paksun maalaustekniikkansa suihkupistoolin käyttöön, luoden maalauksia kuten ”Secret Fire – 2” (1977), jotka heijastavat selkeää materiaalista läsnäoloa, vaikka väripaletti onkin eteerinen. Hän jatkoi tämän menetelmien yhdistelmän kehittämistä, luoden 1980-luvulla rohkeita, metallinhohtoisia abstraktioita, kuten ”Eternity Domain” (1989), ja 1990-luvulla tulisia, alkukantaisia teoksia, kuten ”Upon a Sea” (1996). Vaikka nämä teokset ovat visuaalisesti monimuotoisia, niillä on yhteinen ohjaava periaate, jonka Olitski tiivisti seuraavasti: ”Ajattelen maalausta rakenteellisena, mutta rakenteena, joka syntyy värin tunteen virtauksesta.” Olitskin viimeisinä vuosina luomat maalaukset, kuten ”With Love and Disregard: Rapture” (2002), ilmaisevat tätä ohjaavaa periaatetta dramaattisesti. Niiden materiaalisen läsnäolon rakenne on yhtä horjumaton kuin kivi, mutta niiden olemuksen keveys vaatii selvästi oikeutuksensa värin tunteen virtauksessa.

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna kankaalle. 223,5 x 181,6 cm. Yares Art. © Jules Olitski

Elinikäisen abstraktin maalaamisen ohella Olitski piirsi jatkuvasti myös hahmollisia muotokuvia ja maisemia. Hänellä oli myös runsas veistouran vaihe, joka, kuten hänen maalausuransa, ei ollut sidottu mihinkään muuhun kuin hänen omaan mielikuvitukseensa. Lapsena Olitski sai lempinimen prinssi Patutsky äitipuoleltaan. Tämä nimi toistuu hänen töissään yhä uudelleen: ”Patutsky in Paradise” (1966); ”Patutsky Passion” (1963); ”Prince Patutsky Command” (1966). Juuri tämä lapsenomainen viattomuus on se omistautuminen, jonka näen läpäisevän kaiken, mitä Olitski taiteilijana saavutti. Taidehistoria myöntää yleensä legendan aseman vain niille taiteilijoille, jotka ovat uransa alussa radikaaleja, sitten saavuttavat ”kypsyyden” ja lopulta toistavat itseään. Olitski ei sopinut tähän kaavaan. Niin kokeellisesti ja vapaasti kuin pystyi, hän vain teki työnsä ilman odotuksia ja juhli. Se tekee hänestä legendan minulle.

Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna kankaalle. 200,7 x 276,9 cm. Kasmin, New York. © Jules Olitski
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Phillip Barcio