Dan Colen, Bad Boy du Post-Pop New York, exposera à la galerie Damien Hirst

Cela fait environ une décennie que le magazine New York a publié l'article largement reconnu pour avoir établi Dan Colen comme une étoile du marché de l'art. Intitulé Chasing Dash Snow, ce texte a forgé le surnom « Les Enfants de Warhol » pour un groupe de jeunes artistes, alors dans la vingtaine, qui marquaient profondément la scène new-yorkaise tant par leur art que par leur personnalité. Le sujet principal de l'article, comme le titre l'indique, était l'artiste Dash Snow. Petit-fils de Dominique et John de Menil, les aristocrates français fondateurs de la Menil Collection basée à Houston, Dash Snow était destiné à hériter d'une fortune littéralement royale. Sa réputation esthétique s'est en partie construite sur son choix d'utiliser son propre sperme comme médium artistique. Snow est décédé tragiquement seulement deux ans après la parution de l'article, à l'âge de 27 ans. Mais deux de ses plus proches amis y étaient également mis en avant : le photographe Ryan McGinley et son colocataire, le peintre Dan Colen. L'article retraçait non seulement l'art que ces artistes créaient ou leur talent apparent, mais aussi un moment où le marché de l'art new-yorkais était avide de sang neuf ; où des artistes à peine sortis de l'école obtenaient des expositions personnelles dans de grands musées, et où leurs œuvres, vendues un ou deux ans auparavant dans une petite galerie, atteignaient des prix à six voire sept chiffres dans les grandes maisons de vente aux enchères. Dan Colen y était présenté comme typique du genre de personnage audacieux, nihiliste, franchement sardonique que l'on pourrait s'attendre à voir passer directement du programme de premier cycle de la Rhode Island School of Design à une renommée mondiale, en croyant la mériter. Son travail était indéniablement intéressant, mais cette prétendue personnalité — un égoïste apparemment gâté, ironique, du genre « la blague est sur toi mais ce n’est pas une blague ou peut-être que si » — a conduit de nombreux critiques à le rejeter comme le dernier représentant d’une génération d’artistes égocentriques et médiocres. Ce jugement était prématuré, et peut-être tout aussi symptomatique des forces du marché — non pas dans le monde de l’art, mais dans celui de la critique. Aujourd’hui, Colen est représenté par certains des plus grands noms de l’art mondialement reconnu : Gagosian, Massimo De Carlo et Lévy Gorvy. Et en octobre prochain, une grande rétrospective de mi-carrière de son œuvre doit s’ouvrir à Londres. Malgré, ou pour défier, les critiques, Colen a persévéré dans ce que beaucoup considéraient comme une folie, et ceux qui l’avaient sous-estimé pourraient enfin s’aviser.

Messages Divins

Le travail de Dan Colen a continuellement occupé une sorte de terrain intermédiaire entre les catégories faciles à décrire, préférées par ceux qui vivent du travail des autres. Pour cette raison, il est difficile de parler de cet artiste. Son œuvre est souvent évidente, mais parfois elle défie l’explication. Parfois elle est figurative de manière caricaturale, d’autres fois elle est purement abstraite. Parfois elle est manifestement narrative, comme dans son hommage de 2006 à son ami Dash Snow, pour lequel il a minutieusement recréé chaque objet qui se trouvait alors sur un mur réel où Snow vivait. D’autres fois, elle porte sur des préoccupations formelles telles que la couleur, la peinture et l’espace, comme dans les toiles Purgatory qu’il peint récemment. Mais cela ne signifie pas que son travail ne peut pas être décrit. Cela signifie simplement qu’il est multidimensionnel, et qu’il est préférable de considérer une série d’œuvres à la fois.

L’un des premiers ensembles d’œuvres qui lui a valu de l’attention était une série de peintures à l’huile documentant des intérieurs apparemment banals et quotidiens. Mais dans cette scène autrement peu intéressante, Colen insérait un élément fantastique, mystique ou divin. Un exemple majeur est la peinture Me, Jesus and the Children de 2003, un autoportrait saisissant de Colen avec sa chemise à carreaux ouverte à mi-poitrine. Quatre chérubins dessinés en bande dessinée flottent dans les airs, l’un d’eux demandant dans une bulle : « Qu’as-tu dit ? » Et un pendentif de Jésus suspendu à sa poitrine marquée de cicatrices, contusionnée et légèrement maigre, répond dans une autre bulle : « Tu sais ce que j’ai dit. » Comme pour beaucoup de ses œuvres, cette peinture peut être interprétée comme suggérant que Colen est simplement un schizophrène culturel, régurgitant des prières d’épiphénomènes ingérés provenant de multiples sources. Ou cela pourrait être autre chose. C’est drôle et moqueur, mais sérieux dans son exécution, ce qui semble nous obliger à la regarder davantage. Mais d’autres peintures, comme Holy Shit, de la même année, semblent nous contraindre à admettre que ce soi-disant artiste nous dupe, et se moque de quiconque s’aventure profondément dans son œuvre.

Dan Colen - Me, Jesus and the Children, 2003, huile sur plastique, 186 x 153 cm. (à gauche) et Holy Shit, 2003, émail et pâte de moulage sur panneau de bois, 48 × 35 pouces (à droite), photos de Christopher Burke, avec l’aimable autorisation de la Brant Foundation, Greenwich

Ambiguïté Matérielle

En 2006, Colen s’est éloigné de ces images potentiellement faciles à lire et à critiquer pour se plonger dans une investigation de la matérialité. Il a commencé à explorer des matériaux inhabituels comme des bouts de chewing-gum mâchés, des fleurs et des déchets. Les œuvres qu’il a créées à partir de ces matériaux quotidiens ont souvent été comparées à celles des artistes Arte Povera des décennies passées — des artistes qui se tournaient vers des matériaux ordinaires en rejet de l’influence bourgeoise sur le marché de l’art. Mais Colen ne semble pas avoir grand-chose de négatif à dire sur la bourgeoisie. Au contraire, il semble l’avoir acceptée et en avoir tiré profit, et de manière remarquable, sans en être changé.

Les œuvres qu’il a réalisées avec des matériaux quotidiens peuvent simplement être lues comme des explorations des propriétés esthétiques du chewing-gum, des fleurs, de l’herbe et des déchets. Elles ne sont pas un commentaire sur quoi que ce soit. Elles sont simplement le résultat esthétique de matériaux et de processus manipulés par un artiste habile. Dans de nombreux cas, surtout lorsque les œuvres prennent une présence sculpturale, elles semblent presque figuratives, comme un régionalisme urbain, comme si elles avaient été arrachées à l’environnement visuel de presque n’importe quelle ville contemporaine. À propos de ces œuvres, Colen a dit qu’il apprécie la perte de contrôle qu’il ressent lorsqu’il se livre aux exigences des matériaux. Il a comparé cette expérience à celle de faciliter la matérialisation de « formes inévitables — presque comme des formes destinées ».

Dan Colen - The Women's Movement / Crazy Mamma, 2011, déchets et peinture sur toile, 111 3/8 × 85 13/16 × 17 11/16 pouces (à gauche) et This Painting Will Fit Over Your Sofa, 2006, chewing-gum sur toile, 24 × 18 pouces (à droite), © Dan Colen, avec l’aimable autorisation de la galerie Gagosian, photographie de Giorgio Benni

Le Chapitre Suivant

Les différents marchands qui représentent actuellement Dan Colen mènent une campagne pour le recontextualiser en tant qu’artiste digne d’une considération sérieuse, étendue et académique — un artiste promis à la longévité. C’est dans ce contexte que la première grande exposition personnelle de Colen à Londres doit être présentée. Il semble particulièrement approprié que l’exposition ait lieu à la Newport Street Gallery. Ouverte en octobre 2015, la Newport Street Gallery appartient à l’artiste britannique Damien Hirst. Il l’a conçue comme un lieu pour exposer sa collection personnelle d’art, connue sous le nom de Murderme Collection, qui compte plus de 3000 objets.

La Murderme Collection comprend un assortiment sérieux et étendu d’œuvres de nombreux artistes parmi les plus importants et influents du siècle passé. Mais beaucoup de critiques seraient prompts à exclure Damien Hirst lui-même des rangs des artistes sérieux ou importants, bien que peu pourraient raisonnablement nier son influence. À bien des égards, Hirst a souffert tout au long de sa carrière des mêmes types de critiques que Colen reçoit : qu’il est moqueur, cynique, sardonique, ou d’une manière ou d’une autre à ne pas prendre au sérieux. C’est donc un jumelage fascinant que d’exposer Dan Colen dans sa galerie. Et puisque cette exposition promet non seulement des œuvres passées de Colen que Hirst a collectionnées, mais aussi des œuvres nouvelles et des installations in situ fraîches de Colen, elle offre aussi une occasion rare et unique d’examiner ce qui, pour cet artiste fascinant de mi-carrière, pourrait venir ensuite.

Dan Colen - Let's have a war, 2016, fleurs sur lin belge blanchi, 93 × 74 pouces (à gauche) et Dominatrix Tonight, 2015, fleurs sur lin belge blanchi, 88 × 66 × 1 1/2 pouces, images © Dan Colen. Photographie de Christopher Burke. Avec l’aimable autorisation de la galerie Gagosian

Dan Colen à la Newport Street Gallery à Londres, Angleterre, ouvre le 4 octobre 2017 et se tient jusqu’au 21 janvier 2018.

Image en vedette : Dan Colen - Secrets and Cymbals, Smoke and Scissors - My Friend Dash's Wall in the Future (détail), 2004-06, polystyrène, peinture à l’huile, papier, métal, 106 × 113 × 6 pouces, photo de Christopher Burke, avec l’aimable autorisation de la Brant Foundation, Greenwich

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement

Par Phillip Barcio