Sam Gilliamin Väri musiikki Baselin

Yhdessä Art Basel 2018:n alun kanssa, Kunstmuseum Basel avasi äskettäin sen, mitä kutsutaan ensimmäiseksi eurooppalaiseksi yksityisnäyttelyksi amerikkalaisen abstraktin taiteilijan Sam Gilliamin teoksista. Näyttelyn nimi on Värin musiikki: Sam Gilliam, 1967 – 1973, ja se esittelee yhteensä 45 teosta, jotka on kuratoitu Yhdysvaltojen ja Euroopan yksityisistä ja institutionaalisista kokoelmista. Monien nykytaiteilijoiden mielestä Gilliam on yksi tärkeimmistä amerikkalaisista maalareista, ei vain siksi, että hänen teoksensa ovat kauniita, vaan myös siksi, että ne ovat vaikuttaneet nykyaikaiseen taiteen teoriaan. Hänen innovaatioidensa avulla murrettiin ennakkokäsityksiä ratkaisevalla hetkellä, ja ne haastavat suoraan hänen sukupolvensa äänekkäimpiä ääniä. Hänen ideansa olivat niin tärkeitä, että voi olla vaikeaa uskoa, että Gilliamilla ei ole koskaan aiemmin ollut yksityisnäyttelyä Euroopassa. Kuitenkin, jos tarkastellaan hänen uraansa, se ei ehkä ole niin suuri yllätys. Gilliam on aina tehnyt asiat omalla tavallaan. Vaikka hänen työnsä auttoi luomaan monimuotoista taidemarkkinaa, jota tunnemme tänään, hän ei ole koskaan toiminut sen markkinan odotusten mukaan. Yhdellä sanalla, Gilliam on kapinallinen. Huolimatta siitä, että hän on edustanut Yhdysvaltoja Venetsian biennaalissa kahdesti – vuonna 1972 ja 2017 – hän allekirjoitti vasta äskettäin gallerian kanssa, ensimmäistä kertaa urallaan. Aiemmin, vaikka hän oli valokeilassa, hän myi pääasiassa teoksensa itse, omasta studiostaan. Silti hänen ostajiinsa kuului kymmeniä maailman arvostetuimpia museoita, mukaan lukien Tate Modern, Guggenheim-museo New Yorkissa, Metropolitan-taidemuseo, MoMA ja National Gallery of Art Washingtonissa, DC, jotka kaikki omistavat hänen teoksiaan. Hänen halukkuutensa olla tekemättä koskaan odotusten mukaan on voinut estää Gilliamia olemasta monografisen eurooppalaisen näyttelyn kohteena tähän asti. Mutta se on myös johtanut hänen suurimpiin läpimurtoihinsa. Hänen ainutlaatuinen itseluottamuksensa omaan visioonsa tekee Gilliamista täydellisen edustajan itsenäisyydelle taidemaailmassa, ja se on tehnyt hänestä elävän legendan nykyaikaisen abstraktin taiteen maailmassa.

Viistetty reuna

Syntynyt vuonna 1933, Gilliam aloitti ammatillisen uransa aikana, jolloin suuntaukset olivat menossa kohti minimalismia, geometrista abstraktiota ja post-painterly-abstraktiota. Kuten monet muut hänen sukupolvensa taiteilijat, hän aloitti maalaamalla juuri tällaisia teoksia. Hänen terävälinjaiset geometriset abstraktit teoksensa 1960-luvun alusta muistuttavat taiteilijoiden, kuten Frank Stella, Max Billin tai Carmen Herreran teoksia. Vuosi, jolloin kaikki muuttui Gilliamille, oli 1967. Silloin hän omaksui täysin erilaisen menetelmän akryylimaalin kaatamiseksi suoraan pohjamaalaamattomalle kankaalle ja sitten kankaan taittamiseksi ylös, kun maali oli vielä märkää. Hän antoi sitten kankaan kuivua niin, että ryppyiset viivat jäivät ikuisesti osaksi materiaalia. Vasta sitten hän venytti kankaan venytyskehyksiin.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Akryyli kankaalle, 282.6 x 293.4 x 5.1 cm. Kuva: Fredrik Nilsen, Taiteilijan lahjoittama, Metropolitan Museum of Art, New York, ja David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich

Tämän menetelmän tuloksena syntyneet viivat toimivat taiteilijan käden jäänteinä ja lisäävät rakennetta ja kolmiulotteisuutta taideobjektiin. Tämä innovaatio itsessään oli mullistava. Kuitenkin Gilliam ei pysähtynyt siihen. Hän seuraavaksi viilasi venytysrautojen reunat, mikä toi uutta huomiota maalauksen sivuille, antaen niille yhtä suuren merkityksen kuin pinnalle. Viilatut reunat saivat maalaukset näyttämään siltä, että ne olivat nousemassa ulos seinästä sen sijaan, että ne vain roikkuisivat siinä. Tämä antoi maalauksille lähes veistoksellisen läsnäolon. Hän kutsui näitä teoksia "Slice Paintings". Sana slice piti sisällään useita merkityksiä. Venytysrautoja viilattiin, luoden viilattu vaikutus. Myös kankaan taitteet toimivat viiltoina kuvaan, luoden arvaamattomia väriyhdistelmiä ja odottamattomia rakenteellisia vaihteluita työssä, joka muistutti maapallon pinnalle kaivettuja jokiuomia.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Akryyli kankaalla, tammipalkki. 261 x 366 x 198 cm. Kuva: Lee Thompson, Taiteilijan lahjoittama, Kunstmuseum Basel ja David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich

Ei koskaan sama kahdesti

Seuraava innovaatio, josta Gilliam on tunnettu, tapahtui vuonna 1968, kun hän loi ensimmäiset "Drape Painting" -teoksensa. Tämä teossarja asuu teoreettisessa tilassa, joka on jossain maalauksen, veistoksen ja installaation välissä, koska se poistaa venytysraitit, laajentaen siten sen määritelmän, mitä maalaus voi olla. Gilliam maalasi "Drape Paintings" -teoksensa samalla menetelmällä, jota hän käytti "Slice Paintings" -teoksissaan, kaatamalla akryylimaalia suoraan pohjamaalaamattomalle kankaalle. Mutta kun maalaus oli valmis, sen sijaan että hän olisi ryppyttänyt ja sitten venyttänyt sen, hän yksinkertaisesti ripusti kankaan suoraan seinälle, kuin verhoksi tai vaatekappaleeksi. Hänen "Drape Paintings" -teoksensa vievät muotoillun kankaan idean uudelle tasolle, jolloin teos voi omaksua täysin uuden konfiguraation joka kerta, kun se esitetään. Gilliam on iloisesti huomauttanut, että hänen "Drape Paintings" -teoksiaan ei koskaan näytetä samalla tavalla kahdesti.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Akryyli kankaalla, 203 x 144 x 30 cm. Kuva: Cathy Carver, Taiteilijan ja Hirshhornin museon ja veistospuiston, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich

Hänen suurten läpimurtojensa jälkeen 1960-luvun lopulla Gilliam on jatkanut kokeilua ja kehittymistä taiteilijana. Hän on laajentanut pintavalikoimaansa, maalaten paperille ja puulle. Hän on myös tutkinut kollaasin rajoja, löytäen yhä uusia tapoja yhdistää materiaaleja, medioita ja tekniikoita. Huolimatta kaikkien hänen eri teosryhmiensä ilmeisistä eroista, on kuitenkin yksi asia, joka määrittelee Gilliamin ainutlaatuisen panoksen nykyaikaiseen taiteeseen, ja se liittyy siihen, miten hän auttoi meitä ymmärtämään, että maalaus ja veistos ovat todella sama asia. Ihmiset sanovat usein, että taiteilija on hämärtänyt rajat maalaamisen ja veistämisen välillä, ehkä koska heidän maalauksillaan on ulottuvuutta, tai koska ne roikkuvat katosta tai seisovat lattialla. Gilliam saavutti paljon enemmän kuin niin. Hän todella kohtelee pintojaan samalla tavalla kuin kuvanveistäjä saattaisi käsitellä metallia, marmoria tai savea. Hän todistaa, että maalauksen pinta omaa kyvyn välittää tunteita, kertoa tarinoita tai kommunikoida muodollista aihetta. Hän määrittelee pinnan enemmän kuin vain tukena—hän tekee siitä itsessään välineen. Värin musiikki: Sam Gilliam, 1967 – 1973 on esillä 30. syyskuuta asti Kunstmuseum Baselissa.

Esittelykuva: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Akryyli kankaalle, 304.8 x 2269 cm. Corcoran-kokoelma, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich

Kirjailija: Phillip Park