Une entrevue avec John Monteith

John Monteith est né en 1973 à Newmarket, Ontario, Canada, et est diplômé du programme de maîtrise en beaux-arts de Parsons The New School for Design en 2008. Il a beaucoup voyagé et vécu à travers le monde, ce qui a influencé et transformé sa pratique artistique au fil des ans. Ses œuvres complexes et colorées en cire et pigments sur film à dessin superposé, ainsi que ses documentations photographiques minutieusement stratifiées, ont fait de lui un artiste abstrait recherché et reconnu.

John Monteith a été représenté à l’international et a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles et collectives, telles que : « At Night All Cats Are Grey », O’Born Contemporary, Toronto, ON ; « Not Yet Titled », Galerie Wenger, Zurich, Suisse ; et « Vector Issue 5 », Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Allemagne. Ses œuvres font partie des collections permanentes de The New School, Manhattan, New York ; BNY Melon, New York ; et Morris and Associates à Londres, Angleterre. IdeelArt a eu le plaisir d’interviewer l’artiste pour discuter de son processus de travail et de ses projets à venir.

Quels matériaux et techniques utilisez-vous dans votre processus de travail ? Comment votre pratique a-t-elle évolué au fil du temps ?

Dans ma pratique picturale initiale, j’utilisais de la peinture à l’huile sur toile et travaillais de manière figurative, réalisant de grandes peintures figuratives. Depuis 2005, j’ai opéré un changement important en termes de médium et de sujet. La trajectoire de mon travail s’est développée naturellement avec mes réflexions, non seulement sur les espaces urbains mais aussi sur les relations personnelles et les multiples couches de relation. J’ai toujours été fasciné par ce qui caractérise le visible et le caché.

En 2006, j’ai commencé à travailler avec du film à dessin, utilisant ses qualités translucides pour superposer les images. Tout en continuant à travailler de manière figurative, j’utilisais de la peinture à l’huile, diluée pour profiter de sa nature transparente. Je peignais l’architecture et les centres urbains, des lieux que j’avais visités et qui avaient une importance historique, ainsi que les vestiges d’un ancien accident de voiture que j’ai vu dans une forêt à Kyoto, Japon, impliquant plusieurs voitures qui étaient sorties d’une route escarpée il y a environ quinze ans. Chacune de ces scènes était autrefois ou est encore un lieu de rupture. Pour créer les peintures de cette série, je peignais chaque image deux fois sur deux feuilles différentes de film à dessin, puis je superposais les feuilles en décalant légèrement l’alignement pour que la peinture du dessus soit légèrement décalée par rapport à celle du dessous, créant ainsi une image unique. Combiner ces deux « parties » en une seule peinture créait une œuvre qui se situait dans une zone énigmatique de flux, en quelque sorte un mouvement figé dans le temps. Après avoir exposé ces peintures aux côtés d’une série d’œuvres basées sur le texte, je suis devenu plus épuré dans ma création artistique, adoptant une approche concrète pour mes dessins et peintures, qui conservaient une référence au temporel dans la sphère urbaine, ainsi qu’un discours sur la mémoire et l’histoire, tel que développé par des auteurs comme Andreas Huyssen.

En 2011, j’ai commencé la série (dé) Construction/(re) Construction, créée à partir de documentations photographiques d’espaces interstitiels tels que les portes et couloirs des centres commerciaux, terminaux d’aéroport et autres espaces publics. J’ai réalisé ces peintures en utilisant les formes de lumière et d’ombre projetées présentes dans ces « espaces poubelles », un terme inventé et décrit par Rem Koolhaas. Ce sont des lieux « nulle part » où nous passons beaucoup de temps en transit, allant du point A au point B. Comme pour mon dernier groupe de peintures, j’ai utilisé la même stratégie de peindre deux couches identiques, mais cette fois, en superposant les couches, je les décalais dans la position désirée avant de finir la peinture, en faisant ressortir ou reculer certains éléments.

Pour achever ces peintures, je les ai montées sur du plexiglas blanc opaque, découpé à la main aux dimensions de chaque œuvre. Cela m’a permis de les accrocher au mur comme une peinture traditionnelle, mais aussi de les considérer comme des sculptures en les suspendant chacune sur son propre support. Installer les œuvres de cette manière créait de nouvelles relations physiques entre elles tout en faisant référence à l’architecture de la galerie et en modifiant la ligne de vue « un à un », changeant ainsi la nature de l’expérience des peintures. Mes œuvres prennent ainsi différentes associations. J’ai toujours été intéressé par la superposition, mais aussi par l’utilisation d’un matériau pour en évoquer un autre, dans ce cas mes peintures installées comme des sculptures. Certaines peintures peuvent ressembler à des dessins, et des photographies et dessins peuvent ressembler à des peintures. Chaque étape de mon processus créatif se manifeste visuellement dans l’œuvre finale ; les traces sont toujours lisibles. Pour moi, c’est là que réside le contenu. Dans nos villes, ce scénario se joue alors que nous cherchons des preuves et des traces du passé, cachées sous le vernis du présent.

J’ai passé les deux dernières années à Berlin, créant des dessins qui se développaient de manière organique, contrairement à mon usage passé de références photographiques. Je me suis particulièrement intéressé à la reconstruction de la ville, à sa topographie et aussi aux « vides » de la ville qui conservent des traces du passé. De cette recherche, j’ai créé des groupes de dessins interconnectés qui s’éclairent mutuellement lorsqu’ils sont vus ensemble, ainsi que des œuvres qui considèrent la reconstruction architecturale en cours dans le centre-ville.

Combien de temps prend généralement une œuvre ?

Cela dépend vraiment. Quand j’étais à Berlin, j’étais généralement dans mon atelier six jours par semaine. Il est difficile de dire combien de temps une œuvre prendra, car j’ai tendance à travailler sur plusieurs pièces en même temps. Dans mon processus, je commence avec une peinture très fine puis je la construis lentement ou, dans le cas de mes dessins, je passais souvent quelques semaines à faire des essais avant de finaliser mon approche de l’œuvre. En gros, mon processus est un travail lent et laborieux.

Qu’est-ce qui est essentiel dans votre travail ?

Ma pratique m’a conduit dans de nombreuses villes, tant pour y vivre que pour la recherche. Chaque fois que je déménage, cela influence et transforme mon travail. Ces lieux sont des catalyseurs des façons dont je pense la création artistique et la manière dont j’exécute mon processus. De nouvelles façons de penser et de créer émergent à mesure que les habitudes passées sont brisées et bouleversées.

Comment savez-vous quand une œuvre est terminée ?

Je ne travaille pas vraiment de manière aussi nébuleuse ; c’est plus clair pour moi. Il n’y a jamais eu de question sur ce que je dois faire ensuite pour achever une œuvre. La plus grande question pour moi est comment placer chaque pièce dans son contexte avec les autres œuvres de l’exposition, et comment l’œuvre sera installée ? Ce sont toujours les questions les plus difficiles car je réfléchis à la manière dont mon travail sera perçu et comment l’espace d’exposition influencera cette lisibilité. En travaillant avec mon matériau choisi, l’encadrement est aussi une considération. L’encadrement peut soit valoriser soit nuire à mon travail. J’aime travailler avec des encadreurs en qui j’ai confiance et qui peuvent offrir leurs idées et leur regard.

Que signifie pour votre processus d’avoir un espace physique pour créer, et comment faites-vous pour que votre atelier vous convienne ?

Mon atelier doit être un lieu solitaire et calme. Je suis flexible quant à l’emplacement, mais l’espace de l’atelier impose certains paramètres, notamment en termes d’échelle et de la taille possible des œuvres. Si vous avez un petit espace, une œuvre paraîtra beaucoup plus grande dans votre atelier qu’une fois accrochée aux murs d’une grande galerie.

Y a-t-il quelque chose sur lequel vous travaillez actuellement, ou un projet que vous êtes impatient de commencer et dont vous pouvez parler ?

Actuellement, je suis à Halifax, Canada, en train de faire des recherches sur les pratiques artistiques à base de fibres pour une nouvelle série d’œuvres tissées au métier à tisser. Pendant mon séjour à Berlin, je me suis de plus en plus intéressé à enrichir ma pratique traditionnelle en incorporant de nouveaux médiums — je continuerai à peindre, mais d’une manière différente.

Comment naviguez-vous dans le monde de l’art ?

Je pense que la meilleure façon de gérer les pressions est de passer autant de temps que possible dans son atelier et de continuer à créer. Il y a une certaine consolation dans le fait d’avancer de manière qui vous met au défi. Je lis différents textes et publications artistiques qui s’orientent vers la théorie culturelle et l’investigation plutôt que des critiques d’expositions ou des articles consacrés au marché de l’art. Il est aussi utile d’avoir ma communauté autour de moi — j’ai des groupes à Berlin, New York et Toronto — composés d’artistes, conservateurs, écrivains, créateurs, musiciens et dj qui soutiennent mon travail comme je soutiens le leur. Échanger et simplement être présent avec eux m’aide énormément à faire face aux pressions d’être artiste.

Quel est le meilleur conseil qu’on vous ait donné lorsque vous avez percé dans le monde de l’art ? Quel conseil donneriez-vous aux jeunes artistes émergents ?

Le meilleur conseil que j’ai reçu vient de Martha Rosler qui disait : « Ne faites jamais confiance à quelqu’un pour votre carrière. Vous devez toujours garder un œil sur la manière dont vous êtes représenté, et comment ceux qui vous représentent cadrent la conversation autour de votre travail. »

Participez-vous à des expositions ou événements à venir ? Où et quand ?

Je participerai à une exposition collective à la Galerie Wenger à Zurich, Suisse, qui ouvrira le 24 octobre 2015 jusqu’au 9 janvier. J’ai aussi quelques autres projets en cours de développement.

Image en vedette : Installation Memorial Day O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Avec l’aimable autorisation de l’artiste