Elles Font l’Abstraction - Entretien avec la conservatrice en chef de Pompidou, Christine Macel

Le Centre Pompidou écrira l’histoire cet été avec Elles font l’abstraction - la plus complète mise en lumière jamais réalisée de la contribution des artistes femmes au développement de l’art abstrait. La conservatrice en chef du Pompidou, Christine Macel, a rassemblé plus de 500 œuvres de 106 artistes pour l’exposition. Loin de se contenter de remplir les galeries d’art, Macel a saisi cette occasion pour démontrer ce qu’est réellement le rôle d’un conservateur : les conservateurs écrivent, et au mieux corrigent, l’histoire de l’art. Des dizaines des artistes qu’elle a sélectionnées seront familières au public. Des dizaines d’autres seront totalement nouvelles, même pour les experts du domaine. Cela parce que Macel et son équipe ont accompli le travail incroyablement difficile de découvrir et de mettre en lumière des voix féminines mondiales qui, malgré leur génie et leur influence, ont été omises du canon historique de l’art. S’étendant de 1860 aux années 1980, l’exposition et la documentation d’accompagnement - y compris écrits, films et conférences - changeront à jamais notre compréhension de l’évolution de l’abstraction en tant que langage plastique. Après mon entretien récent avec Macel, je suis convaincu que ce n’est que le début. Notre conversation suit ci-dessous.

Merci de nous avoir accordé cet entretien, Christine, je suis admirateur de votre travail depuis que vous avez organisé la Biennale de Venise en 2017. Elles font l’abstraction est-elle la tentative institutionnelle la plus ambitieuse que vous connaissiez pour reconnaître à sa juste valeur la contribution internationale des artistes abstraites ?

Oui, en effet. C’est pourquoi j’ai décidé de mener cette recherche et cette exposition. Il y a clairement eu un processus d’invisibilisation des artistes femmes dans l’historiographie de l’abstraction.

Quelle a été la partie la plus difficile pour organiser cette exposition au Centre Pompidou ?

Le processus de prêt et les questions budgétaires, ainsi que la situation pandémique. Mais je dois dire qu’il y a eu un soutien incroyable des musées et des collectionneurs privés du monde entier, ainsi que des mécènes. En plein milieu de la pandémie, j’ai pu compter sur le soutien de Van Cleef and Arpels, de la Fondation Luma, des Amis du Pompidou, etc., qui ont été décisifs pour réaliser ce projet. Sans oublier la collaboration avec le Guggenheim Bilbao qui a été cruciale pour cette exposition. De nombreux historiens de l’art et chercheurs ont également été très soutenants. Tout d’abord Griselda Pollock, qui est l’une des nombreuses auteures du catalogue et notre invitée d’honneur pour le colloque avec l’association Aware. Les artistes elles-mêmes étaient aussi très enthousiastes. Ce fut un grand élan d’énergie ! J’ai eu d’excellentes discussions avec Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud et Jessica Stockholder, pour n’en citer que quelques-unes.

Ces quatre artistes en particulier ont des langages visuels si différents. C’est rafraîchissant de voir l’incroyable diversité des positions visuelles représentées dans cette exposition.

Ma démarche est d’ouvrir la définition des médiums concernés par l’abstraction, en suivant les positions des artistes elles-mêmes. Le spiritualisme, la danse, les arts décoratifs, la photographie et le cinéma ont fait partie de cette historiographie. Je tiens aussi à insister sur chaque artiste comme étant particulière et originale.

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Avec l’aimable autorisation de la famille Caland. Photo Elon Schoenholz, avec l’aimable autorisation de la famille Caland

Quel ton espérez-vous donner à cette exposition ?

Une explosion de joie et de plaisir ; une admiration et un respect pour toutes ces artistes ; une conscience du long chemin qui reste à parcourir pour approfondir vraiment cette histoire.

Beaucoup d’artistes dans cette exposition n’ont jamais reçu l’admiration et le respect qu’elles méritent. Est-ce encore une expérience aliénante d’être une artiste abstraite aujourd’hui ?

Non, aujourd’hui nous ne sommes pas dans une situation d’aliénation mais d’ouverture, de découverte et de redécouvertes. La porte est largement ouverte, et de nombreux musées, historiens de l’art et jeunes chercheurs travaillent à construire un avenir différent.

Vous auriez sans doute pu inclure beaucoup plus d’artistes dans cette exposition. Comment avez-vous réduit vos choix ?

C’est un processus tellement complexe que je ne peux pas le décrire en quelques mots. La disponibilité des œuvres, le coût du transport, les contraintes d’espace, etc., font aussi partie du résultat final. Mais j’ai réalisé une grande partie de ce que je voulais faire.

Georgiana Houghton - Album of Spirit Art, 1866-84. Image avec l’aimable autorisation du College of Psychic Studies, Londres

Aviez-vous peur d’omettre quelqu’un d’essentiel ?

C’est moins une peur qu’une certaine tristesse, un regret parfois, d’être forcée de choisir. L’omission fait toujours partie du travail, car l’histoire est toujours une histoire partielle. Cette conscience de l’impossibilité même d’un récit total est au cœur de la recherche en général. L’histoire de l’art est toujours inachevée et réécrite. Rien de définitif, juste une proposition.

Vous aviez 8 ans lors de votre première visite au Centre Pompidou. Comment votre perception aurait-elle été différente en grandissant si Elles font l’abstraction avait été l’exposition présentée lors de cette visite ?

Cela aurait été une approche totalement différente. Il a fallu du temps pour réaliser comment l’histoire de l’art était dominée par des historiens et artistes masculins. Je me souviens clairement des artistes que j’ai découverts quand je suis allée au Pompidou enfant : Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, tous des hommes ! Mais adolescente, j’étais très attirée par les écrivaines : Anaïs Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Je me souviens aussi avoir lu Shere Hite, qui était sur la même étagère que Freud à la bibliothèque publique ! C’est peut-être pour cela qu’étudiante, j’ai décidé d’écrire ma thèse sur Rebecca Horn et de traduire tous ses films de l’allemand au français.

Pour reformuler la question que vous avez posée en 2017 en tant que directrice du secteur des arts visuels de la Biennale de Venise : Que signifie être une artiste abstraite aujourd’hui ?

En réalité, être artiste « tout court » devrait être la position correcte. Nous avons dépassé l’essentialisme, espérons-le. Je ne me suis jamais considérée comme une « conservatrice femme ». Comme je le disais, personne n’a jamais demandé à Okwui Enwezor s’il était père ou marié lors de ses entretiens en tant que directeur de la Biennale de Venise. Je trouvais très agaçant qu’on me questionne toujours sur mon genre et ma soi-disant situation de « femme », au lieu de parler de mon travail. Il faut encore beaucoup de recherches et d’expositions pour en arriver là aussi pour les « femmes artistes ». Mais la porte est maintenant grande ouverte et il n’y aura pas de retour en arrière grâce à la jeune génération d’étudiants en art.

Joan Mitchell - Mephisto, 1958. © Succession Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Tout au long de votre carrière, vous avez raconté une histoire plus complète de l’histoire. Mais l’abstraction ne consiste pas tant à raconter des histoires qu’à défier la perception. L’apparition de cette exposition à ce moment signifie-t-elle que vous pensez que notre génération doit revenir à des recherches plus ésotériques ?

Non, je ne dirais pas cela. Mais au moment où les gens vivent avec la virtualité et les images, dans un monde parallèle, principalement figuratif, je ressens que la présence de l’art abstrait nous conduit dans une sphère différente. Il nous parle de quelque chose à la fois ancré dans nos dimensions cognitives et spirituelles. On peut ressentir très précisément ce qu’une œuvre abstraite vous dit, qu’elle soit matérialiste ou transcendante par exemple, qu’elle soit drôle ou tactile, sans aucun mot. C’est un peu comme la musique. La perception suffit pour saisir les points, et même pour sentir qui est l’artiste derrière. À un moment où l’art est parfois trop chargé d’explications et de discours parallèles, j’aime être avec des œuvres qui « parlent » d’elles-mêmes.

Nous remercions Christine Macel d’avoir généreusement accordé cette interview à IdeelArt. Elles font l’abstraction est visible du 5 mai au 23 août 2021 au Centre Pompidou à Paris.

Image en vedette : Hilma Af Klint - Le Cygne, n° 16, Groupe IX/SUW, 1915. Avec l’aimable autorisation de la Fondation Hilma af Klint. Photo : Moderna Museet, Stockholm
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Entretien par Phillip Barcio