Une entrevue avec John Monteith

John Monteith est né en 1973 à Newmarket, Ontario, Canada et est diplômé du programme de maîtrise en beaux-arts de Parsons The New School for Design en 2008. Il a beaucoup voyagé et vécu à travers le monde, ce qui a influencé et modifié sa pratique de production au fil des années. Ses morceaux complexes et colorés de cire et de pigments sur des films à dessin superposés, ainsi que ses documentations photographiques minutieusement superposées, ont fait de lui un artiste abstrait recherché et bien connu.

John Monteith a été représenté à l'international et a été le centre de plusieurs expositions individuelles et collectives, telles que : « At Night All Cats Are Grey », O’Born Contemporary, Toronto, ON ; « Not Yet Titled », Galerie Wenger, Zurich, Suisse ; et « Vector Issue 5 », Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Allemagne. Ses œuvres font partie des collections permanentes de The New School, Manhattan, New York ; BNY Melon, New York ; et Morris and Associates à Londres, Angleterre. IdeelArt a eu le plaisir d'interviewer l'artiste pour discuter de son processus de travail et de ses projets à venir.

Quels matériaux et techniques utilisez-vous dans votre processus de travail ? Comment votre pratique a-t-elle évolué au fil du temps ?

Dans ma pratique antérieure de la peinture, j'utilisais de l'huile sur toile et je travaillais de manière figurative, réalisant des peintures figuratives à grande échelle. Depuis 2005, j’ai opéré un changement significatif en termes de support et de sujet. La trajectoire de mon travail s'est développée naturellement avec mes réflexions, non seulement sur les espaces urbains mais aussi sur les relations personnelles et les multiples niveaux de relation. J’ai toujours été fasciné par ce qui caractérise le montré et le caché.

En 2006, j'ai commencé à travailler sur des films de dessin, en utilisant leurs qualités translucides pour superposer des images. Tout en travaillant de manière figurative, j'utilisais de la peinture à l'huile, diluée pour tirer parti de sa nature transparente. Je peignais l'architecture et les centres urbains, les lieux que j'avais visités et qui avaient une importance historique, et même les restes d'un vieil accident de voiture que j'ai vu dans une forêt à Kyoto, au Japon, impliquant deux voitures qui sortaient d'une route escarpée il y a environ quinze ans. il y a environ. Chacune de ces scènes fut autrefois ou actuellement des lieux de rupture. En créant les peintures de cette série, je peindrais chaque image deux fois sur deux feuilles différentes de film à dessin, puis je placerais les feuilles l'une sur l'autre et je déplacerais le registre de manière à ce que la peinture du haut soit légèrement décalée par rapport à la peinture du bas. qui ont ensuite été superposées pour créer une seule image. La combinaison de ces deux « parties » en une seule peinture a créé une œuvre qui s’attarde dans une zone énigmatique de flux, en un sens, un mouvement capturé dans le temps. Après avoir exposé ces peintures aux côtés d'une suite d'œuvres basées sur des textes, je suis devenu plus réducteur dans ma création artistique, en adoptant une approche concrète dans la réalisation de mes dessins et peintures, qui maintenait une référence au temporel dans la sphère urbaine et un discours mémoire/histoire. comme le transmettent des écrivains comme Andreas Huyssen.

En 2011, j'ai commencé la série (de) Construction/(re) Construction, créées à partir de photographies d'espaces interstitiels tels que les portes et les couloirs, de centres commerciaux, de terminaux d'aéroport et d'autres espaces publics. . J'ai réalisé ces peintures en utilisant les formes de lumière projetée et d'ombres présentes dans ces « espaces indésirables », un terme inventé et écrit par Rem Koolhaas. Ce sont des endroits « nulle part » où nous passons une grande partie de notre temps en transit, nous déplaçant du point A au point B. Comme pour mon dernier groupe de peintures, j'ai utilisé la même stratégie consistant à peindre deux couches identiques, mais cette fois lorsque j'ai placé le couches ensemble, je les déplaçais dans la position souhaitée avant de terminer la peinture, en retirant et en repoussant certains éléments.

En complétant ces tableaux, je les ai montés sur du plexi blanc opaque, découpé à la main aux dimensions de chaque tableau. Cela m'a permis d'accrocher les pièces au mur comme on le ferait pour une peinture traditionnelle, mais alternativement de penser aux peintures de manière sculpturale en accrochant chaque pièce sur son propre support. Installer l'œuvre de cette manière a créé de nouvelles relations physiques entre les œuvres tout en faisant référence à l'architecture de la galerie et en modifiant la ligne de vue « individuelle », changeant ainsi la nature de l'expérience des peintures. Mes œuvres prennent ainsi différentes associations. J’ai toujours été intéressé par la superposition, mais je suis également intéressé par l’utilisation d’un matériau pour en référencer un autre, en l’occurrence mes peintures installées comme des sculptures. Différentes peintures peuvent ressembler à des dessins, et les photographies et les dessins peuvent ressembler à des peintures. Chaque étape de mon processus créatif se manifeste visuellement dans l'œuvre finale ; les traces sont toujours lisibles. Pour moi, c'est là que réside le contenu. Dans nos villes, ce scénario se joue alors que nous recherchons des preuves et des traces du passé, cachées sous le vernis du présent.

J'ai passé les deux dernières années à Berlin, créant des dessins qui se sont développés de manière organique, contrairement à mon utilisation passée de références photographiques. Je me suis particulièrement intéressé à la reconstruction de la ville, à sa topographie et aussi aux « vides » de la ville qui entretiennent des traces du passé. À partir de cette recherche, j’ai créé des groupes de dessins interconnectés qui s’informent mutuellement lorsqu’ils sont vus de concert, ainsi qu’un travail qui considère la reconstruction architecturale en cours dans le centre-ville.

Combien de temps dure habituellement un travail ?

Cela dépend vraiment. Quand j’étais à Berlin, j’étais habituellement dans mon studio six jours par semaine. Il est difficile de dire combien de temps prendra une œuvre, car j’ai tendance à travailler sur plusieurs pièces à la fois. Dans mon processus, je commence avec de la peinture très fine, puis je l'accumule lentement ou, dans le cas de mes dessins, je passais souvent quelques semaines à faire des tests avant de finaliser mon approche du travail. Fondamentalement, mon processus est lent et demande beaucoup de travail.

Qu’est-ce qui fait partie intégrante de votre travail ?

Ma pratique m'a amené dans de nombreuses villes, tant pour vivre que pour faire de la recherche. Chaque fois que je déménage, cela influence et change mon travail. Ces lieux sont des catalyseurs de la manière dont je réfléchis à la création artistique et de la manière dont j'exécute mon processus. De nouvelles façons de penser et de créer émergent à mesure que les habitudes passées sont brisées et bouleversées. 

Comment savoir quand une œuvre est terminée ? 

Je ne travaille pas vraiment de manière aussi nébuleuse ; c'est plus clair pour moi. Il n’a jamais été question de savoir ce que je devais faire ensuite pour résoudre un travail. La plus grande question pour moi est de savoir comment placer chaque pièce dans son contexte avec d’autres pièces de l’exposition, et comment l’œuvre doit-elle être installée ? Ce sont toujours les questions les plus difficiles lorsque je réfléchis à la manière dont mon travail sera lu et comment l’espace d’exposition influencera cette lisibilité. Lorsque je travaille avec le matériau que j'ai choisi, le cadrage est également une considération. Le cadrage peut faire ou défaire mon travail. J'aime travailler avec des encadreurs en qui j'ai confiance et qui peuvent offrir leur point de vue et leurs idées.

Qu’est-ce que le fait d’avoir un espace physique pour créer de l’art signifie pour votre processus, et comment faites-vous en sorte que votre espace de studio fonctionne pour vous ?

Mon studio doit être un espace solitaire et calme. Je suis flexible sur le lieu, mais l’espace du studio dicte certains paramètres, notamment en termes d’échelle et de taille possible pour travailler. Si vous disposez d’un petit espace, une œuvre paraîtra beaucoup plus grande dans votre studio qu’elle ne le sera une fois accrochée aux murs d’une grande galerie. 

Y a-t-il quelque chose sur lequel vous travaillez actuellement ou que vous avez hâte de commencer et dont vous pourriez me parler ?

Actuellement, je suis à Halifax, au Canada, où je fais des recherches sur les pratiques artistiques basées sur les fibres pour un nouvel ensemble d'œuvres tissées sur métier à tisser. À Berlin, je me suis de plus en plus intéressé à l’augmentation de ma pratique traditionnelle et à l’incorporation de nouveaux médiums. Je peindrai toujours, mais d’une manière différente.

Comment naviguez-vous dans le monde de l’art ?

Je pense que la meilleure façon de gérer la pression est de passer le plus de temps possible dans votre studio et de continuer à travailler. Il y a un certain réconfort dans le processus d’avancer d’une manière qui vous met au défi. Je lis différents textes et publications artistiques orientés vers la théorie et l'investigation culturelles plutôt que de simples critiques d'expositions ou des articles consacrés au marché de l'art. Cela m’aide également d’avoir ma communauté autour de moi – j’ai des groupes à Berlin, New York et Toronto – composée d’artistes, de conservateurs, d’écrivains, de designers, de musiciens et de DJ qui soutiennent mon travail comme je soutiens le leur. S'engager dans une conversation et simplement être présent avec eux m'aide énormément à faire face à la pression du métier d'artiste.

Quel est le meilleur conseil qu’on vous ait donné lorsque vous vous êtes lancé dans le monde de l’art ? Quels conseils donneriez-vous aux jeunes artistes émergents ?

Le meilleur conseil que j’ai reçu est celui de Martha Rosler qui a dit : « Ne confiez jamais votre carrière à personne. Vous devez toujours garder un œil sur la façon dont vous êtes représenté et sur la façon dont ceux qui vous représentent encadrent la conversation autour de votre travail.

Êtes-vous impliqué dans un spectacle ou un événement à venir ? Où et quand ?

Je ferai partie d'une exposition collective à la Galerie Wenger à Zürich, en Suisse, qui s'ouvrira du 24 octobre 2015 au 9 janvier. J'ai également quelques autres projets qui en sont aux premiers stades de développement.

Image de couverture : Installation du Memorial Day O'Born Contemporary, Toronto 2012 - Avec l'aimable autorisation de l'artiste