Mikä oli taideobjektin dematerialisaatio?
Lucy Lippard—amerikkalaisen taidekritiikin jättiläinen, yli 20 kirjan kirjoittaja ja Printed Matterin, taiteilijoiden tekemien kirjojen ydinmyyjä, perustaja—täytti tänä vuonna 80 vuotta. Huolimatta monista muista saavutuksistaan, Lippard tunnetaan parhaiten teoksestaan “The Dematerialization of Art”, esseestä, jonka hän kirjoitti yhdessä John Chandlerin kanssa vuonna 1968 (saatavilla verkossa täällä). Esseessä Lippard esitti todisteita siitä, että taide saattaa olla siirtymässä puhtaan intellektualismin vaiheeseen, jonka seurauksena voisi olla perinteisen taideobjektin täydellinen katoaminen. Teos syntyi ja auttoi kontekstualisoimaan edeltävää vuosikymmentä tai niin villisti kekseliästä käsitteellistä taidetta, joka usein jätti jälkeensä vain ohimeneviä, ei-arkistoitavia jäänteitä, tai ei lainkaan jäänteitä, ehkä vain kokemusten tallenteita. Käsitteelliset taiteilijat olivat omistautuneet tekemään ideoista työnsä keskeisen fokuksen, ja monet väittivät vakuuttavasti, että esineet, joita taiteilijat tekevät ilmaistakseen ideoitaan, ovat vain jätetuotteita, ja että itse ideat ovat ainoita asioita, jotka ansaitsevat huomiota. Essee oli aikanaan valtavan vaikutusvaltainen: niin paljon, että Lippard seurasi sitä kirjan Six Years julkaisemisella, joka analysoi laajasti trendin todisteita. Mutta ilmeisesti pitkällä aikavälillä hänen ennustuksensa oli epätarkka, sillä taideobjektit eivät ole vielä dematerialisoituneet. Silti, juhlistaaksemme alkuperäisen The Dematerialization of Art -julkaisun tulevaa 50-vuotisjuhlaa, ajattelimme, että olisi hyvä hetki syventyä tähän vaikutusvaltaiseen esseeseen ja korostaa, mikä siitä on ajankohtaista aikamme kannalta.
Taiteen tiede
Lippard perusti ydinkäsitteet, joita hän käsitteli The Dematerialization of Art, ajatukseen, joka esitettiin ensimmäisen kerran kirjassa nimeltä The Mathematical Basis of the Arts, jonka kirjoitti amerikkalainen taidemaalari Joseph Schillinger. Tässä kirjassa Schillinger jakoi koko taidehistorian viiteen esteettisen ilmiön kategoriaan. Ensinnäkin, hän selitti, tuli "esiteettinen" vaihe jäljittelyä. Seuraavaksi tuli rituaalinen tai uskonnollinen taide. Sitten tuli emotionaalinen taide. Sitten rationaalinen, empiiriseen perustuva taide. Ja sitten viides, ja väitetysti "lopullinen" esteettinen vaihe, jonka Schillinger kuvasi, oli "tieteellinen", tai mitä hän kutsui "jälkeiseksi esteettiseksi". Tätä viimeistä vaihetta hän ennusti, että se huipentuisi "idean vapautumiseen" ja johtaisi "taiteen hajoamiseen."
Kun Lippard mietti taiteen kehitystä 1950- ja 60-luvuilla, hän uskoi, että se, mitä hän oli todistamassa, oli tämän viidennen taiteen vaiheen synty. Ja hän oli innoissaan tästä ajatuksesta. Hän piti dematerialisoitumista positiivisena, elintärkeänä muutoksena. Loppujen lopuksi, jos esteettinen objekti voisi lakata olemasta taiteen keskeinen keskipiste, niin taide voisi vapautua kaupallistamisesta, tuosta usein iljettävästä järjestelmästä, joka kohdistaa niin paljon tuhoisaa voimaa monien taiteilijoiden elämään ja työhön.
Joseph Schillinger - Vihreät neliöt, sarjasta, Taiteiden matemaattinen perusta, n. 1934, tempera pahvilla, Smithsonian, kuva via rendaan.com
Kauppatavaroiden tiede
Dematerialisaation alkaneen todisteena Lippard mainitsi liikkeitä kuten Valo ja Avaruus, jotka olivat visuaalisia luonteeltaan mutta eivät esinepohjaisia, sekä Minimalismi, joka vähensi radikaalisti esteettistä esinettä. Tällaisia liikkeitä hän uskoi vähentävän taideteoksen visuaalisen aspektin merkitystä, määritellen visuaalisen enemmänkin lähtökohtana immateriaaliseen, älylliseen kokemukseen. Mutta yksi varhaisista ja ilmeisistä kritiikeistä Taiteen dematerialisaatio -teosta oli se, että vaikka nämä hetkelliset, käsitteelliset ideat olivat vähemmän esinepohjaisia, ne silti kuitenkin johtivat fyysisiin ilmiöihin. Jopa performanssitaiteilija luo asian—performanssin—jota voidaan myydä kokemuksena tai tallentaa.
Ei ole väliä, kuinka vähäinen reliikki taiteilija luo, se voi tulla fetisoiduksi ja kaupattavaksi hyödykkeeksi. Ainoa tapa välttää täysin kaupallistamisen mahdollisuus on olla jakamatta ideaa: silloin ehkä älyllisen kokemuksen kunnioitus ja pyhyys voidaan säilyttää. Mutta vain jaettuja ideoita voidaan todella kutsua taiteeksi. Ja heti kun idea jaetaan, se voidaan omistaa, manipuloida ja ilmaista muilla tavoilla, tai toisin sanoen, materialisoida. Ja heti kun jokin materialisoituu, sitä voidaan ostaa ja myydä hyödykkeenä.
Joseph Schillinger - Kesken jäänyt rytmiopinto, sarja, joka on kehitetty Taiteiden matemaattisesta perustasta, n. 1934, kynä ja liidut kuvataululla, arkki: 14 7/8 x 19 7/8 tuumaa (37,78 x 50,48 cm), Albright-Knox-taidegallerian kokoelma, Buffalo, New York
Viisi vaihetta
Uudelleenlukiessani Taiteen dematerialisoituminen tänään, ainoa todellinen virhe, joka vaikuttaa ilmeiseltä, on se, miten se esittää Schillingerin selittämät taiteen viisi vaihetta lineaarisina. On aina houkuttelevaa, että jokainen sukupolvi näkee itsensä modernin eturintamassa. Schillinger ajatteli, että taide oli edistynyt historiallisesti vaiheiden kautta, ja Lippard ajatteli olevansa osa sukupolvea, joka vie taidetta kohti sen evolutiivista huippua. Mutta aika ei etene; se vain kulkee ohi. Kulttuuri ei ole lineaarista; se toistaa itseään. Ihmisyys taantuu yhtä nopeasti kuin se kehittyy. Ja totuus oli 1960- ja 70-luvuilla, ja on edelleen tänään, että taiteilijat löytävät tapoja dematerialisoitua yhtä nopeasti kuin toiset löytävät uudelleen tavan materialisoida sen.
Loppujen lopuksi Lippardin on täytynyt myös ymmärtää tämä, vaikka hän kirjoitti dematerialisaatiosta, koska hänen esseensä päättyy kysymykseen, onko niin sanottu nollapiste taiteessa todennäköisesti saavutettavissa pian. Vastaus, hän toteaa, on: "Se ei juuri vaikuta todennäköiseltä." Jopa tänään, kun taiteilijat myyvät virtuaalisia luomuksia, jotka olemassa vain digitaalisessa tilassa, voimme silti väittää, että dematerialisaatio on fantasia. Mikä tahansa, mitä voidaan nähdä, on määritelmän mukaan aineellista, vaikka se voitaisiin nähdä vain virtuaalitodellisuuslaseilla. Mutta mielestämme se todistaa vain, että ehkä dematerialisaation saavuttaminen ei koskaan ollut todella se pointti. Se, mitä Lippard todella tarkoitti, oli yksinkertaisesti se, että yksi tärkeä visuaalisen taiteen osa-alue on väsymättömästi etsiä tapaa ilmaista enemmän vähemmällä. Mikä tahansa taiteilija, joka työskentelee dematerialisaation suuntaan, työskentelee myös yksinkertaisuuden suuntaan. Ja yksinkertaisuus johtaa siihen, että löydetään se, mikä on todella välttämätöntä, ja siten todella merkityksellistä. Se ei todellakaan ole taiteen viimeinen vaihe. Mutta se on vaihe, joka kykenee muistuttamaan meitä siitä, mikä taiteen todellinen arvo on.
Esittelykuva: Joseph Schillinger - Punainen rytmi (yksityiskohta), sarja, joka on kehitetty teoksesta The Mathematical Basis of Ars, noin 1934, gouache-paperilla, kuvan alue: 8 x 11 15/16 tuumaa (20,32 x 30,32 cm); arkki: 10 1/2 x 13 7/8 tuumaa (26,67 x 35,24 cm), kokoelma Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park
