Merkittävä amerikkalainen maalaus: Kahdeksankymmentä-luku näyttely, uudelleen tarkasteltuna

Vuonna 2018 julistin Who RU2 Day: Mass Media and the Fine Art Print Clevelandin taidemuseossa Yhdysvaltojen tärkeimmäksi näyttelyksi. Tänään uskon jälleen, että tärkein amerikkalainen näyttely on Ohion museossa—tämä näyttely on nimeltään American Painting: The Eighties Revisited Cincinnati Art Museumissa. Clevelandin näyttely oli tärkeä, koska se haastoi visuaalista lukutaitoa aikana, jolloin kuvien ylikylläisyys saavutti korkeimman pisteensä koskaan, ja ihmisen kyky kääntää visuaaleja järkeviksi ajatuksiksi ja toimiksi oli saavuttamassa alhaisinta pistettään koskaan. Nykyinen Cincinnati-näyttely on tärkeä samankaltaisista syistä. Se haastaa suoraan nykyaikaisten yleisöjen laajalle levinneen hyväksynnän narratiiviselle, sisällöltään raskaalle taiteelle, ehdottaen sen sijaan abstraktion kestävää arvoa. Kuten sen nimi viittaa, se on uusinta näyttely, joka avattiin yli 40 vuotta sitten. Alkuperäinen avattiin Grey Galleryssä New Yorkin yliopistossa vuonna 1979, ja siinä oli 41 teosta 41 taiteilijalta, jotka olivat lähes kaikki tuntemattomia tuolloin. Kuraattorina toimi tunnettu kriitikko ja opettaja Barbara Rose, joka valitettavasti kuoli rintasyöpään joulukuun lopussa 2020, juuri ennen kuin tämä kunnianosoitus hänen ennakoiville ajatuksilleen avattiin. Tuota alkuperäistä näyttelyä kritisoitiin ankarasti. Huolimatta kriittisestä raivosta, monet myötätuntoiset ilmaisivat tukensa, mukaan lukien joukko kuraattoreita ja museon johtajia, jotka innokkaasti kiersivät kiistanalaista näyttelyä yli tusinassa kaupunkia ympäri maailmaa. Tärkein tuki tuli Ronnie ja John Shorelta, cincinnatilaiselta pariskunnalta, joka oli tuolloin kymmenen vuotta kestävässä 53-vuotisessa taiteen keräilyharrastuksessa. Pitäen tärkeänä, että näin historiallisesti merkittävä näyttely säilytetään ehjänä, ja uskoen, että taiteilijoiden on saatava kannustusta materiaalisen tuen muodossa, Shores ostivat koko näyttelyn. Tuo ostos lahjana Cincinnati Art Museumille mahdollisti nykyisen alkuperäisen näyttelyn uusinnan.

Kiista

Joillekin lukijoille saattaa tuntua absurdilta, että oli kerran kiistanalaista ilmaista uskoa abstraktin taiteen arvoon. Monille muille se kuitenkin kuulostaa paljon samalta vastustukselta, jota abstraktit taiteilijat kokevat edelleen tänään. Perinteiset taiteilijat näyttävät aina haluavan, että heidän taiteensa kertoo tarinoita ja esittää helposti tunnistettavia kohtauksia niin sanotusta todellisesta maailmasta. Erityisesti taiteen eliittipatroneiden keskuudessa on aina uskottu, että taiteen tarkoitus on näyttää ihanne siitä, mitä ihmiskulttuurin tulisi arvostaa ja jäljitellä. Abstraktit taiteilijat eivät välttämättä ole eri mieltä tuosta uskomuksesta. Kuitenkin he ovat varmasti eri mieltä siitä, että ihanteiden ilmaiseminen jäljittelyn kautta on rajoittavaa. Abstraktio on polku kohti jotain universaalia; jotain näkymätöntä; jotain, jota ei voi ilmaista olemassa olevilla sanastoilla. Se on monille ihmisille vaikea polku. Tämän vuoksi talous yleensä palkitsee taiteilijoita, jotka tarjoavat yksinkertaisia, suoraviivaisia opetuksia massoille siitä, mitä heidän tulisi rakastaa ja vihata.

Nancy Graves (1939–1995), Yhdysvallat, Strobia, 1978, öljy ja encaustic kankaalla, Ronnie ja John Shore lahjoitus, 2018.195, © 2019 Nancy Graves Foundation / Lisensioitu VAGAn kautta Artists Rights Society (ARS), NY

Yleisen abstraktion monimutkaisuuden lisäksi toinen keskeinen valitus, jonka kriitikot esittivät alkuperäisestä American Painting: The Eighties -näyttelystä, oli se, että näyttelyssä olevat taiteilijat olivat uusia näyttämöllä. He ihmettelivät, miten mikään kuraattori voisi väittää, että nämä tuntemattomat maalareita olivat sopivia edustajia koko kansalle tuolloin? Useiden taiteilijoiden, kuten Elizabeth Murrayn, Sam Gilliamin, Nancy Gravesin, Dennis Ashbaughin, Frances Barthin, Howard Buchwaldin, Louisa Chasen, Rachelle Epsteinin ja Ron Gorchovin, kohdalla he todella menestyivät myöhemmin. Kuitenkin, ei jokainen näyttelyssä ollut taiteilija voi sanoa samaa. Monet heidän nimistään, häpeäkseni, ovat edelleen täysin uusia minulle tänään - kuten Susan Crile, Elaine Lustig Cohen, Catharine Warren, Peter Pinchbeck ja Susanna Tanger. Kuitenkin, ne maalaukset, joita nämä taiteilijat toivat näyttelyyn, näyttävät järkyttävän tuoreilta. Voin itse asiassa nimetä useita taiteilijoita, jotka ovat sittemmin kopioineet heidän tyyliään. He eivät ehkä ole tulleet kuuluisiksi, mutta he olivat selvästi vaikuttavia.

Lois Lane (s. 1948), Yhdysvallat, Nimetön, 1979, öljy kankaalle, Ronnie ja John Shore lahjoitus, 2018.213

Visioiva Barbara Rose

Mitä tulee Barbara Roseen, viimeinen asia, jota hän tarvitsi, oli kriitikoiden vahvistus. Vuonna 1965, kun hän oli vain 29-vuotias, Rose kirjoitti yhden kestävimpiä esseitä, jotka on koskaan julkaistu abstraktin taiteen kestävästä arvosta. Otsikoitu ABC Art, se oli yksi varhaisimmista kriittisistä yrityksistä määritellä liikettä, jota myöhemmin kutsuttaisiin minimalismiksi. Eroten monien kuraattoreiden ja katsojien nykyisestä ymmärryksestä minimalistisesta taiteesta – että se on eleganttia, yksinkertaista, huomaamatonta ja miellyttävää katsottavaa – Rose piti minimalista taidetta parhaimmillaan "vaikeana, vihamielisenä" ja "kömpelönä". Hän kutsui sitä "kieltäytymisen ja luopumisen taiteeksi", joka juontui lähes munkkimaisesta askeesista. Kuvaamalla sitä ei-egoistisena, ajoittain jopa mystisenä vastalääkkeenä pop-taiteelle, hän sijoitti sen sukupolveen, johon kuului filosofeja, romaanikirjailijoita, koreografeja ja taiteilijoita, kuten Kazimir Malevich ja Marcel Duchamp.

Ron Gorchov (1930–2020), Yhdysvallat, Noita, 1979, öljy liinalla, Ronnie ja John Shore lahjoitus, 2018.219

Rose teki useita muita kestäviä kontribuutioita taiteen teoriaan. Hän keksi termin Neo-Dada; kirjoitti vaikutusvaltaisen esseen, joka vakiinnutti Lee Krasnerin kaikkein huomiotta jääneenä abstraktin ekspressionismin edustajana; opetti taidetta sekä vankilassa oleville että Yale-yliopiston opiskelijoille; kirjoitti abstraktiosta aikansa vaikutusvaltaisimmille taidejulkaisuille; ja kirjoitti monografioita, jotka dokumentoivat lähes kahdentoista naisen abstraktin taiteilijan urat. Hänen pätevyytensä 1980-luvulla olivat yhtä kiistattomia kuin tänäkin päivänä, mutta häntä pidettiin silti radikaalina. Silloin, kuten nyt, luulen, että ihmiset vain todella rakastivat figuuri-taidetta. Jopa tänään abstraktia taidehistoriaa opetetaan harvoin kouluissa (mukaan lukien taidekoulut), ja vaikka sitä opetettaisiinkin, sen poliittinen ja sosiaalinen merkitys jää professorien toimesta huomiotta, jotka itse eivät ole koskaan saaneet riittävää opetusta. Siitä huolimatta, lukemattomille katsojille abstraktio jatkaa olemista kestävä, jopa olennainen osa suhdettamme taiteeseen ja elämään. Kiitos rohkeille keräilijöille kuten Ronnie ja John Shore, rohkeille kuraattoreille kuten Barbara Rose, ja rohkeille instituutioille kuten Cincinnati Art Museum, tämä elintärkeä osa ihmiskulttuuria jatkaa kukoistamistaan.

Amerikkalainen maalaus: Kahdeksankymmentäluvun uudelleentarkastelu on esillä 12. maaliskuuta - 11. heinäkuuta 2021, paikallisten COVID-19-rajoitusten mukaan.

Esittelykuva: Sam Gilliam (s. 1933), Yhdysvallat, Tequila, 1979, akryyli ja sekatekniikka kankaalla, Ronnie ja John Shore lahjoitus, 2018.194, © 2019 Sam Gilliam / Artists Rights Society (ARS), New York
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park