Elles Font l’Abstraction - Entretien avec la conservatrice en chef de Pompidou, Christine Macel

Le Centre Pompidou écrira l'histoire cet été avec Elles font l'abstraction - l'élucidation la plus complète jamais réalisée sur la contribution des artistes féminines au développement de l'art abstrait. La conservatrice en chef de Pompidou, Christine Macel, a rassemblé plus de 500 œuvres de 106 artistes pour l'exposition. Loin de simplement remplir les galeries d’art, Macel a profité de cette occasion pour démontrer quel est véritablement le rôle d’un conservateur : les conservateurs écrivent et, au mieux, corrigent l’histoire de l’art. Des dizaines d'artistes qu'elle a sélectionnés seront familiers au public. Des dizaines d’autres seront complètement nouveaux, même pour les experts en la matière. En effet, Macel et son équipe ont accompli un travail incroyablement dur pour découvrir et mettre en lumière des voix féminines mondiales qui, malgré leur génie et leur influence, ont été omises du canon de l’histoire de l’art. S'étendant de 1860 aux années 1980, l'exposition et la documentation à l'appui - notamment des écrits, des films et des conférences - changeront à jamais notre compréhension de l'évolution de l'abstraction en tant que langage plastique. Après ma récente interview avec Macel, j’en suis venu à croire que ce n’est que le début. Notre conversation suit ci-dessous.

Merci d'avoir parlé avec nous, Christine, je suis fan de votre travail depuis que vous avez été commissaire de la Biennale de Venise en 2017. Elles font l'abstraction est-elle la tentative institutionnelle la plus ambitieuse que vous connaissiez pour reconnaître la contribution internationale des artistes abstraites féminines ?

Oui en effet. C'est pourquoi j'ai décidé de faire cette recherche et cette exposition. Il y a clairement eu un processus d’invisibilisation des femmes artistes dans l’historiographie de l’abstraction.

Quelle a été la partie la plus difficile de la réalisation de cette exposition au Centre Pompidou ?

Le processus de prêt et les questions budgétaires, ainsi que la situation pandémique. Mais je dois dire qu'il y a eu un soutien incroyable de la part des musées et des collectionneurs privés du monde entier, ainsi que des sponsors. En pleine pandémie, j'ai pu compter sur le soutien de Van Cleef et Arpels, de la Fondation Luma, des Amis de Pompidou, etc., qui ont été déterminants pour réaliser ce projet. Sans oublier la collaboration avec le Guggenheim Bilbao qui a été cruciale pour cette exposition. De nombreux historiens de l’art et universitaires ont également apporté leur soutien. Tout d'abord Griselda Pollock, qui est l'une des nombreuses rédactrices du catalogue et notre invitée d'honneur du colloque avec l'association Aware. Les artistes eux-mêmes étaient également très enthousiastes. C'était un gros regain d'énergie ! J'ai eu d'excellentes discussions avec Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud et Jessica Stockholder, pour n'en nommer que quelques-unes.

Ces quatre artistes en particulier ont des langages visuels tellement différents. Il est rafraîchissant de voir l’éventail incroyablement large de positions visuelles représentées dans ce spectacle.

Ma démarche est d'ouvrir la définition des médiums concernés par l'abstraction, en suivant les positions des artistes eux-mêmes. Le spiritualisme, la danse, les arts décoratifs, la photographie et le cinéma font partie de cette historiographie. Je veux aussi insister sur le caractère particulier et original de chaque artiste.

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Avec l'aimable autorisation de la famille Caland. Photo Elon Schoenholz, avec l'aimable autorisation de la famille Caland

Selon vous, quel est le ton que vous espérez donner avec cette exposition ?

Une explosion de joie et de plaisir ; une admiration et un respect pour tous ces artistes ; une conscience du long chemin qui nous attend pour vraiment approfondir cette histoire.

Tant d’artistes présents dans cette exposition n’ont jamais reçu l’admiration et le respect appropriés. Est-ce que cela reste une expérience aliénante d’être une artiste abstraite féminine aujourd’hui ?

Non, nous ne sommes pas aujourd’hui dans une situation d’aliénation mais d’ouverture, de découverte et de redécouverte. La porte est grande ouverte et de nombreux musées, historiens de l’art et jeunes chercheurs travaillent à bâtir un avenir différent.

Vous auriez sans doute pu inclure beaucoup plus d’artistes dans cette exposition. Comment avez-vous affiné vos sélections ?

C'est un processus tellement complexe que je ne peux pas le décrire en quelques mots. La disponibilité des œuvres, le coût du transport, les problèmes d'espace, etc. font également partie du résultat final. Mais j'ai réalisé une grande partie de ce que je voulais faire.

Georgiana Houghton - Album d'art spirituel, 1866-84. Image gracieuseté du College of Psychic Studies, Londres

Aviez-vous peur d’omettre quelqu’un de crucial ?

C'est moins une peur qu'une certaine tristesse, un regret, parfois, d'être obligé de choisir. L’omission fait toujours partie du travail, car l’histoire est toujours une histoire partielle. Cette conscience de l’impossibilité même d’un récit total est quelque chose qui est au cœur de la recherche en général. L’histoire de l’art est toujours inachevée et réécrite. Rien de définitif, juste une proposition.

Vous aviez 8 ans lorsque vous avez visité le Centre Pompidou pour la première fois. En quoi votre perception aurait-elle été différente en grandissant si Elles font l’abstraction avait été l’exposition présentée lors de cette visite ?

Cela aurait été une approche totalement différente. Il a fallu du temps pour comprendre à quel point l’histoire de l’art était dominée par les historiens de l’art et les artistes masculins. Je me souviens très bien des artistes que j'ai découverts lorsque j'allais au Pompidou étant enfant : Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, tous des mâles ! Mais adolescente, j'étais très attachée aux écrivaines : Anaïs Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Je me souviens aussi d'avoir lu Shere Hite, qui était sur la même étagère que Freud dans la bibliothèque publique ! C'est pourquoi, peut-être, en tant qu'étudiant, j'ai décidé de rédiger ma thèse sur Rebecca Horn et de traduire tous ses films de l'allemand vers le français.

Pour reformuler la question que vous avez posée en 2017 en tant que directrice du secteur des arts visuels de la Biennale de Venise : que signifie être une artiste abstraite féminine aujourd'hui ?

En fait, être un artiste « tout court » devrait être la bonne position. Nous avons désormais dépassé l’essentialisme, espérons-le. Je ne me suis jamais considérée comme une « femme commissaire ». Comme je le disais, personne n'a effectivement demandé à Okwui Enwezor s'il était père ou marié lors de ses entretiens en tant que directeur de la Biennale de Venise. J'ai trouvé très ennuyeux d'être toujours interrogé sur mon sexe et ma soi-disant situation de « femme », au lieu de parler de mon travail. Nous avons encore besoin de beaucoup de recherches et d’expositions pour en arriver là également pour les « femmes artistes ». Mais la porte est désormais grande ouverte et il n’y aura pas de recul grâce à la jeune génération d’étudiants en art.

Joan Mitchell - Méphisto, 1958. © Succession de Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Ainsi, tout au long de votre carrière, vous avez raconté une histoire plus complète. Mais l’abstraction ne consiste pas tant à raconter des histoires qu’à remettre en question la perception. L’apparition de cette émission à ce moment-là indique-t-elle que vous pensez que notre génération doit revenir à des activités plus ésotériques ?

Non, je ne dirais pas ça. Mais à l’heure où les gens vivent avec la virtualité et les images, dans un monde parallèle, majoritairement figuratif, j’ai l’impression que la présence de l’art abstrait nous entraîne dans une autre sphère. Cela nous parle de quelque chose à la fois ancré dans nos dimensions cognitives et spirituelles. On peut ressentir très précisément ce que vous raconte une œuvre abstraite, qu'elle soit matérialiste ou transcendantale par exemple, qu'elle soit drôle ou haptique, sans aucun mot. C'est un peu comme la musique. La perception est suffisante pour marquer des points, et même pour sentir qui est l'artiste derrière. À une époque où l’art est parfois trop chargé d’explications et de discours parallèles, j’aime être avec des œuvres qui « parlent » d’elles-mêmes.

Nos remerciements à Christine Macel pour avoir généreusement accordé IdeelArt cette interview. Elles font l’abstraction est visible du 5 mai au 23 août 2021 au Centre Pompidou à Paris.

Image à la une : Hilma Af Klint - Le cygne, n° 16, groupe IX/SUW , 1915. Avec l’aimable autorisation de la Fondation Hilma af Klint. Photo de : Moderna Museum, Stockholm
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Interview par Phillip Barcio