Capturer la fugacité du temps - La photographie de Hiroshi Sugimoto

Les expositions doubles se déroulant jusqu'au 22 décembre dans les lieux parisiens et londoniens de la Marian Goodman Gallery explorent le travail de Hiroshi Sugimoto, photographe, sculpteur et artiste conceptuel acclamé, dont l'œuvre aborde les mystères de la perception humaine. L'exposition londonienne, intitulée Snow White, se concentre sur un ensemble de photographies sur lequel Sugimoto travaille depuis 1978, appelé sa série Theater. Chaque photographie de la série montre un cinéma avec un écran au centre de l'image. L'écran brille d'une lumière argentée. Pour prendre ces photos, Sugimoto installe un appareil photo grand format, ouvre l'obturateur puis le garde ouvert pendant tout le film, capturant chaque image du film sur une seule image de film. Les photographies capturent le passage du temps et soulèvent des questions sur ce qui est réel et ce qui est fiction. Pendant ce temps, l'exposition parisienne, intitulée Surface Tension, se concentre sur deux autres ensembles de travaux sur lesquels Sugimoto a travaillé. Le premier est sa série Seascape, qu'il développe depuis 1980. Pour cette série, Sugimoto prend des photos de mers calmes à travers le monde. Chaque photo est parfaitement équilibrée : moitié eau et moitié air, avec la ligne d'horizon au milieu de l'image. Et en exposition aux côtés des photos de Seascape se trouvent cinq œuvres sculpturales d'une série appelée Five Elements. Ces sculptures se composent de cinq formes géométriques, symbolisant la terre, l'eau, le feu, l'air et le vide. Chaque sculpture présente un orbe, symbolisant l'eau, et chaque orbe contient une photographie de la série Seascape. Ces deux expositions sont incontournables. Mais comme avec de nombreuses expositions de Sugimoto, elles ne frôlent que la surface de l'immense œuvre que cet artiste a créée. Donc, si vous n'êtes pas familier avec son travail, voici quelques autres facettes des nombreuses dimensions de Hiroshi Sugimoto.

Voir comme un appareil photo

Hiroshi Sugimoto est né à Tokyo en 1948. Il a appris à prendre des photos dès son enfance, mais n'a envisagé la photographie comme carrière que bien plus tard. Il a étudié l’économie à l’Université St. Paul au Japon. Mais quatre ans après avoir obtenu son diplôme, Sugimoto a déménagé à Los Angeles et s'est inscrit à des cours d'études supérieures à l'Art Center College of Design. Et la même année, il a eu une révélation sur le potentiel artistique de la photographie pour révéler des vérités cachées sur le monde. Sa révélation s'est produite lors d'un voyage à New York, au cours duquel il a visité le Musée américain d'histoire naturelle. Le musée est bien connu pour ses dioramas, dans lesquels des modèles grandeur nature de personnes et d'animaux à travers l'histoire sont présentés au milieu d'artefacts de leur époque. À l'arrière-plan de chaque diorama se trouve soit une photographie, soit une peinture de la nature, ajoutant à la scène un élément bidimensionnel qui est évidemment faux et généralement quelque peu ringard.

En regardant l'un de ces dioramas, Sugimoto ferma soudainement un œil. Cela lui fit réaliser qu'en regardant quelque chose avec un seul œil, il a aplati toute la scène, la rendant semblable à ce qu'elle serait si elle était photographiée avec un objectif d'appareil photo. Regarder le diorama de cette manière rendait l'ensemble plus réaliste. Sugimoto retourna donc au musée avec son appareil photo et prit des photographies en noir et blanc des dioramas. Étonnamment, les photographies aplatirent tous les éléments des dioramas, pas seulement l'arrière-plan, et les scènes prirent une étrangeté réaliste. Sa série Diorama devint le premier d'un grand nombre de travaux qu'il a depuis poursuivis, impliquant la re-photographie de quelque chose, ou la prise de photographies de quelque chose qui est faux, comme des figures dans des musées de cire. Lorsqu'on lui a demandédans une interview de 2014 avec le directeur du Getty Museum, Timothy Potts son intérêt pour ce processus, Sugimoto a déclaré : “La photographie est une copie de la réalité, mais lorsqu'elle est photographiée deux fois, elle retourne à la réalité. C'est ma théorie.”

Hiroshi Sugimoto - Kegon Waterfall, 1976, Gelatin silver print, Neg. #00.001, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20200)

Ce que vous regardez

Sugimoto a suivi sa série Diorama avec ses premières photographies de théâtre. Comme la série Diorama, la série Théâtre pose la question de savoir si ce qui est visible sur la photographie est réel. Si nous regardons un film hollywoodien, nous savons que nous ne regardons pas quelque chose qui s’est réellement produit. C'est scénarisé, donc c'est faux, non ? Et pourtant, ces photographies prises par Sugimoto, qui contiennent les informations visuelles de films entiers, capturent quelque chose qui s'est réellement passé : la projection du film. Les photographies capturent la réalité, un fait souligné dans les versions Drive-In Theatre de la série, qui capturent des traînées de lumière dans le ciel derrière l'écran alors que les avions survolent tout au long du film. Alors, ce que nous regardons est-il réel ou faux ? La lumière brillante et argentée au centre de l’image n’est pas seulement de la lumière : c’est une histoire. Et même si c’était prévu, cela s’est produit. Comme le souligne Sugimoto, le photographier deux fois le rend à nouveau réel.

Après avoir commencé sa série Theater, Sugimoto s'est lancé dans sa série Seascape. Les images de cette série sont, formellement parlant, géométriques et abstraites. Lorsqu'elles sont vues en groupes, les images prennent également une présence typologique dans la tradition de Bernd et Hilla Becher. Bien que ce ne soient pas des images de photos, comme celles de ses précédentes séries Diorama et Theater, elles remplissent néanmoins une fonction similaire. Sugimoto nous montre des images de choses différentes qui se ressemblent. Il nous les montre telles qu'elles apparaissent à différents moments de la journée et dans différentes conditions atmosphériques. Elles sont évidemment différentes. Mais elles sont aussi évidemment les mêmes. L'air et l'eau ne sont qu'une partie du monde physique. Mais elles prennent également une qualité abstraite. La mer devient un symbole. Et nous pouvons à nouveau nous demander ce que nous regardons. Ces images représentent-elles le monde réel ou se sont-elles dissoutes en allégorie ou en métaphore ?

Hiroshi Sugimoto - N. Pacific Ocean, Ohkurosaki, 2013, Gelatin silver print, Neg. #582, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20192)

Images du monde

Sugimoto appelle dans son travail ce phénomène de dissolution du réel dans l'irréel, et vice versa,« une méthode de test pour étudier la perception humaine ». Et il a poursuivi cette méthode de test de plusieurs manières fascinantes au fil des décennies. Dans les années 1990, il est retourné au Japon et, après sept ans de bureaucratie, a été autorisé à photographier une installation ancienne à l’intérieur d’un temple bouddhiste appelée « Bodhisattva miséricordieux aux mille bras Avalokitesvara ». L’installation présente une multitude de représentations sculpturales de Bouddha en tant que manifestation physique de l’au-delà. Sugimoto a photographié l'installation à différents moments de la journée, montrant des ombres et de la lumière illuminant différents éléments à différents moments. La série qui en résulte, Sea of ​​Buddha, est une enquête abstraite sur la forme et le temps.

Dans sa série Architecture, également commencée dans les années 1990, Sugimoto prend des images complètement floues de formes architecturales emblématiques, comme les tours du World Trade Center et la Tour Eiffel. Pendant ce temps, pour sa série « Praise of Shadow », il allume une bougie tous les soirs près d’une fenêtre ouverte et prend une seule exposition de celle-ci brûlant avec l’obturateur ouvert sur son appareil photo tout le temps jusqu’à ce que la bougie brûle ou s’éteigne. Dans sa série Pine Trees, il a pris des images floues de pins parfaits dans le palais impérial japonais, puis les a collées ensemble dans des compositions surréalistes comparables au Shorinzu « Écrans de forêt de pins » du XVIe siècle. Toutes ces séries montrent le monde réel de manière floue et onirique. Tous comportent de longues expositions. Ils nous font voyager dans le temps et nous permettent de nous connecter avec des visions anciennes et universelles de l'architecture, de la lumière et de la nature. Ils nous aident à voir ces choses à la fois comme des souvenirs et des idées.

Hiroshi Sugimoto - Salle 37, Palais de Tokyo, Paris, 2013, Gelatin silver print, Neg. #279, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20218)

Le monde en noir et blanc

En plus de chacune de ces œuvres déjà mentionnées, Sugimoto travaille également sur plusieurs autres séries, dont chacune s'étend sur des années, voire des décennies. En plus de son travail photographique, il crée également des sculptures, participe à des performances et crée des œuvres in situ. Toutes ces choses lui semblent différentes et peut-être déconnectées, mais au fond, elles peuvent toutes être comprises avec le même raisonnement que Sugimoto utilise lorsqu'il répond à la question de savoir pourquoi il choisit si souvent de prendre des photos en noir et blanc. Sa réponse à cette question est : "La crédibilité est meilleure en noir et blanc qu'en couleur."

Les photographies couleur ne capturent jamais notre véritable expérience de la couleur. Ainsi, en choisissant le noir et blanc, il réalise des images plus abstraites et plus universelles. Il s'agit d'une variante du concept japonais de honka-dori, ou imitation du travail d'un autre artiste. Sugimoto représente ce qui existe déjà sous diverses formes, mais une copie parfaite n'est pas possible, et elle n'est pas non plus préférable. Il nous montre donc la réalité sous une forme abstraite. Il fait référence à nos souvenirs et à notre passé communautaire. Il « reprend la mélodie » pour évoquer quelque chose de similaire et d'universel que tout le monde peut, espérons-le, comprendre.

Hiroshi Sugimoto - Tasman Sea, Rocky Cape, 2016, Gelatin silver print, Neg. #584, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20193)

Image en vedette : Hiroshi Sugimoto - Paramount Theatre, Newark, 2015 Tirage à la gélatine argentique, Neg. #36.002, Image : 47 x 58 3/4 po. (119,4 x 149,2 cm), Cadre : 60 11/16 x 71 3/4 po., (154,2 x 182,2 cm), Édition de 5, (20220)

Toutes les images © Hiroshi Sugimoto, avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Marian Goodman Gallery

Par Phillip Barcio